El ROCK NUNCA MORIЯA POЯQUE ES INMOЯTAL

JUDAS PRIEST

2011-06-14T19:40:00.035-04:00

Esto de la Semana Santa al parecer terminó enloqueciéndome pues sigo en la onda del “Jesucristo Superestar”... “¡Dios mío, que espectacular!”. Pese a ello, lo anterior, me ayudó bastante a la hora de escoger el siguiente protagonista de mi blog; el mismo que nos golpeará con su puño más rebelde y resplandeciente. “… y si Ian Gillan se reencarnó en los setenta de Jesús, creo que el legendario Rob Halford habría hecho un excelente papel como Judas”, pensé un día de la nada. Y aunque ese rol, como fiel representante de la traición universal, nunca se materializará junto al líder de los Purple, Halford de igual forma se quedó con el simbólico nombre, siendo desde tiempos inmemoriales una de las voces más representativas en la revolucionaria era del Metal. Es así como romperemos la ley, es así como nuestras almas se teñirán de negro, es así como el odio desafiará al amor, y es así como invocaré el temido nombre: JUDAS PRIEST. Fue en el 98’ cuando me dejé atrapar definitivamente con su música (necesitaba nuevos aires Rockeros), y la verdad es que gracias a la genialidad de temas como “Abductors” o la emblemática “Beyond the Realms of Death” sería un pecado arrepentirse. Los inicios se la banda comienzan a fluir como cualquier sueño musical juvenil donde la identidad definitiva cuesta ser encontrada y los primeros acordes son catalogados como el bosquejo de un vil garabato. Es así como en 1969 los músicos Al Atkins, Bruno Stapenhill y John Partridge deciden reinventarse de una vez por todas, lanzando al olvido, lo que era por ese entonces su actual proyecto, “Sugar Stack”. Más tarde se les uniría un nuevo integrante, Ernie Chataway, quién mediante su talento en las seis cuerdas los motiva a componer su propio material. Finalmente la reinvención sería definitiva al presentarse en la siempre demoledora escena Rockera con un nuevo nombre, “Judas Priest”. El ya mítico nombre surgió de casualidad, pues Stapenhill simplemente se inspiró en la recordada canción, de Bob Dylan, “The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest”. Es así como los músicos dan el primer zarpazo de su historia y, a su vez, se matriculan con su primera formación oficial: Atkins en voz, Stanpenhill en el bajo, Chataway en guitarra y Partridge en la batería. Pero eso no sería todo ya que su sueño de antaño recién comenzaría a entibiarse con las llamas del infierno, al grabar su primer demo, el mismo que poseía solo dos canciones, “We’ll Stay Together” y “Good Time Woman”. Y si aquel tan esperado suceso ya era una “bendición”, el sorpresivo interés, por parte del sello discográfico Inmedíate Records, los catapultaría al paraíso. El presente contrato con el sello les significaba tres años de arduo trabajo para consolidar su sonido y grabar su primer álbum de larga duración; pero una lamentable maldición les escupe en la cara tras el rotundo quiebre, en 1970, de Inmedíate Records… lo que también produciría, en ese mismo año, el eventual final de la banda. Sin embargo algunos meses más tarde, los oídos de Atkins, se enfrentarían a la singularidad de un violento sonido proveniente de los tenues rincones de una vieja iglesia, llamada St James, que era utilizada como sala de ensayos. Se trataba de un talentosísimo trío compuesto por el guitarrista K.K. Downing (quien curiosamente se dice fue rechazado, por inexperiencia, en la audición de Judas Priest; siendo Chataway el elegido), el bajista Ian Hill y el baterista John Ellis. Teniendo ante sus ojos la llave de una posible nueva oportunidad para alcanzar el éxito, Atkins, les propone fusionarse bajo el nombre de Judas Priest. Y aunque el trío, autodenominado como “Freight”, era inexperto (de hecho solo tocaban por diversión) decidieron aceptar el trato del vocalista, quien además de apoyarlos con su voz (no tenían cantante), utilizó su antiguo material musical. Es así como la banda vuelve a renacer con nuevos aires, adquiriendo también personalidad y el rumbo que los llevaría a la consagración de su clásico sonido. En 1971 consiguen su primera presentación de gran importancia al ser los llamativos teloneros de Thin Lizzy. Luego, y tras la partida de Ellis, la banda se enfrentaría a constantes cambios en la batería, con los relámpagos ingresos de Alan Moore y Chris Campbell. Pese a ello, Judas Priest, se vuelve a enfrentar con su enemigo más letal: “el poco interés de los sellos discográficos”. Como el dinero se volvió escaso y la situación familiar de Atkins compleja (era el único integrante de la banda que tenía esposa e hijo) decidió, con amargura, desvincularse de la música para buscar un trabajo mucho más rentable. Y si eso era poco la salida de Campbell produciría el golpe de gracia en la ya abatida columna vertebral de la banda. Pese a que la dupla Downing y Hill se encontraba en una difícil situación su espíritu Rockero seguía intacto, tan intacto que se propusieron mantener viva la unión de sus talentos, como verdaderos hermanos de sangre, para tratar de escribir una nueva historia musical. Lo primero que hicieron fue tratar de conservar el nombre de la banda, por lo cual tuvieron que contactarse con su ex compañero, y uno de los creadores directos de Judas Priest, Al Atkins. Como la lealtad es lo primero no dudaron en ningún momento “pedirle prestado” oficialmente el nombre… y él aceptó dándoles también la autorización de utilizar las antiguas canciones. Es aquí cuando el destino vuelve a hacer de las suyas ayudándoles a conocer, de casualidad, a un joven de voz aguda… se trataba de Rob Halford. Su descubrimiento se llevó a cabo cuando una chica, con la cual solía salir Hill, le comentó en uno de sus tantos encuentros amorosos que su hermano podría ser un buen cantante. El bajista consideró la opción y decidió conversar con Halford, fue ahí cuando le planteó la urgente necesidad de tener un cantante. Sin dudarlo, y con la ilusión de popularidad y un renombre a nivel local, el vocalista, deja a lo que era su actual banda (llamada “Hiroshima”) para fusionarse a su nuevo proyecto; el mismo que se completaría con la llegada del baterista John Hinch, otro ex Hiroshima. Con los nuevos integrantes inyectados en las venas de Judas Priest, la banda, vuelve a recuperar su terreno para esta vez quedarse definitivamente con el poder del éxito… es así como desencadenan una serie de giras hasta culminar, a finales de 1973, con la grabación de un nuevo demo. Lo presente, titulado “Ladies”, se trataría de una producción netamente propia que solo incluyó tres canciones: “Ladies”, “Run of the Mill” y “Caviar and Meths”. Y como la esencia del talento siempre es bien compensado, el sello discográfico Gull Records, se fijó, a principios de 1974, en su estilo. Pese ello no todo resultó ser felicidad y alegría ya que el sello les tenía preparado una desagradable propuesta: la inclusión de un teclista o trompetista para reforzar el sonido. La respuesta de Judas Priest fue rápidamente sutil: “¡NO!”. Sin embargo la petición debía ser cumplida estrictamente… por lo que a Downing se le ocurrió la brillante idea de incorporar a otro guitarrista, lo que llenaría los espacios musicales supuestamente vacíos. Finalmente la proposición fue aceptada, y el nuevo integrante resultó ser el gran Glenn Tipton, quien ayudó, en gran medida, a construir un sonido mucho más pesado de lo normal. Fue así como, en 1974, los míticos Priest (bajo la tutela del vocalista Rob Halford, los guitarristas K.K. Downing y Glenn Tipton, el bajista Ian Hill y el baterista John Hinch), se convirtieron en los progenitores de “Rocka Rolla”, su primer trabajo de larga duración que los terminó catapultando a la cúspide de una pirámide tan exigente como la escena Rockera. El peso metálico de las cadenas se escucha a lo lejos, es el sentimiento de esclavitud, las almas en pena de una sociedad corrompida por la frialdad y la poca pasión. Se debe sentir la furia, que ardan los corazones, que se derrita el hielo de la mediocridad, porque esto es pasión, esto es el infierno de los desesperados instrumentos y el angustiante grito del demonio. Se trata de la profunda oscuridad de unos monstruos vestidos con los colores de la noche… PORQUE ELLOS SON Y SIEMPRE SERAN EL FIEL REFLEJO DEL TALENTO EN SU MAXIMA EXPRESION. SI, ELLOS SON: JUDAS PRIEST!!!

Biografía de los integrantes más clásicos de la banda…

Rob Halford : nació el 25 de agosto de el año 1951 en Sutton Coldfield, Warwickshire, Inglaterra. Su pasión por la música se fue forjando en su adolescencia al ser parte, como vocalista, de diversas bandas sin pretensiones de proyección como: Thark, Lord Lucifer, Athens Wood e Hiroshima. Además de aferrarse al micrófono, también trabajaba como ingeniero de iluminación en un teatro. Y aunque su trabajo no le desagradaba del todo, por lo menos ganaba dinero, sus intenciones siempre se mantuvieron en dirección hacia el Rock; pues el hombre tenía un objetivo en mente… solo debía esperar alguna oportunidad concreta para demostrar la poderosa furia de sus cuerdas vocales. De este modo, en 1973, se le presenta la oportunidad de su vida al ser parte de Judas Priest. El responsable directo de este acontecimiento resultó ser Ian Hill, quien a través de su chica (hermana de Halford) pudo contactarse con el talentoso vocalista. Es así como el apodado “Dios del Metal” se convertiría rápidamente en uno de los representantes más fieles del Heavy Metal gracias al inolvidable todo de su voz. Pero eso no es todo ya que también le heredó su imagen más clásica, centrada, en una vestimenta de cuero negro con adornos metálicos que resplandecían a la luz; en compañía de una hermosa motocicleta Harley-Davidson que conducía sobre el escenario. En la década de los 90’, y tras estar plagado de elogios y éxitos, comenzarían a manifestarse una serie de roces dentro de la banda; los mismos que giraban en torno a desacuerdos musicales pues Halford quería interactuar con un Heavy Metal mucho más agresivo. Finalmente en 1992, el vocalista, decide partir de Judas Priest para retomar su propio camino; en su reemplazo llegaría el destacado Tim Owens. Luego de su partida, y en compañía del baterista Scott Travis (quien también dejó a los Priest), Halford, formaría a “Fight”, un proyecto que si bien tenía más crudeza sonora que los Judas… no producía el mismo éxito. Con los lanzamientos de sus trabajos “War of Words” (1994) y “Small Deadly Space” (1995), volvería a buscar un nuevo rumbo, ahora con la influencia de la música electrónica, para crear en 1997 a “2wo”, con quienes lanzó un álbum, “Voyeurs” (1998). En el 2000 renace al tratar de recuperar sus raíces musicales del Heavy Metal, cosa que coincidiría con la creación de un nuevo proyecto, “Halford”. Los atentos oídos de sus clásicos fans volvieron a posarse sobre su voz elogiando sus primeros trabajos, “Resurrection” (2000) y “Crucible” (2002). Pese a ello la definitiva sorpresa, y posteriormente alegría, de los fans se produciría en el 2003 cuando los altavoces de todos los medios de comunicación informan el regreso, en gloria y majestad, del mítico Rob Halford a Judas Priest. Las rencillas pasadas y el odio expuestos son echados a la hoguera para que la clásica máquina de Rock retome su dorado, y tan exitoso, camino. En el 2008 retorna a los estudios de grabación con su banda homónima lanzando a “Halford III: Winter Songs” (2009) y “Halford IV: Made of Metal” (2010).

K.K. Downing : nació el 27 de octubre de el año 1951 en West Bromwich, Inglaterra. De sangre rebelde, Downing, siempre se caracterizó por ser un niño busca problemas pero, a su vez, un adicto al Rock. Solía arrancarse de la escuela para ir a los recitales de sus bandas favoritas, como The Jimi Hendrix Experience… siendo el moreno guitarrista su máximo exponente e influencia. A los quince años dejó los estudios y a los dieciséis sus padres lo echaron a la calle. Sin intenciones de ser alguien en la vida (tan solo pasaba el tiempo) encontró trabajo en una compañía de acero (llamada British Steel), donde sería despedido por abandonar el trabajo pues había preferido ir a un concierto de Jimi Hendrix. Más tarde se dedico a buscar diversos empleos para juntar dinero y así comprar una guitarra eléctrica. Y aunque a esa altura, el joven Downing, parecía no encontrar su cable a tierra… muy pronto se daría cuenta que su mayor vocación se encontraba depositada en algo que solo creía ser un pasatiempo, la música. Comenzó a aprender a tocar la guitarra mediante simples cursos didácticos, y como la práctica hace al maestro ya lograba deleitar con su talento oculto. Pese a que su técnica evolucionaba cada día, no encontraba ninguna banda para ganar experiencia hasta que unió fuerzas con su amigo Ian Hill y John Ellis. Juntos formaron un power trío llamado “Freight”. En 1970 se uniría, en compañía de sus dos aliados músicos, a Al Atkins para ser parte de un renacido Judas Priest; donde se ha destacado por años como uno de los guitarristas más prestigiosos e influyentes en la era del Metal.

Ian Hill : nació el 20 de enero de el año 1951 en West Bromwich, Inglaterra. Desde niño su padre, un bajista de Jazz, lo motivó a interactuar con la música enseñándole a tocar el contrabajo. Sin embargo aquella estrecha amistad, entre padre e hijo, se destruiría con su lamentablemente muerte. Es aquí cuando Hill, con tan solo quince años, decide dedicar su vida, junto al nostálgico recuerdo de su principal mentor, a la música. Más tarde se uniría, como bajista, a su amigo de infancia K.K. Downing y a John Ellis para formar a “Freight”, una banda sin fines de lucro ya que su objetivo principal solo era la diversión mediante el aprendizaje de los instrumentos. En 1970 sería pieza importante, con sus amigos de antaño, de un proyecto que traía consigo un desconocido Al Atkins… se trataba de Judas Priest. Cuando en 1973, los “Priest”, se quedaron sin vocalista tras la irremediable salida de Atkins, Hill, tuvo la gran suerte de descubrir a Rob Halford mediante su novia, de aquel entonces, quien era hermana del magistral vocalista.

Glenn Tipton : nació el 25 de octubre de el año 1947 en Blackheath, Inglaterra. Curiosamente su interacción con la música no se dio a través de la guitarra, pues fue el piano, enseñado por su propia madre, el instrumento que lo acompañó a lo largo de su infancia. Esto último hizo que Tipton se dedicara a practicar con la guitarra recién a los diecinueve años, siendo su hermano, a esta altura, un destacado líder de las seis cuerdas, perteneciente, a una banda llamada Atlantics. A principios de los 70’, Tipton, comenzó a trazar su destino ganando experiencia musical con Flying Hat Band… un proyecto de alto nivel instrumental que logró grabar un álbum pero que su sello nunca se atrevió a lanzar por tener un sonido y estilo bastante parecido a Black Sabbath. Pese a ello daría el gran salto de su vida al convertirse, en 1974, en el quinto integrante de Judas Priest donde destacó por su explosiva genialidad en la guitarra; además de demostrar grandes dotes como pianista. Y aunque sus primeros días de estadía con los “Priest” no resultaba ser algo concreto (solo llegó como músico de refuerzo) terminó consagrándose gracias a su delicado concepto de composición y armonía. En 1997, y mientras Judas Priest pasaba por su etapa más compleja tras la conflictiva salida de Rob Halford, Tipton, se embarcó en un proyecto personal lanzando “Baptizm of Fire” (1997) y, varios años después, “Edge of the World” (2006).

Dave Holland : nació el 5 de abril de el año 1948 en Wolverhampton, West Midlands, Inglaterra. A los seis años comenzó a demostrar sus aptitudes como músico al tomar clases de piano; sin embargo fue su repentina “manía por los tambores” el ingrediente perfecto para transformarlo en todo un baterista. Luego de ser parte, como miembro sustituto, de una banda… tomó definitivamente a la música como forma de vida. Es así como, a los catorce años, se propuso a juntar dinero para ser parte de su primera banda oficial, The Drumbeats. Más tarde se uniría a The Liberators (la misma que después pasaría a llamarse Pinkerton’s Assorted Colours), con quienes sigue tocando luego de abandonar la escuela. El siguiente proyecto de Holland, Finders Keepers, le comienza a mostrar el dorado camino de la consagración, dentro de la escena Rockera, para luego conocer su primer gran éxito junto a Trapeze, un consolidado quinteto liderado por el eterno, bajista-vocalista, Glenn Hughes. Ya en 1979 alcanza la cima de la inmortalidad al ser pieza fundamental de Judas Priest, con quienes graba algunos de los álbumes más clásicos de su historia. Pese a ello en 1989, y tras una serie de problemas personales (la mayoría de ellos ligados a su salud y familia) más una serie de desacuerdos musicales, el baterista, se desliga de los “Priest” para inhalar nuevos sonidos (fue reemplazado por Scott Travis). En los 90’ se dedicó a colaborar y tocar con varios de sus colegas y amigos, además de dar clases particulares de batería… siendo también manager y productor de algunas bandas. Si bien para muchos el nombre “Dave Holland” simboliza talento… para otros, ligados o no al Rock, simbolizaría vergüenza y depravación. Es así como en el 2004, la vida del inolvidable Holland, se sumergió en las tinieblas más oscuras del dolor al ser culpado de violación… mientras ejercía clases de batería en su casa. La justicia fue lapidaria dándole ocho años de cárcel, y la victima un joven de diecisiete años con discapacidad psicomotora. Por otro lado, y desde el 2006, su culpabilidad ha tratado de tomar otro rumbo al manifestarse una y otra vez como inocente. Debería ser puesto en libertad en el 2012.

El Metal nació para convertirse en el movimiento musical más poderoso y revolucionario, al imponerse con su representativo estandarte: la furia de su sonido. De igual manera esto no tendría la misma química sin su otro importantísimo complemento: la imagen. Y la verdad es que hablar de Judas Priest es hablar de Halford, el tipo rudo de la voz rasgada. Si, fue él quien le dio a la banda ese toque tan representativo, centrado en un carácter desafiante y una vestimenta tan oscura como la muerte. Para materializar sus excéntricas ideas decidió utilizar al cuero (con elementos decorativos de metal), inspirándose en los sueños más ocultos de los seres humanos: “el fetichismo sexual y el masoquismo”. Se dice que todos estos implementos, y por supuesto la ropa, utilizados por los músicos fueron comprados en “Sr. S”, una tienda, ubicada en Londres, dedicada al sex-shop. El resultado final fue más que perfecto pues Harlford no solo había conseguido una identidad propia, su marca registrada, si no que también propagó esta ideología a las futuras bandas, y fans; quienes acogieron al ya “tradicional cuero negro” como su segunda piel. Hay quienes desean con ansias el éxito, ser famosos y tocar en una banda… pero también hay otros que anhelan, aunque sea por unos míseros minutos, tener una vida común y corriente, ser sacados de esa maldita inmortalidad musical que los sigue como si fuera su propia sombra. En 1985, el vocalista, comienza a desesperarse silenciosamente… ya que había algo en su interior, un amargo secreto que no podía llevarse a la tumba. Es así como intenta suicidarse tomando una serie de tranquilizantes. Por suerte la situación no pasó a mayores retomando su vida con normalidad, pero con esa angustia interior que le quemaba las entrañas. En 1998, Halford, por fin logró desahogarse en una entrevista para la cadena televisiva MTV, donde reveló su homosexualidad: “Creo que la mayoría de la gente sabe que he sido un hombre gay toda mi vida, y que solo en el último tiempo ha sido un tema con el que me siento cómodo hablar… para hacer frente a algo que me parece tiene su momento, y este es el momento para discutirlo”.

Los álbumes más importantes de la banda…

Rocka Rolla : este álbum fue lanzado el 6 de septiembre de el año 1974. Con una especie de parodia a la famosa bebida “Coca-Cola”, Judast Priest, se presenta ante el mundo musical con un trabajo que rápidamente quisieron olvidar. Se trata de “Rocka Rolla” una obra, por cierto muy ligada al Rock Progresivo, que no buscó más pretensión que reencontrarse así mismos en su presente y futuro destino como creadores. Pese a desenvolverse con material antiguo (antes que Halford llegara), el desconforme señalado apuntaría todos los dardos a su pobre grabación, basada en una serie de problemas técnicos que terminaron sentenciando su mala calidad en sonido; y a un productor con dotes de “dictador”, quien incluso optaría en dejar varias canciones fuera… algunas de ellas convirtiéndose, más tarde, en verdaderos clásicos. Como curiosidad se puede decir que su “amargo fruto musical” fue concebido bajo una llamativa realización “en vivo” al tocar en conjunto sobre los fríos rincones de aquel estudio. El tema más representativo es “Rocka Rolla”.

Sad Wings of Destiny : este álbum fue lanzado el 23 de marzo de el año 1976. Tuvieron que pasar solo dos años para que la banda se abrazara con el éxito, gracias a la magia de “Sad Wings of Destiny” que se consagraría con el definitivo estilo de los ahora ya populares “Priest”. De la mano de un nuevo baterista, Alan Moore (quien se matricula en 1975), el quinteto, rompe todos los esquemas establecidos siendo catalogados como los padres del pulido sonido “Heavy Metal”. Es el nuevo horizonte, el peso de la creatividad, y la presión de seguir creciendo hasta alcanzar una inmortalidad que ya no se miraba con binoculares pues se comenzaría a palpar con las manos. El éxito de esta etapa se puede resumir con solo dos puntos importantes a destacar: 1º la inclusión de los himnos rechazados de “Rocka Rolla” (como “Victim of Changes”, “Tyrant” y “Genocide”) y 2º su brusca mutación de Rock Progresivo a Heavy Metal, este último su reconocido sinónimo. Los temas más representativos son “Victim of Changes” y “The Ripper”.

Sin After Sin : este álbum fue lanzado el 23 de abril de el año 1977. Junto al debut del joven baterista Simon Phillips, quien también llega en 1977, la banda, sigue perfeccionando el lado más crudo de su sonido, manteniendo de igual manera, lo demostrado con “Sad Wings of Destiny”. Sin embargo lo más reconfortante para los músicos llegaría con su esperado debut para el prestigioso sello discográfico Columbia Records; situación que a su vez hizo olvidar el doloroso tropiezo con Gull Records, la misma compañía que les arrebató, al terminar su contrato, todos los derechos de sus trabajos anteriores. Los temas más representativos son “Sinner” y “Dissident Aggresor”.

Stained Class : este álbum fue lanzado el 10 de febrero de el año 1978. Perfectamente se puede decir que a finales de los 70’, Judas Priest, lograría golpear con su puño más certero ya que es el nacimiento del considerado, por muchos, como su trabajo más oscuro. Los músicos por primera y única vez trabajaron como “un todo” en instrumentalización y letras dando como resultado final un ente musical de sangre clásica y huesos de metal. Pese a ello lo nuevo también marcaría el debut del baterista Les Binks (quien llega a mediados de 1977). Finalmente, “Stained Class”, se transformaría en la punta del iceberg al incluir una nueva pauta en sus siguientes álbumes: un mejor desarrollo y producción de su sonido. Los temas más representativos son “Exciter” y “Beyond the Realms of Death”.

Killing Machine : este álbum fue lanzado el 9 de octubre de el año 1978. Como si fueran la fiel reencarnación de un “Tanque” en guerra, el quinteto, arrasa con todo a su paso en lo musical… y ahora en lo visual. Se trataría de una nueva vestimenta mucho más ruda mediante la utilización de ajustados cueros (con brillantes incrustaciones metálicas) que revolucionarían al extremo de llegar a representar, por esos años, la definitiva apariencia de un verdadero fan del Metal. Es el indiscutido sello patentado por Halford, quien además de rugir con la particularidad de sus potentes cuerdas vocales… le brinda a la banda el último toque que les faltaba. Como curiosidad, su sello discográfico, decidió cambiar el titulo original del álbum, para su posterior lanzamiento en EE.UU. (año 1979), por supuestos motivos comerciales al considerársele un nombre muy violento. Fue llamado “Hell Bent for Leather”. Los temas más representativos son “The Delivering the Goods”, “Before the Down” y “Hell Bent for Leather”.

British Steel : este álbum fue lanzado el 14 de abril de el año 1980. Dejando un poco de lado la oscuridad de sus líricas, “Los Priest”, ahora le dan a sus composiciones una directa madures para criticar varios aspectos de la sociedad. Sería la verdadera esencia musical del quinteto pues estamos ante unos de los trabajos más importantes de la banda… en términos de éxito consolidado, prestigio mundial y posterior legado. Con un Heavy Metal electrizante en todas sus extremidades y una voz desgarrada a límites insospechados… la inmortalidad hace su presencia acariciándolos definitivamente. Y como ya es casi una costumbre, es también el debut del excelente baterista Dave Holland, quien es reclutado en 1979. Los temas más representativos son “Metal Gods”, “Breaking the Law” y “Living After Midnight”.

Point of Entry : este álbum fue lanzado el 26 de febrero de el año 1981. Teniendo al vigente éxito del “British Steel” zumbándole en los oídos como abejas asesinas, la banda, sigue manteniendo su nivel musical sin entrar en desesperación, ya que sabían muy bien que superarse a si mismos sería un nuevo reto… la vara había quedado demasiado alta. Sin embargo, “Point of Entry”, demostró el explosivo talento de sus integrantes que si bien se distanciaron algunos metros de su Heavy Metal puro, dándole paso a una especie de Hard Rock, salieron adelante con su fiel aliado de antaño… la pasión. Y aunque las guitarras se volvieron más melódicas que de costumbre y la voz se mimetiza en un estado más armónico de lo normal, Judas Priest, no se estanca y vuelve a la carga con su prestigiosa raza Rockera. Los temas más representativos son “Heading out to the Highway”, “Don’t Go” y “Hot Rockin”.

Screaming for Vengeance : este álbum fue lanzado el 17 de julio de el año 1982. Y nuevamente la banda lo consigue siendo así el Rey Midas del Metal. Si bien su radical éxito ya no es una sorpresa… lo sorprendente sería el notable cambio en su sonido, ahora mucho más comercial, pero siempre con esa fuerza tan profunda que los caracteriza. Son aplaudidos por la crítica, adorados por sus fans… y consiguen (por supuesto sin igualar) lo propuesto con el inolvidable “British Steel”. Dato aparte, “Screaming for Vengeance”, ayudaría a percibir al Metal de una forma más abierta, y no tan encasillada a la hora de experimentar con su sonido. Los temas más representativos son “Electric Eye” y “You’ve Got Another Thing Comin”.

Defenders of the Faith : este álbum fue lanzado el 4 de enero de el año 1984. Siempre con la creatividad intacta y las inagotables ganas de seguir escribiendo su nombre en el Rock, Los Priest, vuelven a sorprender con otra de sus clásicas joyitas, la misma que traería como novedad la utilización de los sintetizadores. Su estilo sigue la misma senda que su antecesor, pero con letras más atrevidas. Esto último daría paso a la polémica con la canción “Eat Me Alive” al ser considerada, por la odiada Parents Music Resource Center, como obscena ya que posee una supuesta lírica inspirada en el sexo oral. La magia fluye por doquier, el éxito sigue siendo como una sombra adherida a su espina dorsal…y aún queda historia por contar. Los temas más representativos son “Freewheel Burning” y “Night Comes Down”.

Turbo : este álbum fue lanzado el 31 de marzo de el año 1986. Sin duda, lo nuevo, sentenciaría “un antes” y “un después” en la dorada carrera musical de Judas Priest. Por un lado tenemos la arriesgada mutación que tendría su clásico sonido al ser fusionado con otro estilo que también producía furor por ese entonces, pero extremadamente diferente, el Pop. Se pensó solo en vender con una peligrosa sobre confianza, así el sonido debía ser sintetizado de raíz. Es la nueva era de un hijo concebido bastardo que pese a ser odiado desde el principio por sus acérrimos fans… con el tiempo fue ganado terreno hasta ganarse un espacio dentro de los trabajos más representativos de la banda. Pero eso no fue todo ya que también salió a la luz pública el lamentable intento de suicidio de Halford (mientras grababa el álbum) al estar cansado de ocultar su homosexualismo. Es así como nacen los primeros roces dentro de un quinteto apuntado como traidores de sus orígenes, por parte de una comunidad “metalera” enfurecida que a esta altura ya los veían como si fueran la mismísima “María Magdalena”… y aunque aquí tampoco se lanzaron piedras, la crítica terminó haciendo de las suyas. Como curiosidad, la banda, escribió la canción “Parental Guidance” en venganza a las pasadas acusaciones por parte de la Parents Music Resource Center. El tema más representativo es “Turbo Lover”.

Ram it Down : este álbum fue lanzado el 17 de mayo de el año 1988. Hay que recordar que no solo el fútbol tiene revanchas, pues el Rock también las tiene… es así como Halford y compañía retornan a los estudios para volver a renacer como el majestuoso “Ave Fenix”. Solo tuvieron que rememorar su pasado, incinerar las malas vibras, y concentrarse en su creatividad soltando a ese monstruo interior de antaño que tanto pide a gritos ser escuchado. Y aunque el recibimiento fue tibio, “Ram it Down”, los ayudaría a retomar sus gloriosos inicios en un, dos por tres. La crudeza de su sonido los conduce por carreteras más conocidas, además de sembrar una nueva semilla… que muy pronto brotará de la sagrada tierra. El tema más representativo es “Ram it Down”.

Painkiller : este álbum fue lanzado el 3 de noviembre de el año 1990. Ni la abrupta salida del baterista Dave Holland (reemplazado por Scott Travis) opacaría la resurrección de Judas Priest, quienes vuelven a tatuarse con los colores de la noche… terminando de pagar esa tormentosa deuda musical con sus fans. Se rompen las cadenas comerciales para golpear nuevamente con su puño, envuelto, por la sangre del Metal. Los instrumentos recobran su espíritu y las guitarras gritan, la batería saca chispas, el bajo es sólido como el acero y la voz es más desafiante que nunca gracias a su bestial rugido (sin olvidar la colaboración del maestro Don Airey en los teclados). Se comienza a hablar de un quinteto maduro, centrado en su historia y raíces, que incluso no tiene miedo a acoplarse con los dominios del Speed Metal. Sin duda estamos ante uno de los álbumes más importantes e influyentes de los 90’. Pese a ello se vendría un verdadero cataclismo en el corazón de los Judas, tras la angustiosa salida del eterno Rob Halford, quien decide forjar su propio camino y alejarse de la constante tensión dentro de la banda. Los temas más representativos son “Painkiller”, “Metal Meltdown”, “Night Crawler” y “A Touch of Evil”.

Jugulator : este álbum fue lanzado el 16 de octubre de el año 1997. No habría que ser muy sabio para comprender el difícil momento de la banda, un momento agridulce si pensamos que la decisión final arremetió en un abrir y cerrar de ojos. La partida de Halford fue un balde de agua fría para la talentosa columna vertebral del quinteto, y pese a que el espectáculo siempre debe continuar… el tiempo se hizo eterno con sus siete años de silencio sepulcral. Fue así como en 1997, el “Judas sacerdote”, vuelve a renacer de sus oscuras cenizas con la furia de un sonido mucho más agresivo, en compañía de letras apocalípticas; sin olvidar al nuevo integrante: Tim “Ripper” Owens, un joven demoledor vocalista perteneciente a “British Steel” (banda tributo a Judas Priest). Y aunque el recibimiento del álbum estuvo debatido por aquellos que aceptaron al nuevo sonido como un proceso evolutivo y rechazado por aquellos que anhelan de vuelta al clásico estilo de antaño… no podemos negar que estamos ante una obra interesante en su propuesta pues se podría resumir rápidamente con la palabra “furia”. Los temas más representativos son “Blood Stained”, “Burn in Hell”, “Abductors”, “Bullet Train” y “Cathedral Spires”.

Demolition : este álbum fue lanzado el 16 de julio de el año 2001. El explosivo talento de Owens, más su incondicional fanatismo por Judas Priest, lo consolidaron en la escena Rockera digan lo que digan o piensen lo que piensen ya que reemplazar a Halford no era tarea fácil… sobre todo al recordar que su salida se produjo en un de los mejores momentos de la banda, junto al lanzamiento del legendario “Painkiller”. Fue así como “Demolition” siguió la huella musical de su antecesor con ese sonido tan oscuro y furioso, en compañía de una voz que no solo ayudó a mantener el nivel si no que también rejuveneció los cimientos de un quinteto que se encontraba a punto de caer al abismo del olvido. Pese a ello lo clásico siempre tendrá ventaja, así lo dejaron en claro los fans y así lo pensaban los propios músicos. Owens siguió adelante, con el fiel respeto de muchos, pero cargando con la cruz de una serie de rumores que dictaban el posible regreso del “Dios del Metal”. El tema más representativo es “Hell is Home”.

Angel of Retribution : este álbum fue lanzado el 23 de febrero de el año 2005. Y los rumores se hicieron realidad con el esperado regreso de Rob Halford tras trece largos años de ausencia. La química de antaño arde de la nada y el éxito se asoma otra vez… es el indiscutido sonido clásico de ese ya conocido proyecto setentero, el mismo que ha traído tantas alegrías al exigente pueblo metalero. La maquina creativa comienza a mover sus piezas, fluyen nuevas ideas, se palpa la energía… y la banda arrastra consigo el mismo legado de antaño. Los temas más representativos son “Judas Rising” y “Revolution”.

Nostradamus : este álbum fue lanzado el 13 de junio de el año 2008. Último trabajo de los míticos músicos que llega con una grata sorpresa: sería el primer álbum doble de Judas Priest. Es así como nos adentramos en la vida del popular profeta Nostradamus, y es así como nos desplazamos por esta magistral obra conceptual. Lo nuevo también trae la novedad de contar con la presencia de orquestas sinfónicas, coros y más teclados (junto a Don Airey). Los temas más representativos son “Dawn of Creation” y “Visions”.

Se nos alejó un grande: K.K. Downing…

El pasado 20 de abril del 2011 el legendario monstruo de las seis cuerdas metálicas, K.K. Downing, anunció su partida de Judas Priest… dejando prácticamente helados a sus seguidores. La fuente oficial fue emitida desde su propio sitio web donde plantea problemas y roces al interior de la banda. Si bien el quinteto se encontraba concentrado en su gira mundial de despedida, llamada The Epitaph World Tour, el guitarrista no quiso traicionarse a si mismo, sintiéndose desconforme y alejándose de forma amigable. En su reemplazo llegó el joven Richie Faulkner, quien tendrá la difícil misión de llenar un vacío sobre el escenario que jamás será olvidado.

El futuro de Judas Priest…

Tras la lamentable salida de K.K. Downing y la incorporación de Richie Faulkner, la banda, dio inicio el 7 de junio de este año (2011) a su proyecto en vivo más esperado: The Epitaph World Tour. Se espera una mega fiesta teniendo en cuenta la calidad de las clásicas canciones, el virtuoso carisma de los músicos y, sobre todo, por ese maldito amargo sentimiento que será escuchar por última vez a nuestros ídolos de siempre. Sin embargo se especulan, como era de esperar, diversas teorías al supuesto adiós, ya que también se habla de la grabación de un nuevo álbum terminada la gira. Sorpresas y más sorpresas, es el tira y afloja de una banda que siempre ha estado presente, sea como sea, en los oídos de quienes los amamos y admiramos. Y aunque sus cuerpos han sido victimas de la crueldad del tiempo, el sonido de Judas Priest se quedará forjado en acero hasta la eternidad… porque son pocos los músicos merecedores de la tan preciada inmortalidad. Debemos estar agradecidos porque “EL JUDAS SACERDOTE NOS HA BENDECIDO CON LO MAS SAGRADO DEL METAL”.

Así finalizo la publicación de esta maravillosa banda inglesa. Como siempre quiero agradecer a todos los que leen y comentan mis escritos. Nos veremos muy pronto con otro prestigioso ente Rockero.

JESUCRISTO SUPERESTRELLA

2011-04-25T04:09:00.018-03:00

Comenzaré diciendo: "MUCHAS GRACIAS A TODOS!!!" La verdad es que para mi ha sido una verdadera sorpresa, y orgullo, saber que siguen leyendo mis escritos, sobre todo, luego de tanto tiempo sin retomar mi blog (más de un año), así que solo puedo decir: gracias. Es por eso que vuelvo a esta, mi humilde, casa con las mismas ganas de antaño, con el mismo espíritu y, sobre todo, con la misma sobredosis de música… porque esto es vida, esto es creatividad, esto es pasión, esto es todo, esto es: SIMPLEMENTE ROCK!!!

Bueno la siguiente publicación será muy especial pues les hablaré de un álbum mítico, de una verdadera joyita (de esas que brillan por sí sola), y aunque esta “bendecida” por temáticas, o letras, un poco alejadas de la rebeldía musical… sigue teniendo en sus líricas aquella furia interpretativa tan tradicional de los Dioses Rockeros. Y a pesar de que durante estos días mi mente ha sido invadida por un sin fin de bandas (las mismas que piden a gritos su propio espacio), opté por rendirle un merecido homenaje a un álbum que de niño me ha encantado: “Jesucristo Superestrella” (versión Española). Para entrar de lleno a este consagrado trabajo, les contaré un poco de su historia: En 1970, el libretista Tim Rice y el compositor Andrew Webber, unieron su indomable talento ingles para intentar darle forma a lo que era, inicialmente, un bosquejo realmente insólito: “un musical sobre la vida de Jesús”. Tras borrar ideas y escribir otras, el proyecto, quedó consolidado en torno a la última semana de vida de Jesús. Y si se preguntan: ¿cual es la gracia?, les cuento que la historia esta relatada a través de la visión de Judas Iscariote. Si bien el primer paso ya estaba dado, había un detalle bastante amargo, pues como era de suponer cuando se plantean temas tan complejos como la religión, los fanáticos, salen de inmediato en su defensa como si los atacará su archienemigo, el demonio. Y si lo anterior fue difícil, elegir la voz de los roles protagónicos (Jesús, Judas y María Magdalena) resultó ser una tarea épica. Luego de analizar en detalle algunas voces, los elegidos fueron el legendario Deep Purple, Ian Gillan, como Jesús, el destacado actor-cantante Murray Head como Judas y la carismática voz de Yvonne Elliman como Magdalena. Finalmente el, para muchos polémico, musical debutó en 1971, siendo la localidad de Broadway su cuna de nacimiento. Y como era de esperar abrió sus ojos al mundo, saturado, por gritos de elogios y desagrado, mediante su gran controversia: "la humanizada imagen de Jesús", quien muestra un lado mucho más distinto a lo que se acostumbra enseñar en la Biblia. Pese a ello, y junto al pasar del tiempo, este insólito recital fue reuniendo la suficiente fuerza para tallar su nombre, con solidez y éxito, en el siempre importante “testamento” de la música.

Ya en 1974, los países de habla hispana, realizaron sus propias versiones… concibiéndose, en 1975, la notable versión española, liderada por el siempre majestuoso Camilo Sesto. Fue así como verdaderos monstruos de la música popular se forjaron al unísono para dar rienda suelta a un renovado “Jesus Christ Superstar”, pues esta sería, a mi gusto, la versión más espectacular jamás antes realizada. Ahora analicemos un poco a los protagonistas: Camilo Sesto (en su mejor época) como Jesús, la desgarradora voz e interpretación de Teddy Bautista como Judas y la hermosa voz de Ángela Carrasco como Magdalena… sin olvidar a otros consagrados nombres como Guillermo Antón (Pedro), Charly Chausson (Caifás), Alfonso Nadal (Pilatos) y Dick Zappala (Herodes). Después de haber mencionado a estos inmortales genios del canto, es momento de llamar al escenario otro importantísimo factor, la banda sonora. Las canciones de “Jesucristo Superestrella” están compuestas por un sin fin de melodías y estilos, donde el Rock es su máximo exponte gracias a la profunda interpretación de Judas. Sin embargo también podemos encontrar brillantes baladas y desafiantes acordes ligados al pop, en compañía de seductoras letras… las mismas que se debaten entre el amor y el odio. “Jesucristo Superestrella” me enseñó a respetar mucho más a la música, elogiando también la destreza vocal de otros artistas que, en sus solitarias carreras, no están para nada relacionados con el Rock. Es así como vuelvo a levantar el telón, con el fuego ardiendo en mis venas, gracias a este maravilloso álbum, capaz de remecer corazones y sentenciar oídos por doquier ya que estamos ante una leyenda tan inmortal como su nombre y tan radical como sus letras. Se nos fue otra “Semana Santa”, pero nos queda este valioso tesoro… el mismo que conservo con tanto cariño. Jesús entonó con tristeza: “Uno de vosotros, de mis escogidos, me ha de traicionar…” y Judas se atormentó gritando: “¿Porqué me elegiste a mí?, mátame, mátame, mátame…”.

OASIS

2010-02-25T16:59:00.034-03:00

A veces la gente mal entiende el verdadero significado de ser “directo” ya que lo confunde con ser “antipático”; una antipatía que solo terminará disparando, la primera bala, de una guerra sin sentido. Es así como hoy necesitaré que la rebeldía se haga presente en este bendito lugar y que las acidas palabras se conviertan en dulces melodías… para poder así invocar a los insolentes ingleses de Oasis; uno de los proyectos musicales más confrontacionales y polémicos de la siempre exigente escena Rockera. Mi relación musical, con estos verdaderos catedráticos de la lengua conflictiva, nace, en 1998, a través de su consagrado álbum “Be Here Now”. Los inicios de la banda florecen tímidamente, en 1991, cuando un grupo de amigos, integrados por Paul Arthurs, Paul McGuigan, Tony McCarroll y Chris Hutton, deciden conquistar la cima, del éxito y la gloria, con “The Rain”. Pese a ello, todo comenzó a tomar forma, con la incorporación (en reemplazo de un despedido Hutton) del talentoso vocalista Liam Gallagher, quien luego de una brillante audición se quedó con el privilegiado lugar. Con su tan esperada llegada, las cosas parecieron marchar mejor, pero el camino siguió siendo caprichoso, poniéndoseles, cada vez más, cuesta arriba. No había escapatoria, no había más soluciones, pues necesitaban, con urgencia, la presencia de un líder natural… el mismo que debería tener la suficiente fuerza creativa, e instinto animal, para poder sacarlos, a flote, de esa mierda llamada inseguridad musical. Fue así como el hermano mayor de Liam, Noel Gallagher (técnico, o roadie, de los Inspiral Carpets), tras ver una presentación de The Rain, les ofrecería su endemoniada creatividad, asegurándoles, la pronta conquista del éxito. La actitud desafiante fue finalmente aceptada, convirtiendo, a Noel en la pieza fundamental de la composición y liderazgo. Lo último también llegaría acompañado por el nuevo nombre de la banda, Oasis; por cierto inspirado en un poster publicitario (visto en una de las tantas habitaciones que reservaron mientras iban de gira con Inspiral Carpets) que invitaba a un lugar llamado “Oasis Leisure Centre”. De inmediato, el peso musical de Noel, se impuso, mutando, sus tibios pensamientos de antaño a insaciables deseos de ser superestrellas; sin olvidar el drástico cambio en su sonido, ahora mucho más pulido… tanto en nostálgicos acordes como en desgarradores riffs. A esta altura, Oasis, ya había encontrado su verdadero carácter e identidad, ganando, un envidiable prestigio por todos los rincones de su ciudad natal, Manchester. Sus presentaciones se volvieron tan masivos que la majestuosidad de su nombre se ramificó, como un devastador virus, hasta hacerlos populares… siendo, incluso, invitados, en 1993, al exótico, club escocés, King Tut’s Wah Wah Hut para ser teloneros de una banda llamada Sister Lovers. Con el orgullo a flor de piel, por la gran oportunidad, juntaron el dinero necesario (con la ayuda de algunos amigos) para contratar una camioneta y así partir rumbo a lo desconocido. Y aunque, inicialmente, tuvieron que tragarse la amarga humillación de no poder ingresar al club, ya que su nombre no apareció en la lista de invitados, se las ingeniaron para entrar, deslumbrando, a un público que terminó enloquecido con la magia de sus canciones. Pero eso no sería todo, pues los ases ganadores del destino, se les adhirieron al ser vistos por Alan McGee (ejecutivo del sello discográfico Creation Records), quien les ofrecería grabar su primer trabajo de larga duración. En 1994, la banda, concebiría su tan ansiado sueño Rockero, al lanzar (con Liam Gallagher en voz, Noel Gallagher y Paul Arthurs en guitarras, Paul McGuigan en bajo y Tony McCarroll en batería) su aclamado álbum debut, “Definitely Maybe”. Oasis siempre se ha caracterizado por la inteligencia de sus letras, el tono de sus voces y la indomable rebeldía de sus actos, cosa que los convirtió, sin restricciones, en un verdadero referente de la mítica frase: “Sexo, Drogas y Rock and Roll”. LA VIDA, DE LA NADA, LOS UNIO; EL DESTINO, CON PASION, LOS CONSAGRO Y EL TALENTO, SIN PEDIR NADA A CAMBIO, LOS INMORTALIZO. HABLO DEL SENTIMIENTO, EL AMOR Y ODIO, DE UNA BANDA PERFECTA EN TODO SU ESPLENDOR, PERO CON ALARMANTES AIRES SUICIDAS DE ORGULLO... ES, SIMPLEMENTE, EL ELEGANTE ROCK DE OASIS.

Biografía de los integrantes originales de la banda…

Noel Gallagher : nació el 27 de mayo de el año 1967 en Longsight, Manchester, Inglaterra. Creció, junto a sus hermanos Paul y Liam, en un entorno familiar infeliz… por las constantes golpizas y malos tratos de un padre alcohólico. Tras el divorcio, en 1976, de sus padres, Noel, mostró la verdadera identidad de su carácter, al imponerse, como un joven bastante conflictivo… siendo expulsado a los quince años del colegio por arrojar bolsas de harina a sus profesores; además de concebir reiterativos robos (sobre todo radios de autos) y conflictos con la policía. Su violenta rebeldía también lo hizo ser parte de los temidos hooligan (supuestos hinchas, auque debería ser vándalos, de fútbol). Luego de recibir la libertad condicional de seis meses, por robar en una tienda, se dedicó a tocar la guitarra, la misma que su padre había olvidado, haciendo covers de sus bandas favoritas. Fue por este tiempo cuando se perfeccionó como guitarrista, escribió canciones, trabajó (en la empresa constructora de su padre) y consumió drogas. Pese a ello, su aburrida rutina, tendría un positivo vuelco cuando conoció al guitarrista, de Inspiral Carpets, Graham Lambert en un concierto de Stone Roses. Su amistad sería muy importante para Noel... ya que gracias a esto aprendería a desenvolverse en los negocios, y la ética de trabajo, de un músico. Su devoción, por Inspiral Carpets, llegó a ser tan grande que, incluso, audicionó para ingresar a ella como vocalista, al enterarse que, el cantante, Steve Holtla se retiraría. Pero pese a ser rechazado, sería, finalmente, reclutado como roadie. En 1991, se fusionó a The Rain… el tímido proyecto de su hermano menor Liam. Inicialmente se le ofreció ser el manager, pero él se negó pues solo aceptaría con la única condición de quedarse con todo el control creativo, siendo así, su principal compositor: “Me dejan escribir las canciones y somos superestrellas, o se quedan aquí en Manchester para el resto de sus tristes vidas”. Con la llegada del talentoso Noel, los músicos, se volvieron a rebautizar, llamándose, Oasis; nombre que los haría conocer, en carne propia, el lado más dulce del éxito. Dentro de la banda demostró su exquisito talento a la hora de escribir canciones, sin olvidar su desafiante carácter, la de un tipo sin pelos en la lengua, situación que le ha adjudicado infinitos conflictos tanto con su hermano como con otros personajes ligados al mundo de la música.

Liam Gallagher : nació el 21 de septiembre de el año 1972 en Burnage, Manchester, Inglaterra. Al igual que sus hermanos, Liam, también fue un niño atormentado por los maltratos de su padre alcohólico. Esto último lo terminó convirtiendo en todo un rebelde busca pleitos… situación que lo hizo ser expulsado, a los quince años, del colegio. Como si se trataran de inofensivos juegos, se encargó, junto a Noel, de enrollarse en una serie de problemas con la policía, a raíz, de sus constantes robos a tiendas. Pese a no demostrar mucho interés en la música, comenzó a desarrollar un sorprendente e innato talento como vocalista, siendo, más tarde, tan fanático de The Beatles que, incluso, llegaría a decir que es la viva reencarnación de John Lennon. Su estrecha relación con el Rock se fue incrementando hasta ser parte de su primera banda, The Rain. Y aunque su voz era una bendición, en compañía de unos colegas talentosos, sabía que algo les faltaba… sobre todo después de escuchar a Noel decir: “Son una porquería”. Fue así como decidió invitarlo (conociendo su intelecto en la creación de canciones) al proyecto, sin saber que este se impondría, antes de aceptar, con sus propias leyes, centradas, en el absoluto poder de la creatividad. Con la definitiva incorporación de su hermano pasarían a ser, simplemente, Oasis (nombre impuesto por Liam), los nuevos reyes del éxito. Su endemoniada personalidad también lo ha involucrado en diversas peleas con otros músicos… y hasta con su propio hermano.

Paul Arthurs : nació el 23 de junio de el año 1963 en Burnage, Manchester, Inglaterra. Su interacción con el Rock comenzó, tras salirse de la escuela y trabajar como albañil, en 1984... al formar su primer proyecto llamado “Pleasure and Pain”. Sin embargo, lo más importante de su intento por tener una carrera musical, se asomaría, a finales de los 80’, con la creación, en compañía de sus amigos, de “The Rain”. Tras la salida de su vocalista original, Chris Hutton, la banda, da su primer paso a la fama con la incorporación de Liam Gallagher, quien, precisamente, terminaría formando la dupla creativa con Arthurs. Pero como todos sus esfuerzos, sin descanso ni pausas, no lograron satisfacer, para nada, sus objetivos… se les unió, para llenar ese angustiante vacío, Noel Gallagher. Dentro de Oasis, Arthurs, se consagró como un verdadero multi-instrumentista (tocando el piano y el melotrón), además de ser el líder de la guitarra rítmica. En 1999 abandonaría la banda de sus amores para dedicarse a su familia, sobre todo, a los cuidados de su primer hijo, nacido en 1997, Jude (llamado así en homenaje al clásico de The Beatles, “Hey Jude”). Su reemplazante sería el guitarrista Gem Archer. Más tarde retomaría su camino como músico formando varios proyectos, y colaborando en otros, como “Moondog One” y “The Vortex”.

Paul McGuigan : nació el 9 de mayo de el año 1971 en Manchester, Inglaterra. Cuando sus sueños de ser futbolista se frustraron, a los dieciséis años, debido a una grave lesión en un ligamento de su rodilla, se interesó, aún más, por su segunda pasión, la música. Fue así como decidió formar, junto a sus amigos, a The Rain, un proyecto Rockero sin muchas pretensiones de gloria… pero con un orgullo interior que muy pronto saldría a relucir con la llegada (tras audicionar) de su amigo de escuela Liam Gallagher y, posteriormente, la de su hermano, Noel Gallagher. En Oasis no solo brilló con su exquisita técnica en el bajo, pues también fue su centro espiritual, el tipo que calmaba las cosas, sobre todo cuando Noel y Liam se sumergían en el alcohol para luego desatar diversas polémicas. Al igual que Paul Arthurs, McGuigan, también se retiró de la banda para dedicarse a su familia y a los cuidados de su primer hijo, Patrick. Para el bajista tocar música era divertido, y cuando esa diversión se acabara abriría las puertas de su retiro… es así como, el éxito y los conflictos, se mezclaron hasta agotar las relaciones: partiendo primero Arthurs y ahora él. Tras su alejamiento, de Oasis, no concibió ningún proyecto… solo escasas presentaciones como DJ.

Tony McCarroll : nació el 27 de junio de el año 1972 en Levenshulme, Manchester, Inglaterra. Sin saberlo, ni meditarlo, sus tan ansiados anhelos de éxito se hicieron realidad con la creación de su primer proyecto, entre amigos, llamado, originalmente, The Rain… para más tarde convertirse en Oasis. Y aunque la fama le cayó del cielo, como si fuera una lluvia cristalina, siendo baterista de una banda que ya se inmortalizaba con una insolente revelación… el ambiente interior explotaría en las llamas del infierno. Todo comenzó cuando su sello discográfico, Creation Records, les entregó, por adelantado, la suma de “£1,000” para comprar instrumentos. Con el dinero, Noel, compró nuevos equipamientos para la banda, pero se negó, rotundamente, a invertir en la batería… situación que enfadaría a McCarroll, quien hasta había prestado dinero de su propio bolsillo (“£600”); el mismo que Noel no le devolvió, con el adelanto del sello, pues lo gastó en una guitarra. Como las cosas no se solucionaron de buena manera, el baterista, terminó partiendo en 1995… siendo más tarde reemplazado por Alan White. De ese mismo año, en adelante, Noel, se encargaría de lanzar sus ácidos dardos en contra de su ex colega… olvidando su nombre en entrevistas y criticando su talento. En 1999, McCarroll, se lanzaría, nuevamente, al ataque, iniciando, una disputa legal que, finalmente, acordaría “£6000,000” para el baterista. En relación a lo musical, solo se sabe que en el 2000 tocó para una banda llamada Raika. Como comenté anteriormente, los hermanos Gallagher, además de destacar por sus extraordinarios himnos musicales… también se han hecho muy famosos por sus venenosos ataques verbales, los mismos que son recibidos, por sus víctimas, como si fueran una verdadera patada en los testículos. Los tipos opinan, deslenguadamente, sin importarle a “que o a quien”, pues ni sus mismísimos ídolos de antaño se han salvado de sus oscuras palabras. *El gordito boxeador: en una ocasión, Noel, dijo que solo conocía a Robbie Williams como: “El bailarín gordo de Take That”; quien luego se burlaría mandándole una corona de flores, en condolencias, por las duras críticas que recibió el álbum, de Oasis, “Standing on the Shoulder of Giants”. Más tarde apareció Liam defendiendo a su hermano, mientras que William, solo atinó a ofrecerle puñetazos… como si fueran a debatirse el título mundial de boxeo. *El pelado sin cojones: “La gente odia a tipos como Phil Collins, y si no lo hacen deberían”, “Phil Collins vendió muchos discos pero sus álbumes eran una mierda” o “Phil Collins sabe que no puede decir nada sobre mi, porque yo tengo pelotas y eso es lo que él tiene en la cabeza, por eso está pelado”. Pese a aquellas violentas ironías, el mítico integrante de Genesis, solo se ha hecho a un lado, para no entrar en el juego, diciendo: “Son unos maleducados y no son tan buenos como ellos creen. No soy de hablar mal de la gente, pero en este caso se la han tomado conmigo”. *Que se mueran: cuando Oasis se encontraba en la cima del éxito y popularidad (gracias a su álbum (What’s the Story) Morning Glory?), se vieron envueltos en una radical guerra de egos con, los otros también populares, Blur. Como de costumbre fueron, nuevamente, los hermanos en encender la hoguera… interpretando, tras recibir el premio máximo al ser catalogados como la mejor banda británica de 1996, una nueva versión de “Paklife” (obra de Damon Albarn), llamada “Shit-life”. Sin embargo lo más desastroso se produjo cuando Noel se atrevió a decir sin pensar: “Deseo que Damon Albarn y Alex James de Blur contrajeran SIDA y muriesen”… luego se disculparía por tal disparate. Por otro lado, Albarn, solo diría: “No me importó demasiado porque Oasis me gusta. Es la clase de asunto que te importa en la escuela primaria, algo muy infantil”. *El incomprendido aislado: “La vida es algo grandioso, ¿Por qué te alejas de ella?, no entiendo a la gente como Elton John”, sentenció Noel, criticando, el aislamiento, en relación a la vida pública, de diversas celebridades. “Después de lo que el maldito Noel Gallagher dijo sobre mi no puedo hablar bien de Oasis, él es solo un pajero, y se parece a Parker de los Thunderbirds”, se defendió el talentoso pianista. Las replicas, en esta ocasión, llegaría por parte de Sergio Pizzorno (amigo de la banda), quien solo aconsejó a Elton, refregándole, que tuviera más cuidado con lo que dice. *Tres idiotas en uno: en una entrevista cualquiera, la opinión de los Gallagher, sobre Keane fue la siguiente: “Tradicionalmente, los tres más grandes idiotas de una banda son el cantante, el baterista y el teclista; no necesito decir más”. Tim Rice-Oxley (integrante de Keane) respondería a eso: “¿Los idiotas en una banda?, realmente no nos importa. Creo que es un tonto para ser honesto. Él estaba en una banda que era realmente importante en los 90’ y ahora ya no lo son”. *Mejor te quedas callado: sin meditarlo, el legendario George Harrison, sentenciaría: “Oasis solo es un poco más que una moda pasajera”. Noel enfrentaría los dichos, de uno de sus ídolos, con respeto: “George siempre fue el Beatle más callado y tranquilo, quizás debería seguir en esa postura”. Finalmente, Liam, agregaría de forma radical: “Jugaré al golf con la cabeza de Harrison”. Sin duda, estamos ante los divertidos (y fuertes) “dime y diretes” de una dupla, tan directa, como los poderosos riffs de sus canciones.

Los álbumes más importantes de la banda…

Definitely Maybe : este álbum fue lanzado el 30 de agosto de el año 1994. Comienza la leyenda musical de Oasis gracias a una obra, simplemente, distorsionada, pero a la vez melódica, que los terminaría catapultando a la cima del éxito. De la noche a la mañana se convirtieron en superestrellas (haciéndose realidad el presagio del Gallagher mayor), pues de ahora en adelante, el mundo del Rock, los mirará con otros ojos… como si fueran la fiel reencarnación del talento y la creatividad. De inmediato Liam se consolidaría con la tierna violencia de su sinfónica voz, en compañía, de Noel que arrasaría con la maestría de sus ingeniosas letras… fue el complemento perfecto, fue el nuevo estilo de los reyes, fue el nacimiento del inconfundible sonido “Oasis”. En relación a lo estructural, y pese a todo el ambiente glorioso, este sería el primer y último trabajo realizado junto al baterista Tony McCarroll, quien partiría luego de tener varios encontrones, de tipo monetario, con Noel. Los temas más representativos son “Rock ‘n’ Roll Star”, “Shakermaker”, “Live Forever” y “Cigarettes & Alcohol”.

(What’s the Story) Morning Glory? : este álbum fue lanzado el 2 de octubre de el año 1995. Lo nuevo del quinteto sería dado a luz bajo la demoledora presencia del baterista Alan White. Manteniendo su espíritu Rockero, totalmente, intacto, la banda, nos presentaría una de sus joyitas musicales más representativas y aclamadas por la crítica… es así como este, ya legendario, trabajo llegaría recargado de nostálgicas emociones, muy ligadas, a los acordes de las guitarras. Y mientras el lado más dorado de la pasión los vuelve a besar, con sus cálidos labios, sus fans se debatirían, entre la vida y la muerte, al tratar de elegir su álbum favorito, pues “Definitely Maybe” y “(What’s the Story) Morning Glory?” se inmortalizaron, en cosa de segundos, como los álbumes más exitosos, en la historia, de Oasis. Los temas más representativos son “Roll with It”, “Wonderwall”, “Don’t Look Back in Anger” y “Champagne Supernova”.

Be Here Now : este álbum fue lanzado el 21 de agosto de el año 1997. Con la desesperante presión de los fans zumbándole en los oídos y el constante latir de sus propios corazones, los chicos rudos de Inglaterra, tuvieron la difícil misión de intentar superar el endemoniado éxito de sus clásicos anteriores… y la verdad es que pese a no conseguirlo (era casi imposible), si pudieron demostrar su valentía a la hora de decir: “Somos la mejor banda del planeta”. La madre creatividad los sigue regaloneando, y la llamada “Oasismanía” (al más puro estilo de la recordada “Beatlemanía”) se respira, se palpa y se percibe en los horizontes del Rock. Pese a toda esta locura, “Be Here Now”, fue víctima directa de diversas críticas, muchas de ellas, centradas en la exagerada extensión de sus canciones… aunque también hay quienes alabaron la maestría interpretativa de los instrumentos. Si bien estamos ante la definitiva consagración de la banda, los constantes conflictos y la extinguida diversión de componer música, provocaría la lamentable salida de dos miembros originales, Paul Arthurs y Paul McGuigan; quienes se marcharían para concentrarse en el cuidado de sus respectivas familias. Los temas más representativos son “Stand by Me” y “Don’t go Away”.

Standing on the Shoulder of Giants : este álbum fue lanzado el 28 de febrero de el año 2000. El inquietante silencio, dejado por aquellas sorpresivas partidas, hizo que Noel volviera a regrabar, por cuestiones de contrato, las pistas de bajo y guitarra. “Standing on the Shoulder of Giants” se asomaría con llamativas novedades: como la repentina reducción de la banda a un trío y lo más importante de todo el brusco cambio en su sonido, muy saturado, a lo experimental y psicodélico. Al parecer, el bajón musical, se haría presente, por primera vez, en la vida de Oasis… sin embargo, los Gallagher, aún tenían la última palabra. Y pese a que las opiniones son, nuevamente, bipolares, sus fans, coincidirían en una sola cosa: “Extrañamos el clásico estilo de antaño”. Los temas más representativos son “Fuckin’ in the Bushes”, “Go Let it Out” y “Who Feels Love?”.

Heathen Chemistry : este álbum fue lanzado el 1 de Julio de el año 2002. La imponente presencia de los nuevos reclutados, el guitarrista Gem Archer y el bajista Andy Bell, hizo que Oasis volviera a renacer como quinteto. “Heathen Chemistry” no presentaría nada novedoso, salvo, la desvinculación de su, extravagante, senda musical anterior para volver a recuperar la, perdida, sabiduría de sus clásicos trabajos. Aquí también se marcarían las primeras colaboraciones de los demás integrantes, pues Noel (quien ya era el verdadero dictador de la creatividad) les otorgó toda la libertad necesaria para componer y escribir canciones. Y cuando las cosas marchaban a la perfección, los cambios, seguirían estremeciendo a la columna vertebral de la banda tras la partida del baterista Alan White, quien se iría por situaciones confusas (algunos dicen que fue expulsado y otros que no se sentía cómodo musicalmente). El tema más representativo es “Stop Crying Your Heart Out”.

Don’t Believe the Truth : este álbum fue lanzado el 30 de mayo de el 2005. Tratando de tentar, otra vez, a la definitiva consagración, la banda, se reforzaría, nada más ni nada menos que con el hijo del mismísimo ex Beatle, Ringo Starr, el baterista Zak Starkey. Gracias a la exquisita sinceridad sonora de “Don’t Believe the Truth”, Oasis, no solo se volvería a reencontrar con, su amado amigo, el éxito… pues también lo haría con sus propios fans, los mismos que se sumergirían, sin pronosticarlo, en el siempre anhelado mar de la alegría. El tema más representativo es “Lyla”.

Dig Out Your Soul : este álbum fue lanzado el 6 de octubre de el año 2008. Último trabajo de la banda que enorgullecería a muchos, al ser considerado, como el violento regreso de Oasis a sus raíces musicales. Pese a que sus canciones, melódicas y crudas, lograron ubicarlo en el dorado sitial de sus primeros álbumes… también consiguió frías críticas, siendo catalogado, como poco moderno y repetitivo. Sin duda estaríamos ante la misma constante, que ha rodeado al quinteto, en los últimos años: opiniones para todos los gustos. En relación a lo estructural, y como si fuera una verdadera maldición para los Gallagher, el enérgico Starkey, se retiraría para cumplir su sueño de infancia… ser miembro de The Who. Pese a ello, la banda, reclutaría al baterista Chris Sharrock, quien debutó, oficialmente, en agosto del 2008. Los temas más representativos son “The Show of the Lightning”, “I’m Outta Time” y “Falling Down”.

La sorpresiva salida del legendario Noel Gallagher, y ¿el final de Oasis?...

Hay una sabia frase que dice: “Al final todo cae por su propio peso”… y vaya que es cierta. No necesitamos ser clarividentes para darnos cuenta que entre los míticos hermanos siempre han existido desacuerdos y fuertes roses, disculpándose mutuamente más tarde, gracias a la inagotable ayuda de gente externa. Y aunque su propia madre, Peggy, diga que se quieren mucho, y aunque su conocidísimo Alan Mcgee confíe en que harán las paces y, aunque sus fans rueguen al cielo por verlos juntos otra vez… se siente, en la atmosfera, ese doloroso pesimismo de: “ya no hay vuelta atrás”. El caos comenzaría el 28 de agosto del 2009 cuando Oasis, tras anular su tan esperada presentación en el parisino Festival “Rock-en-Senie”, le anunció, a su petrificado público, la dramática “extinción de la banda” por parte de Noel Gallagher. Se dice que minutos antes de salir a escena, los hermanos, se volcarían en una nueva pelea, la misma que llegaría a su máxima expresión con las siniestras palabras (mientras le rompía la guitarra a Noel) de Liam: “Tú no eres mi hermano”. Fue así como la banda autodestruiría su gira europea, y lo que es más triste aún, su propia vida musical. Estando un poco más tranquilo, el talentoso compositor, manifestaría: “Con algo de tristeza y gran alivio les comento que esta noche dejo Oasis. La gente escribirá y dirá lo que quiera, pero simplemente no podía continuar trabajando con Liam un solo día más. Mis disculpas a toda la gente que compró entradas para los conciertos en París, Constanza y Milán”. Más tarde, y en la página web de la banda, Noel, sentenciaría: “El nivel de intimidación verbal y violenta hacia mi, mi familia, mis amigos y mis compañeros ha llegado a un punto en que es intolerable. Y la falta de apoyo y comprensión por parte de mi administración y compañeros de grupo me ha dejado sin ninguna otra opción más que marcharme de la banda”. Es así como la monstruosa mente creativa, del exitoso quinteto ingles, diría adiós para partir sin mirar atrás.

Por otro lado, Liam Gallagher, luego de andar disparando, como una descontrolada metralleta, en las entrevistas que ya no habrá más Oasis… anunció que se mantendrá unido a sus otros colegas para seguir adelante con la banda, que por el momento, conservará intacto su legendario nombre. En lo estructural, irán en busca de un nuevo bajista pues ahora, Andy Bell, se ocupará de la guitarra. Pese a las intenciones de los músicos por asumir y retomar su camino sin Noel al mando, Oasis, ni en un millón de años será igual... es, sin duda, la maldición de la “antipatía”, pero, a su vez, la bendición del todo poderoso “talento”.

Así finaliza la publicación de esta magistral banda inglesa. Como de costumbre mando mis saludos a aquellos que siempre leen y comentan mis escritos. Nos veremos muy pronto con otros exitosos entes del majestuoso Rock.

EUROPE

2010-01-06T23:50:00.021-03:00

En la vida de un apasionado Rockero no hay nada más sorprendente, y apasionado, que escuchar una salvaje explosión de desafiantes riffs. Sin duda, aquello es tan delicioso, tan maravilloso, que termina estremeciéndote en un verdadero orgasmo musical. Quizás no soy un virtuoso matemático, o un Pitágoras legendario, pero si tengo muy claro que la famosísima ecuación “(Europe + Rock80 = X)” da como resultado la tan anhelada palabra “ÉXITO”. Así es mis guerreros aliados, mi siguiente publicación estará destinada a una banda que revolucionó, con su radical sonido, los incalculables límites espaciales de lo que conocemos como talento. Ya no necesitaremos la magia de un genio enclaustrado en una lámpara, atravesar el irreal extremo de un colorido arco iris para conseguir oro o la sorpresiva suerte de encontrar un trébol de cuatro hojas… ya que todos nuestros deseos se han hecho realidad gracias a la furia de un quinteto que no solo llegará recargado de guitarras insolentes, pues también rugirá con una voz, simplemente, insolente. Hoy nos sumergiremos en la siempre clásica atmosfera Rockera de los míticos, e inolvidables, Europe. El otro día les comentaba como la simpleza de una canción puede tener la capacidad de desgarrarte tanto por dentro, y la verdad es que cuando escucho por ahí, o alguien pronuncia, la dorada palabra “Europe”, lo asimilo, en cosa de segundos, con “Carrie”; la misma canción que tanto me ha hecho delirar de emoción. Fue ella también la que me aconsejó, por allá en 1997, a interactuar con la majestuosidad Rockera de la banda. Los inicios del clásico proyecto sueco se remontan al año 1979, cuando solían llamarse “Force”, gracias a su primera formación constituida por el vocalista y teclista Joey Tempest, el guitarrista John Norum, el bajista Peter Olsson y el baterista Tony Reno. Comenzaron interpretando, tímidamente, diversos covers para llevar a cabo el sagrado rito de “redescubrimiento” con sus propios instrumentos. Pero cuando la sala de ensayos se saturó, más y más, de conocidas notas ya entonadas por otros músicos… decidieron crear sus propias canciones. Y aunque no había ideas concretas se las ingeniaron, con el constante sudor en la frente, para tener su propio material. Con una ilusión a flor de piel, y esas incontenibles agallas que resplandecían en un delirio de Rock, probaron suerte enviando varios demos a distintas compañías discográficas; pero se encontraron con la sorpresa que para aceptar su propuesta estas le exigían curiosos acuerdos como cortarse el cabello y cantar en sueco… situación que por ningún motivo aceptaron. Los siguientes dos años solo estuvieron representados por la salida del bajista Peter Olsson y la incorporación de John Levén, quien en un ir y venir se quedó definitivamente. Cuando menos lo esperas la suerte golpeara tu puerta, es el merecido regalo que ganan aquellos que siguen intactos en su lucha por ser los mejores: en 1982, la banda, por fin logra demostrar la desesperante furia de su talento. Es aquí cuando la novia de Tempest se convertiría en “la pieza clave” al inscribirlos en el popular concurso de Rock sueco, busca talentos, llamado “Rock-SM”. Pese a tener la difícil misión de competir contra 4.000 bandas, que anhelaban el mismo sueño, lograron llevarse todos los meritos siendo los principales ganadores del certamen, además de ser nombrados, por los jueces, como la próxima revolución del éxito. Este momento fue sumamente importante para ellos (dejando un poco de lado los reconocimientos personales que consiguieron Joey Tempest y John Norum quienes fueron catalogados como el mejor cantante y guitarrista de todo el concurso) ya que ganaron el premio máximo, un contrato de grabación con el sello discográfico “Hot Records”, mediante la presentación de dos canciones “In the Future to Come” y “The King Will Return”. Pero eso no fue todo pues también se dieron el tiempo de estrenar su nuevo nombre: Europe. En 1983, el sueño de la banda, es finalmente concebido gracias al lanzamiento de su primer trabajo musical, el ya conocidísimo homónimo. Con el sigiloso pasar del tiempo, la banda, fue evolucionando paulatinamente hasta construir su formación más legendaria y aclamada con el vocalista Joey Tempest, el guitarrista John Norum, el bajista John Levén, el teclista Mic Michaeli y el baterista Ian Haugland. Europe apareció de la nada para gobernar, con su endemoniado estilo, a un mundo saturado, en la gran mayoría, por la maestría musical de los ingleses y estadounidenses. Se consagraron, revolucionaron y se inmortalizaron, por muchos, como la banda más importante del denominado Hair Metal. LA SANGRE DEL ROCK FLUYE POR LOS RNCONES DEL ALMA, ES LA PASION, ES EL AMOR, ES EL ORGULLO DE UN QUINTETO TAN PODEROSO EN SU SONIDO QUE ES CAPAZ DE DESGARRAR LOS SENTIMIENTOS MÁS OSCUROS. EUROPE ES, SIN DUDA, EL CORAZÓN MELODICO-RUIDOSO DEL SIEMPRE OMNIPOTENTE PUEBLO SUECO.

Biografía de los integrantes más clásicos de la banda…

Joey Tempest : nació el 19 de agosto de el año 1963 en Estocolmo, Suecia. Su infancia siempre estuvo relacionada con el Rock, siendo así Thin Lizzy y Led Zeppelin sus bandas favoritas. De muy joven demostró su fanatismo por la música, convirtiéndose rápidamente, en un verdadero líder para sus primeros proyectos, llamados, “Made in Hong Kong” y “Roxanne”. Por esos años, todo su talento, lo hizo multiplicarse interactuando con la guitarra rítmica y el bajo… además de ser la voz principal. En 1979 se consolidaría como el pilar de “Force”, el primer bosquejo de lo que más tarde sería “Europe”, donde conocería el cálido abrazo del éxito. Dentro de “Europe”, Tempest, siguió incrementando la furia de sus poderosas cuerdas vocales… esta última una de sus cualidades más legendarias y, sobre todo, aclamadas. Pero eso no es todo ya que también se encargó de ser una de las principales armas de ataque a la hora de escribir canciones y componer melodías, sobre todo en el teclado. Cuando la banda, en 1992, se disolvió (para luego regresar en el 2003), el eterno vocalista, emprendió su propio camino, construyendo, una interesante carrera musical en solitario… la misma que se consolidaría con los lanzamientos de “A Place to Call Home (1995)”, “Azalea Place (1997)” y “Joey Tempest (2002)”.

John Norum : nació el 23 de febrero de el año 1964 en Vardo, Noruega. Su imponente maestría en las seis cuerdas doradas, explotaría, en 1979 tras formar, junto a Joey Tempest, a “Force” (más tarde llamado “Europe”). En la banda se inmortalizó como un guitarrista de lujo, de esos que brillan con luz propia, de esos que se imponen con su carácter, de esos que resplandecen en segundos. Pese a ello, y dada su importancia, decidió, en 1986, abandonar su tan amado proyecto… porque, según él, este se ahogaba en una comercialización y producción que lo tenía realmente insatisfecho. Con el dolor en el alma, sus hermanos Rockeros, lo reemplazaron con la llegada del talentoso Kee Marcello. Como dice el sabio dicho: “el espectáculo debe continuar”, fue así como en 1987 lanza su primer álbum en solitario, “Total Control”. Lo demás sería un temporal de creatividad con “Face the Truth (1992)”, “Another Destination (1995)”, “Worlds Away (1996)”, “Optimus (2005)” y “Playyard Blues (2009)”. Pese a tener una imagen más que adherida a “Europe”, Norum, también mantenía una carrera musical en paralelo… siendo, a finales de los 70’ y comienzos de los 80’, parte de Eddie Meduza & The Roaring Cadillacs; además de colaborar en 1990 y 2002 con Don Dokken y Dokken respectivamente. En el 2003 regresaría, en gloria y majestad, a Europe.

John Levén : nació el 25 de octubre de el año 1963 en Estocolmo, Suecia. Su exitosa carrera musical comenzaría a escribirse en 1981, cuando ingresa como bajista, en reemplazo de Peter Olsson, a Europe. Se destaca por su rápida solidez y delicado gusto por las creaciones armónicas… sin duda, es el hombre que más se impone con la elegancia de su sonido. En 1992, y tras la separación de la banda, Levén, colaboró con diversos proyectos de alto nivel, como Brazen Abbot, Clockwise, Last Autumn's Dream, Southpaw o Glenn Hughes. En el 2003 volvería a ser, otra vez, miembro oficial de Europe.

Mic Michaeli : nació el 11 de noviembre de el año 1962 en Upplands Vasby, Suecia. En los primeros años de la banda, el vocalista Joey Tempest, solía ser también el encargado de los teclados… situación que comenzaría a crearle un grado de complejidad, pues no podía desplayarse a un 100% dentro del escenario. Sin embargo, esta problemática se solucionó con la llegada de Michaeli, quien ingresó en 1984… cuando Europe se alistaba para su siguiente gira, llamada Wings of Tomorrow. Cuando los legendarios músicos decidieron, en 1992, separarse para convertirse en el herrero que forjaría su propio destino, el teclista, se llevaría su endemoniado talento a bandas como Brazen Abbot, Last Autumn's Dream o Glenn Hughes. En el 2003 se uniría, nuevamente, a Europe… el mismo proyecto de antaño que resurgía de sus cenizas como si fuera el mítico ave Fénix.

Ian Haugland : nació el 13 de agosto de el año 1964 en Storslett, Nordreisa, Noruega. Al igual que su colega Mic Michaeli, Haugland, se integró, como baterista, en 1984 a Europe. Su llegada se realizó para llenar el gran vacío dejado por Tony Reno. Su descomunal empuje en la batería lo ha convertido en uno de los componentes más importantes en la siempre tan importante “base rítmica”. Cuando en 1992, la banda, sentencia su separación, el líder de las baquetas, decide continuar adelante siendo parte de diversas entidades musicales como Brazen Abbot, Clockwise, Last Autumn's Dream o Glenn Hughes. Cuando su talento no esta ligado a algún proyecto, o simplemente disfrutando de las vacaciones, suele ser el animador, o anfitrión, del canal radial “106,7 Rockklassiker”; por cierto, perteneciente a Estocolmo. En el 2003 se fusiona al esperado regreso de Europe.

Si tuviéramos que nombrar a alguna banda ligada (en el amplio sentido de la palabra) a Chile, muchos dirían, sin pensarlo dos veces, Faith No More. Esto último tiene relación por su popular, y muy polémica, presentación en el Festival de Viña del Mar. Fue en 1991 cuando el carismático Patton decide enseñar la brillante furia de sus cuerdas vocales, inmortalizando así, uno de los espectáculos más demoledores, en la historia, del siempre famoso festival. Pese a ello, otro grupo de Rockeros también gritarían, al unísono, el dorado nombre de Europe, pues en 1990 los insolentes músicos también hicieron de las suyas, curiosamente, en el mismísimo lugar. Su éxito fue arrasador, con un recibimiento, simplemente, impresionante. Jóvenes y adultos, todos juntos, coreando, como un mar de gente, aquellos maravillosos clásicos de antaño. Así lo recuerda Joey Tempest: “Lo pasamos muy bien. Recuerdo que había gente muy feliz de vernos, recuerdo la playa llena de gente, que visitamos restoranes y que salimos de fiesta un poco”. Bueno, para ser sincero esa fue la parte blanca, o dulce, porque los muchachos también “revolvieron un poco el gallinero”. Si Patton se dedicó a besar, o tocarle el trasero, al animador (Antonio Vodanovic), para luego terminar, junto a sus músicos secuaces, borracho con groupies en algunos bares de Valparaíso… los de Europe se dedicaron a mostrar la profunda palidez de sus traseros en la discoteque Cesar del balneario; situación que fue resulta por una escolta de carabineros. Otra anécdota legendaria, sin duda, la esencia de la indomable picardía musical.

Los álbumes más importantes de la banda…

Europe : este álbum fue lanzado el 24 de febrero de el año 1983. Tras ser los indiscutidos ganadores del “Rock-SM”, la banda, cumple su sueño tan anhelado lanzando su primer trabajo bajo el sello discográfico Hot Records. De inmediato demostraron su distorsionada adrenalina musical, en compañía de unas letras bordadas con los hilos de la creatividad. El miedo de sus contemporáneos se estaba propagando por los rincones de la exigente escena Rockera, pues estaban ante el renacer de un proyecto que ya se imponía con un respeto único en su especie. Los temas más representativos son “In the Future to Come” y “The King Will Return”.

Wings of Tomorrow : este álbum fue lanzado el 24 de febrero de el año 1984. La banda acierta su segundo golpe, como si quisiera ganar anticipadamente con un “knockout”, sembrando por doquier la semilla de la bendita consagración. Los instrumentos se mantienen intactos, es decir desgarradoramente-melódicos, y la voz sigue elevando su nivel a límites insospechados. Pese a estar a un paso del verdadero éxito, este sería el último trabajo realizado junto al baterista Tony Reno. Los temas más representativos son “Stormwind”, “Scream of Anger”, “Open Your Heart”, “Wings of Tomorrow” y “Dreamer”.

The Final Countdown : este álbum fue lanzado el 26 de mayo de el año 1986. Lo nuevo de Europe sentenciaría la llegada del talentoso baterista Ian Haugland y la del excelente teclista Mic Michaeli. Finalmente la banda consigue respirar el delicioso aroma del arrasador éxito, gracias a un trabajo que los catapultaría, en un abrir y cerrar de ojos, a la siempre maravillosa inmortalidad del Rock. La gran cantidad de lujosos himnos presentes, liderados por llamativos sonidos que se debatían entre desafiantes y nostálgicos, hicieron que la odiada crítica se arrodillara, en un gesto de adoración, a sus pies. Pero a pesar de la inagotable atmosfera saturada en felicidad que los rodeaba, y a las impresionantes ventas conseguidas, las cosas no marchaban a la perfección como tanto creían… situación que dejaría muy en claro el guitarrista John Norum, quien decide partir, sorpresivamente, por sentirse insatisfecho con el nuevo rumbo musical de Europe. Los temas más representativos son “The Final Countdown”, “Rock the Night”, “Carrie” y “Cherokee”.

Out of this World : este álbum fue lanzado el 9 de agosto de el año 1988. Estamos en la etapa más compleja de la banda: primero porque debían solucionar la partida de uno de sus integrantes más clásicos y segundo porque debían tratar de superar la exitosa presencia, que seguía vigente, del ya mítico “The Final Countdown”. El violento terremoto interno, por la salida de Norum, sería finalmente apaciguado con la llegada del destacado guitarrista Kee Marcello. Lo nuevo de Europe sería “Out of this World”, un trabajo que si bien no logró superar a su antecesor, consiguió mantener en alto el consagrado estandarte del poderoso quinteto… siendo un verdadero fenómeno comercial. Los temas más representativos son “Superstitious”, “Open Your Heart” (lanzada originalmente en el álbum “Wings of Tomorrow”), “Let the Good Times Rock”, “More Than Meets the Eye”, “Sign of the Times” y “Tomorrow”.

Prisoners in Paradise : este álbum fue lanzado el 23 de septiembre de el año 1991. En los 90’, el Hard Rock, comenzó a decaer notablemente… debido a la distorsionada pasión del revolucionario movimiento Grunge, que ya se asomaba para estancarse como el nuevo rey del Rock. Fue aquí cuando Europe decide tomarse unas indefinidas vacaciones, dejando así a sus creadores libres para centrarse en carreras solitarias y diversos proyectos con otras bandas. Era la tristeza de una forzada despedida… pero cuidado porque el ardiente Fénix volvería, años más tardes, a derretir el grueso hielo del olvido. “Prisoners in Paradise” paso relativamente desapercibido por un mundo que ya buscaba nuevos horizontes sonoros, solo la honesta creatividad de algunas canciones lo sacaron del oscuro abismo. Los temas más representativos son “Halfway to Heaven”, “I'll Cry for You” y “Prisoners in Paradise”.

Start from the Dark : este álbum fue lanzado el 22 de septiembre de el año 2004. Tuvieron que pasar cerca de doce años para que Europe volviera a surgir en su máxima expresión. Los benditos rumores fueron una dulce realidad, y el quinteto sueco retornó de los oscuros abismos con su formación más clásica, es decir, juntos al legendario líder de las seis cuerdas doradas, John Norum. Como si se hubieran reciclado, se impusieron con un sonido, para muchos ligado al inolvidable Glam Metal, despiadadamente moderno (en comparación con sus trabajos anteriores)… sin duda, fue como volver a vivir. Sus acérrimos fans vuelven a soñar, la crítica los aclama y las ventas se disparan a las inalcanzables alturas del éxito. Los temas más representativos son “Got to have Faith” y “Hero”.

Secret Society : este álbum fue lanzado el 25 de octubre de el año 2006. Con las pilas más que recargadas, la banda, vuelve a quedarse con todos los meritos y premios… lanzando un trabajo bastante crudo, pero con inamovibles matices melódicos. Pese a que Europe se estaba transformando en todo un “misterio”, no era necesario ser adivino para presagiar en su sonido una sobredosis de evolución. “Secret Society” mantuvo el mismo éxito de su antecesor, pero eso no bastaba… ya que sus progenitores se habían convertido en criaturas insaciables, que buscaban la perfección de un estilo más desafiante y directo. El tema más representativo es “Always the Pretenders”.

Last Look at Eden : este álbum fue lanzado el 9 de septiembre de el año 2009. Último trabajo de la banda que trae consigo la magia, o el espíritu, de épocas pasadas. Se podría decir que “Last Look at Eden” fue una especie de retroceso ya que estuvo rodeado por un ambiente más reflexivo, como si se hubieran dejado llevar por el sentimiento, por el corazón… y no por la desesperación de renovar su clásico sonido para poder adecuarse, rápidamente, a los tiempos modernos. La madurez ha hablado, y los consagrados músicos la han escuchado. En relación al éxito, este se mantiene, completamente, presente… como si les sonriera y abrazara en una insinuante coquetería. Los temas más representativos son “Last Look at Eden” y “New Love in Town”.

El futuro de Europe…

La crueldad del tiempo ha pasado con malicia en aquellos que se dejan vencer, como si esperaran la compañía de la muerte. El tiempo puede ser injusto, pero también sabio… es aquí cuando valoras tu aguerrido espíritu que lucha día a día contra las adversidades de la vida. Con esto quiero decir que muchas bandas, con un pasado glorioso, se han dejado morir por el tiempo que ha arrasado tanto con su juventud como con la creatividad de sus talentos. Quizás es el miedo a modernizarse, quizás es el miedo al ridículo, quizás es el miedo al fracaso… sin duda, una verdadera lastima porque si el alma arde con pasión, sin darte cuenta, ya has conseguido la pócima de la eterna juventud. Europe, ha sido una banda inteligente, sin miedos, que ha pesar de descansar por un largo periodo, logró reunificarse para salir con la bandera del éxito en alto. Las giras continuaran, las canciones seguirán entonadas, álbumes nuevos nacerán y el delirio del desafiante sonido seguirá siendo una amenaza para el tiempo… que se mantendrá mirando confuso, entre brillantes notas, el legado musical de un quinteto que puede darse el gusto de gritar a los cuatro vientos universales: “Somos, malditamente, inmortales yeahhhh!!!”.

Así finalizo la publicación de esta tremenda banda sueca. Como de costumbre me gustaría agradecer a todos los que leen y comentan mis escritos; además de desearles un feliz año nuevo. Nos veremos muy pronto con otra siempre majestuosa leyenda del Rock.

CORAZÓN DE ROCK, ALMA DE METAL; DIMEBAG DARRELL

2009-12-08T14:02:00.004-03:00

Cuando el verdadero Rock recorre por nuestras venas… hasta la oscura presencia de la muerte pierde su poder. Hoy es un día especial pues recordaremos la partida de un hombre, simplemente, importante para el desarrollo de aquel Metal indomable en su máxima expresión. La verdad es que sería imposible para mí comenzar este pequeño homenaje sin mencionar a PanterA, su tan amada banda, un proyecto capaz de estremecer oídos con la furia de su brutal sonido… el mismo que se desplazaba como una verdadera avalancha musical en plena evolución. Un nombre y apellido, Dimebag Darrell; un arma de guerra, guitarra eléctrica; una misión, propagar el fuego del Rock; un destino, morir como un legendario en su sagrado campo de batalla, el escenario. Pese a ser un día triste para toda la comunidad metalera… hay que recordar al gran Dime con pasión, con amor, y sobre todo, con alegría… este último el sentimiento que más relucía en su rostro.

“Solo me queda decirte que tus talentosos dedos hicieron que el infierno musical se convirtiera en una verdadera realidad. Estando fusionado a tu guitarra eléctrica solías ser el hombre más feliz que pisa este circular mundo llamado planeta tierra. Alma de Rockero, corazón de fan y creatividad insolente… nadie podrá ser, ni en mil años, mejor que tu. Siempre iluminaste los escenarios con tu carismática sonrisa, en compañía de esa imponente imagen que ha quedado tatuada, imborrablemente, en la memoria de todos los que admiramos, y disfrutamos, de tu maravilloso legado musical… PORQUE LA TRISTEZA SE AHOGA CUANDO LA MITICA WASHBURN DE DIME COMIENZA A RUGIR!!!”

SIEMPRE TE RECORDARÉ MI QUERIDO VAQUERO DEL INFIERNO!!!, LA INMORTALIDAD HA SIDO MÁS QUE CONCEBIDA…

GEORGE HARRISON

2009-10-22T23:15:00.029-03:00

El otro día estuve pensando como una simple canción puede producirte tantas sensaciones, ya sea a través de sus poéticas letras o la melancolía de su sonido. Mientras mi mente buscaba alguna respuesta a lo inexplicable, pues estamos ante algo netamente subjetivo, aparece en mis oídos la calidez de “All Things Must Pass”… haciéndome recordar la magia creativa de un músico, simplemente, maravilloso. Así es, George Harrison, comenzó a susurrarme al oído varias respuestas a preguntas inquietantes; como por ejemplo: ¿por qué sus canciones me llegan tanto?, ¿por qué él es mi Beatle favorito?, ¿por qué me emociona tanto su historia de vida? o ¿por qué su inolvidable imagen me produce tranquilidad? Qué la verdad sea ha dicha en este bendito lugar: “Harrison es para mi uno de los pocos interpretes que pueden hacer sentir dos emociones al mismo tiempo, alegría y tristeza”. Es algo bien especial, sus melodías son desgarradoras, como si fueran sacadas de una extensa novela ligada al desamor, pese a ello también tienen dulzura, esperanza y brillantes toques de alegría. Seguí mis instintos y aquí estamos otra vez disfrutando del siempre majestuoso Rock, gracias a la elegancia musical de George Harrison, quien dirá presente en mi queridísimo blog. Mi relación musical con el mítico creador de “While My Guitar Gently Weeps” comenzó a dar vida en el año 1998, gracias al legendario álbum “Live in Japan”. Antes de entrar de lleno a su carrera en solitario, es importante mencionar sus exitosos inicios junto a la legendaria banda The Beatles. Fue en 1960 cuando el guitarrista se uniría a este mágico proyecto, un proyecto noble, radical, talentoso y explosivo que revolucionó a este circular mundo con su exótico sonido e ideologías liberales. En esta etapa se consagró y brilló gracias a su cálida técnica en las seis cuerdas, su voz sincera y su celestial arte a la hora de escribir canciones. Pese a ello, muchos críticos o estudiosos de la historia del Rock osaban en decir que Harrison, cosa que también involucró a Ringo Starr, era solo la sombra de la monstruosa dupla Lennon-McCartney. Pero la vida es muy sabia y los años se encargaron de dejar esta patética opinión olvidada en el baúl de los recuerdos. En 1970 los roces dentro del cuarteto ingles se hicieron tan insoportables que explotaron con la violencia de un volcán en plena erupción. A través de los años se ha hablado tanto de estos conflictos que ya se convirtieron en una especie de mito urbano. Sin embargo, hay quienes apuntan a McCartney como el principal culpable, o gestor, del popular caos mediante sus constantes quejas centradas en la técnica instrumental de Harrison. Las críticas del bajista “picaban como abejas asesinas” y el talentoso líder de las seis cuerdas no estaba para eso... así que tras el lanzamiento del álbum “Abbey Road” (recordemos que el clásico “Let it Be”, lanzado en 1970, fue grabado mucho antes que su predecesor), el legendario “submarino amarillo” de Liverpool, decidió poner punto final a su dorada historia musical. Como diría alguien por ahí: “el espectáculo debe continuar”, fue así como el guitarrista dio vida eterna a su carrera en solitario gracias a un valioso material que tenía guardado bajo la manga. Y mientras las malditas voces murmuraban, como almas encadenas al purgatorio, en contra de Harrison, manifestándole un inminente fracaso, aparece el sorprendente trabajo “All Things Must Pass”. Si, así es, el eterno amigo de Clapton no solo tapó bocas hirientes, si no que también se inmortalizó en la siempre exigente escena Rockera con un disco que se transformó en un envidiable éxito… lo demás sería historia. Hay personas que nacen para odiar, que nacen para dañar, que nacen para destruir, que nacen para matar; pero también hay personas que nacen para amar, para transformar lo malo en bueno, e incluso, para convertir la muerte en vida. A lo mejor no tienen el poder del “creador universal” ni la magia suficiente para cambiar la opaca mentalidad del mundo, pero lo intentan, son guerreros celestiales que no ocupan armas… pues sus únicos elementos de combate son la creatividad de escribir letras y la sabiduría de componer música. HARRISON FUE UN GUERRERO CELESTIAL, UN HOMBRE VALIENTE QUE LUCHO CODO A CODO CONTRA LA HIPOCRESIA, CONTRA LA ADVERSIDAD Y HASTA CONTRA EL ENEMIGO MAS PODEROSO, LA MUERTE. ¿GANO O PERDIO?, ¿ESO QUE IMPORTA?, LO IMPORTANTE ES SU MARAVILLOSO LEGADO MUSICAL, EL MISMO QUE GUARDO CON MUCHO CARIÑO DENTRO DE MI CORAZON, GRACIAS MAESTRO!!!

Biografía de George Harrison…

George Harrison : nació el 25 de febrero de el año 1943 en Livepool, Inglaterra. Su nacimiento estuvo envuelto en el cálido seno de una familia católica con raíces irlandesas por parte de su madre llamada Louise. A los 12 años fue internado de urgencia en el hospital debido a una nefritis (se le conoce así a la inflamación al riñón). Aunque este acontecimiento significaría un triste golpe, sobre todo para un niño de su edad, para el pequeño Harrison fue un verdadero cambio de vida, pues durante su convalecencia logró conseguir su primera guitarra, una de baja calidad, que le compró a un compañero de escuela. Lo que al principio parecía un verdadero juego de niños se fue transformando en pasión y, sobre todo, amor por la música; inevitablemente había desarrollado una estrecha relación con las seis cuerdas. Esto último lo hizo juntar dinero para comprar una guitarra de mejor calidad, la misma que estrenó al formar su primera banda llamada "The Rebels"; por cierto en compañía de su hermano Peter y Arthur Kelly. En 1958 ingresó, gracias a la invitación de Paul McCartney y luego de una audición presenciada por el mismísimo John Lennon, a "The Quarry Men". En 1959, y tras abandonar la escuela, realizó dos actividades que dictaron el transcurso de su vida: la música y un trabajo que consistía en ser aprendiz de electricista. Comenzando la década de los 60’, y con el nombre “The Beatles” ya patentado, Harrison, se fue en transformando en la principal arma de experimentación a la hora de buscar nuevos sonidos, además de ser el hombre encargado de arreglar el equipamiento musical. En 1970, y tras la irremediable ruptura de la banda, emprendería una exitosa carrera musical en solitario… consagrándose así como el fiel reflejo de la superación, la creatividad y el talento.

Todos sabemos que el amor es un sentimiento realmente maravilloso, una verdadera delicia para el corazón, pero también sabemos que tiene pinceladas de complejidad y dolor. Esto último tiene relación con uno de los triángulos amorosos, compuesto por George Harrison, Pattie Boyd y Eric Clapton, más populares de la historia del Rock. Todo comenzó en 1964 cuando la bella Pattie conoce, durante la inolvidable filmación de "A Hard Day’s Night" (fue integrada al film como colegiala), a Harrison. Por aquellos años, Pattie (quien a los diecinueve años ya tenía la experiencia de trabajar, como modelo, para famosísimas revistas como “Vanity Fair”), se enamoró ciegamente del legendario guitarrista. Fue tan fuerte esta relación, era una pareja perfecta, que dio vida a la siempre clásica balada “Something”. Pese a ello, todo ese delicado romanticismo se torcería, en 1966, cuando el joven matrimonio decide viajar a la India; el mismo viaje que sería muy importante para Harrison ya que no solo lo influyó en la música, si no que también en su posterior estilo de vida. Esta religión, liderada por el Dios Krishna, lo terminó conquistando radicalmente. Fue así como decidió tatuar en su cotidiano vivir de Londres toda esta ideología hindú; que por cierto estaba representada por la poligamia. Sin miedo al famoso “¿que dirán?”, comenzó a mantener descaradas relaciones amorosas, de las cuales se recuerdan a una chica francesa (que salía con Eric Clapton) y Maureen (la esposa de Ringo Starr). Pattie, como es lógico de suponer, cayó en el abismo de la tristeza sintiéndose “poco querida y desgraciada”; cosa que sentenciaría al año 1973 como el punto más crítico del matrimonio… gracias al continuo amorío de Harrison y Maureen. Esta, digamos, desvanecida historia de amor siguió su mismo curso hasta que apareció uno de los mejores amigos de Harrison, Eric Clapton. Aunque el legendario “mano lenta” mostraba un insistente interés por la hermosa Pattie, ella hacia caso omiso a sus encantos. El talentoso guitarrista se sentía tan frustrado, tan despechado, con las actitudes de su anhelada doncella, que terminaba ahogando todas sus lágrimas con la amarga compañía de la cocaína, además de consolarse con la hermana mayor de la rubia, Paula Boyd. Pese a ello, existe un sabio dicho que dice: “el que la sigue la consigue”, fue así como Pattie terminó cayendo rendida a los pies de Clapton mediante su exitosa suplica de amor llamada "Layla". "Si por George había sentido un amor grande y profundo, entre Eric y yo había una pasión tan embriagadora e incontenible, que me sentía casi fuera de control”, sentencia la musa inspiradora. Pattie Boyd estuvo casada con George Harrison durante 1966 hasta 1977, y con Eric Clapton desde 1979 hasta 1988. ¿Qué más puedo decir?, simplemente… así es el amor.

Los álbumes más importantes de George Harrison…

Wonderwall Music : este álbum fue lanzado el 1 de noviembre de el año 1968. Pese a ser un trabajo elaborado con la magia de la simpleza, compuesta en su mayoría por canciones instrumentales y algunas voces indias, fue considerado por los expertos como el primer trabajo en solitario de un “Beatle” (es importante recordar que por este tiempo, Harrison, aún pertenecía al dorado cuarteto ingles). La realización de “Wonderwall Music” estuvo destinada para ser la banda sonora de una película con el mismo nombre. Como novedad se podría decir que posee la colaboración de destacados músicos como Ringo Starr y Eric Clapton (acreditado bajo seudónimos), además de ser lanzado por el sello discográfico, perteneciente a la banda, “Apple Records”. Los temas más representativos son “Microbes”, “In the Park”, “Drilling a Home” y “Dream Scene”.

Electronic Sound : este álbum fue lanzado el 9 de mayo de el año 1969. Al parecer, el guitarrista, ya estaba alzando sus alas para volar, sin mirar atrás, y no regresar. Aunque, “Electronic Sound”, se convirtió en el nuevo, y sorpresivo, segundo trabajo, en solitario, del talentoso músico… no llamó mucho la atención. Esto último se debió a su radical experimentación y, sobre todo, opaco destino comercial. Su columna vertebral lo hace poseedor de solo dos canciones de larga duración, cosa que al final lo transformaría en un verdadero disco de culto para todos sus acérrimos fans. Los temas más representativos son “Under the Mersey Wall” y “No Time or Space”.

All Things Must Pass : este álbum fue lanzado el 27 de noviembre de el año 1970. Y lo que tanto se presagiaba, como la llegada de una indomable tormenta, se hizo realidad, The Beatles, se separaban irremediablemente. Fue aquí cuando, George Harrison, demostró todo su potencial como letrista creativo y compositor de lujo… lanzando uno de los trabajos más importantes, y exitosos, de su extensa carrera. “All Things Must Pass” se inmortalizó al infinito espiritual por lograr dos inolvidables hazañas: ser el primer “álbum triple” de la historia y ser considerado, por muchos, como el mejor álbum de un Beatle en solitario. Sin duda, la simpleza, sigue siendo la madre del éxito ya que esta espectacular obra Rockera solo se llevo a cabo gracias a la improvisación de Harrison con algunos de sus amigos músicos más cercanos. “El que ríe al último ríe mejor”, se dijo así mismo el guitarrista, pues por fin pudo acallar todas esas injustas voces que lo apuntaban como la oscura sombra de Paul Mcartney y John Lennon. Los temas más representativos son “My Sweet Lord”, “Isn’t it a Pity (version one)”, “If Not for You (cover de Bob Dylan)”, “Let it Down”, “All Things Must Pass” y “Hear My Lord”.

Living in the Material World : este álbum fue lanzado el 22 de junio de el año 1973. Lo nuevo de Harrison sería un verdadero desafío pues debía tratar de superar el consolidado éxito de “All Things Must Pass” que seguía monstruosamente vigente. Con una creatividad más que insolente y la siempre oportuna colaboración de sus amigos músicos, aparece el clásico “Living in the Material World”. Y aunque la vara estaba muy alta, el talentoso guitarrista, dio vida a un trabajo bastante interesante en su propuesta… pero más nostálgico y triste de lo normal. Algunos medios osaron en clasificarlo como filosófico y religioso, cosa que terminó opacando cierta parte de sus ventas. Pese a ello, es considerado un trabajo importantísimo para fortalecer con éxito el nuevo destino musical, en solitario, de Harrison. Los temas más representativos son “Give Me Love (Give Me Peace on Earth)”, “Living in the Material World” y “That Is All”.

Dark Horse : este álbum fue lanzado el 20 de diciembre de el año 1974. La siguiente etapa sería muy importante, tanto de forma sentimental como profesional, para Harrison. Su vida personal radicalmente ligada a la religión hindú, incluida la poligamia, haría que su esposa, Pattie Boyd, lo abandonará por su querido amigo Eric Clapton. Sin embargo, la amistad, entre ambos guitarristas, siguió vigente… calmando un poco más las tensiones con la presencia de Olivia Arias, su nueva pareja y futura esposa. Ahora siguiendo con el plano netamente profesional, se dio el tiempo de fundar el sello discográfico Dark Horse Records, además de firmar con A&M Records para la distribución de sus próximos álbumes. Pero la mala suerte golpea, sin compasión, al eterno creador de “Something”, con la aparición de una sorpresiva laringitis que mutó su melódica voz a una mucho más ronca. Como el poderoso ciclo del tiempo le venía pisando, aceleradamente, los talones, Harrison, decidió salir de gira con su lamentable laringitis a flor de piel… logrando así duras críticas por parte de sus seguidores, quienes también desechaban la idea de incluir una parte de música india en los conciertos. Esto último lo frustro tanto que decidió, drásticamente, no salir más de gira; por cierto decisión que cambiaría en 1991 gracias al constante apoyo y, digámosle, presión de Eric Clapton. Si bien, el negro del fracaso, intentaba pintar el dorado camino del ex Beatle, “Dark Horse”, tuvo elementos más que valorables para convertirse en disco de oro, situación que logró tranquilizar, un poco, el indomable espíritu del talentoso Harrison. Los temas más representativos son “Simply Shady” y “Dark Horse”.

Extra Texture (Read All About It) : este álbum fue lanzado el 3 de octubre de el año 1975. Manteniéndose siempre vigente en la escena Rockera, el barbudo guitarrista, nos presenta un trabajo mucho más delicado y comercial que su antecesor… siendo así recibido de muy buena manera por la, a veces, odiada crítica. Sin embargo, es necesario mencionar que Harrison se encontraba en un podio relativamente bajo, en comparación a su exitosa etapa ligada al inolvidable “All Things Must Pass”. Como curiosidad, les puedo contar que “Extra Texture (Read All About It)” es considerado, por su propio creador, como el álbum más malo de su carrera. Los temas más representativos son “You” y “Ooh Baby (You Know That I Love You)”.

Thirty Three & 1/3 : este álbum fue lanzado el 19 de noviembre de el año 1976. Si la crítica pudiera clasificar, de alguna manera, todos los trabajos de George Harrison hasta la fecha (a excepción de “All Things Must Pass”) diría, sin pelos en la lengua: “mediocres”. Si, es verdad, esa opinión sería bastante subjetiva (para no decir ridícula desde mi punto de vista netamente personal) considerando la gran venta, de la mayoría de sus discos, que ha tenido el ex Beatle. De todos modos, “Thirty Three & 1/3”, se vestiría con ropas doradas para catalogarse como el nuevo renacer del gran guitarrista, quien logró superar, con creces, las expectativas que se esperaban… convirtiéndose así en un merecido disco de oro. Los temas más representativos son “This Song”, “Crackerbox Palace” y “Learning How to Love You”.

George Harrison : este álbum fue lanzado el 23 de febrero de el año 1979. No siempre el éxito lo es todo, no siempre tener un renombre mundial lo es todo, no siempre el dinero lo es todo… me atrevería a decir que aquellas frases rondaron en la mente del mítico ingles para confeccionar la esencia de este, su nuevo trabajo musical. Durante este tiempo, Harrison, se encontraba viviendo una de las etapas más felices de su vida: se casó, por segunda vez (recordemos que su primera esposa fue Pattie Boyd), con Olivia Arias y nació su primer, y único, hijo, Dhani. “George Harrison” fue catalogado como un trabajo “familiar” (por su situación personal) que poseía acordes sensibles y una voz optimista. Obtuvo buenas críticas, aunque algunos pedían más pasión, y excelentes ventas. El tema más representativo es “Your Love is Forever”.

Somewhere in England : este álbum fue lanzado el 5 de junio de el año 1981. El siguiente trabajo de Harrison fue una verdadera balanza, inclinada, más hacia el lado malo que al bueno por diversos acontecimientos que sucedieron por esos años. Vamos por parte… lo primero se centra en su recordada autobiografía, titulada “I Me Mine” y publicada en 1980, la cual reveló un emotivo elogio a todos los músicos con quien había tenido la grata oportunidad de grabar un disco. Fue precisamente esto último lo que hizo enojar a John Lennon, quien manifestó su descontento y sorpresa, pues su ex compañero de banda no lo había nombrado en ningún momento. Y si eso fue lamentable, lo demás sería desgarrador ya que ese mismo año (8 de diciembre de 1980), Lennon sería brutalmente asesinado en el, ya maldito, edificio Dakota a manos del inolvidable Mark David Chapman. Sin duda, fue un duro golpe para la gran familia musical, y sobre todo para Harrison quien no pudo remediar, de alguna forma, su error. Pese a ello, decidió modificar algunos versos de la canción “All Those Years Ago” para así convertirla en un merecido homenaje, el mismo que sería interpretado en compañía de Paul y su esposa Linda McCartney, más Denny Laine (los tres provenientes de la banda Wings). Si bien, “Somewhere in England”, obtuvo muy buenas críticas y aceptación, su escaso número de ventas evito certificarlo como disco de oro, siendo así el primer álbum de Harrison que no conoce el tan anhelado color dorado en los EE.UU. Los temas más representativos son “All Those Years Ago”, “Life Itself” y “Teardrops”.

Gone Troppo : este álbum fue lanzado el 5 de noviembre de el año 1982. Las cosas iban de mal en peor para el querido guitarrista, quien ya pensaba en desligarse de su tan amado mundo musical. Aquella idea comenzó a girar en su cabeza tras el amargo éxito de “Somewhere in England” que ni siquiera pudo alzarse como disco de oro. Al final, “Gone Troppo”, se convertiría en la angustiante gota que derramaría el vaso de agua: fue un rotundo fracaso. Sin decir adiós, George Harrison, tomó su bella guitarra para desaparecer, a lo menos por un tiempo, de la escena Rockera. El termino “desaparecer” solo sería una palabra metafórica enunciada por mi ya que, el legendario maestro, seguiría haciendo de las suyas en otros ambientes, como por ejemplo produciendo películas de su propia empresa llamada “Handmade Films”. El tema más representativo es “Circles”.

Cloud Nine : este álbum fue lanzado el 2 de noviembre de el año 1987. Tuvieron que pasar cinco largos años para que este, tan creativo hombre, retornara a sus dominios musicales… y vaya de qué forma lo hizo. “Cloud Nine” tuvo un arrasador éxito: temas más Rockeros y un espíritu realmente renovado, demostraron todas esas incontenibles ganas por retomar aquel camino que ya pensaba olvidado. La crítica se arrodilló, irremediablemente, a sus pies y sus fans volvieron a centrarse en su querido ídolo de antaño, pues para muchos, la presente obra, solo podía ser comparada con la perfección de “All Things Must Pass”. Pese a toda esta, digamos, euforia por el destacado músico ingles, no logró ser un factor tan decisivo para que Harrison se replanteara su retorno, en gloria y majestad, a los escenarios. Fue así como decidió “improvisar”, en 1988, otros proyectos musicales como la creación, por cierto junto a los míticos Jeff Lynn, Bob Dylan, Tom Petty y Roy Orbison, de “Traveling Wilburys”. Mientras la felicidad gobernaba, majestuosamente, su vida, el corazón de Harrison, nunca pensaría que el destino le tendría preparado un triste desenlace. Los temas más representativos son “When We Was Fab”, “Someplace Else” y “Got My Mind Set on You (cover de Rudy Clark)”.

La aparición de ese traicionero cáncer, la última batalla de Harrison y “Brainwashed”…

La década de los 90’ traería un sin fin de acontecimientos para George Harrison, como su tan esperado retorno, en 1991 (gracias al constante apoyo de Eric Clapton), a los escenarios. Como su última presentación había sido en los 70’ se pueden dar cuenta que este regreso produjo un gran revuelo… sobre todo para Japón, el país elegido para dicha gira. Aquel acontecimiento tuvo la suerte de ser bendecido por el anhelado éxito, cosa que lo hizo lanzar, en 1992, el clásico álbum “Live in Japan” que presentaba, en los créditos, a George Harrison & Eric Clapton Band. Pero, lamentablemente, nada es perfecto en la vida ya que en 1997 se le diagnosticaría un peligroso cáncer al pulmón. La verdad es que su estrecha relación, por años, al cigarrillo le terminó pasando la oscura cuenta. Tratando de aferrarse al pensamiento positivo, era un hombre de fe, decidió, en 1999, preparar lo que sería su próximo álbum. Fue aquí cuando su hijo, Dhani, tuvo que ser valiente para colaborar, hasta el final, con su padre en el nuevo proyecto musical. Y mientras todo avanzaba a la perfección ese traicionero cáncer volvió a aparecer, más devastador que nunca, en el 2001. Aunque la presión cayó, como si fuera una tonelada, sobre sus hombros, George Harrison, encendió, sabiendo que esta era su última batalla, como un verdadero incendio la llama de su vida para incinerar el dolor, y conseguir su tan anhelado objetivo. Pero eso no fue suficiente ya que el 29 de noviembre del año 2001, el amado músico ingles, moriría, con la creatividad intacta, a los 58 años. El mundo del Rock lloraba a mares… no había resignación, no había esperanza; pero si había un legado y eso era lo más valioso de todo. El ahora inmortal Harrison quiso llevar acabo su objetivo hasta las últimas consecuencias, y si él no lo lograba sería su hijo el encargado de hacerlo…

Brainwashed : este álbum fue lanzado el 18 de noviembre de el año 2002. En las manos de Dhani y Jeff Lynn (el viejo amigo y colaborador del guitarrista) yacía una nota, escrita por el mismismo George Harrison, que explicaba el procedimiento exacto para sacar a flote el inconcluso álbum. Fue una misión extremadamente difícil para la dupla, teniendo en cuenta la profunda tristeza que significa perder a un padre y amigo, la complejidad de algunas canciones y, sobre todo, la dramática ausencia de Harrison. Pese a ello, y luego de abandonarlo por algunos meses, el objetivo fue finalmente concebido, “Brainwashed”, resplandecía lleno de vida como si el espíritu del ex Beatle se hubiera ramificado por sus canciones. Este póstumo trabajo recibió excelentes críticas, catalogándolo así, como el álbum más elegante y refinado de su maravillosa carrera musical. Los temas más representativos son “Any Road”, “Rising Sun”, “Run So Far”, “Never Get Over You” y “Brainwashed”.

El adiós a un maestro…

No quiero, ni es necesario, argumentar más de la cuenta pero debo decir estas pequeñas palabras… “A pesar de no haber nacido escuchando tus canciones, de no presenciar, en vivo, alguno de tus recitales o de no haberte conocido en persona; tu historia de vida y, sobre todo, música me conquistaron, y conquistaran, hasta el final de mis días. Tu sensibilidad es única e inigualable, tu talento es perfecto e inimitable y tu imagen es, simplemente, imborrable. A veces es bueno reservarse algunas cosas, así que solo terminaré diciendo: He cumplido mi promesa, el presente homenaje es para ti, mi querido George Harrison”.

Así termina la publicación de este respetado y exitoso músico. Como es de costumbre agradezco infinitamente a todos ustedes, mis queridos lectores, que siempre leen y comentan mis escritos. Nos veremos muy pronto con otra verdadera sobredosis de Rock. (Biografía en homenaje a George Harrison)

...Y YA SON TRES AÑOS DE ROCK.

2009-09-17T13:54:00.008-04:00

El 17 se septiembre del año 2006 le dí vida, tímidamente, a un proyecto bastante especial ya que se encontraba muy ligado a mi mayor pasión, el Rock. Fue así como decidí vestir improvisadas ropas de escritor, por decirlo de alguna manera, para brindarles a todos ustedes mis queridos lectores un trabajo honesto, sincero y, sobre todo, tratando de que sea lo más completo posible. Debo decir que me siento feliz pues durante todos estos años he recibido muy buenas críticas por parte de aquellos que aman, tanto como yo, el dulce sonido de este magistral estilo musical. Pese a que no escribo tan seguido como antes, por falta de tiempo, mi blog sigue siendo visitado constantemente, cosa que me enorgullece hasta la médula. Soy un tipo sencillo que no pretende mostrarse como un sabiondo ni como un escritor prodigio (aún me falta mucho que aprender), mi único objetivo ha sido motivarlos y, a la vez, propagar la inmortal llama del Rock. Para finalizar, solo me gustaría agradecer a cada uno de ustedes sus cálidas visitas y comentarios saturados en buenas vibras.

“La música es arte, el arte es música… el Rock es vida, la vida es Rock.”

MUCHAS GRACIAS Y FELICES FIESTAS PATRIAS…

RAINBOW

2009-06-09T16:43:00.031-04:00

“He vuelto desde el mismísimo infierno pues la tormenta de amor que me azotó, sin piedad, buscó un nuevo rumbo, dejando en mi cielo un hermoso arco iris…”. Retorno con alegría a mi blog ya que lo había dejado, digámosle, un poco de lado… la verdad es que pasé por un mal momento, además de realizar actividades personales de suma importancia. Pero aquí estamos de vuelta con el mismo amor Rockero, con la misma pasión de antaño y, por supuesto, con las mismas incontenibles ganas de rugir a los cuatro vientos: “EL ROCK NUNCA MORIRA PORQUE ES INMORTAL!!!”. Nuestro destino seguirá estando en la bendita Inglaterra para narrarles la historia de unos músicos simplemente brillantes, tan brillantes como el cálido Dios sol en pleno verano. Lo presente tenía que ser magistral, y a su vez estar sentenciado por la tan anhelada palabra éxito, pues estamos ante el maravilloso proyecto del destacado guitarrista Richie Blackmore, quien decidió cambiar el “profundo púrpura” por los siete colores del “arco iris”; Rockeras y Rockeros es tiempo de presentarles, y darle la bienvenida, a los míticos “Rainbow”. Mi interacción con esta clásica banda comenzó, aproximadamente, en 1999 gracias a la majestuosidad de temas como “Man On The Silver Mountain”, “Gates of Babylon” o “Long Live Rock ‘n’ Roll”. La historia del demoledor quinteto se escribe en 1975, cuando un furioso Richie Blackmore decide ponerle, radicalmente, fin a su relación musical con “Deep Purple”, la misma banda que lo había catapultado hacia el rotundo éxito. Toda esta bronca, que ya venía marcando de antes el paso con la guerra de egos entre Blackmore y el vocalista Ian Gillan (quien ya no estaba con los Purple), explotó con el nuevo sonido, muy relacionado al Soul, que estaban adquiriendo gracias a la directa participación de David Coverdale (el reemplazante de Gillan) y el bajista Glenn Hughes. Sin hacerse problemas, detestaba a morir este nuevo rumbo musical, tomó su hermosa Fender Stratocaster y se marchó, sin mirar a tras, prometiéndose a si mismo volver, lo antes posible, al mundo del Rock. Dicho y hecho, el llamado “Hombre de Negro”, mezcló toda su experiencia y sabiduría con “Elf”, una entidad Rockera liderada por el inigualable Ronnie James Dio. No hay para que darle tantas vueltas al asunto, Blackmore, sabía muy bien lo que hacia pues conocía perfectamente a Elf ya que estos, durante las últimas giras que “Deep Purple” realizó por los Estados Unidos, se habían convertido en el principal aliado de los músicos “color púrpura”. Impresionado con la talentosa voz del “pequeño Gran vocalista”, y sin pensarlo dos veces, les propone la idea de fusionarse junto a ellos… cosa que dio a luz una formación única en su especie, la misma que llamaron, simplemente, “Rainbow”. El nombre de la banda se inspiró en un “bar restorán”, ubicado en Hollywood, llamado “Rainbow Bar and Grill”... por cierto muy famoso por atender a estrellas, amantes y groupies pertenecientes al ambiente Rockero. En 1975 la banda lanza su primer álbum, llamado “Ritchie Blackmore’s Rainbow”, bajo la siguiente formación: el vocalista Ronnie James Dio, el guitarrista Richie Blackmore, el bajista Craig Gruber, el teclista Mickey Lee Soule y el baterista Gary Driscoll. Por fin había llegado el tan esperado momento del “siempre temperamental” líder de las seis cuerdas… gracias a su nuevo proyecto que debutaba a lo grande en el mundo del Rock. Pese a ello, y tras su revolucionada aparición, Blackmore, vuelve ha hacer de las suyas, como capitán de barco que es, disolviendo al quinteto para solo quedarse junto a Dio. Así mismo fue, el talentoso guitarrista, tenía una nueva carta bajo la manga… se trataba de la incorporación de los míticos Carey, Bain y Powell. El exitoso “arco iris” volvía a asomarse con la majestuosidad de sus brillantes colores gracias a la consagración de su formación más aclamada; por cierto integrada, finalmente, por Ronnie James Dio en voz, Richie Blackmore en la guitarra, Jimmy Bain en el bajo, Tony Carey en teclados y Cozy Powell en la batería. Los temas que más me gustan de la banda son “Catch The Rainbow”, “Gates of Babylon”, “Kill the King”, “Long Live Rock ‘n’ Roll”, “Rainbow Eyes”, “Man on the Silver Mountain”, “Tarot Woman”, “Lady of the Lake”, “All Night Long”, “Still I’m Sad” y un desesperante etc. Melodías exóticas, una voz de otro planeta, un talento explosivo, una imagen inolvidable y, sobre todo, un éxito arrasador… fue el nacimiento de una ideología, la creatividad de unos monstruos, el resplandor de la locura y el ocultismo, la resurrección de la pasión y el grito desgarrador de unos entes radicalmente rebeldes. Cuando pase la tormenta y vuelvas a mirar al cielo te darás cuenta que ya no eres el mismo de antes pues el llamativo color del arco iris te seducirá, hasta estremecerte, para solo recordarte la pasión de un quinteto tan maravilloso como su esperanzador nombre. ¿QUE CRIATURA NOS OBSERVA, MISTERIOSAMENTE, DESDE EL OTRO LADO DEL ARCO IRIS?, ¿QUE HAY MAS ALLA DE ESOS HIPNOTIZANTES SIETE COLORES?, ESCUCHA A RAINBOW Y LO SABRAS!!!

Biografía de los integrantes más clásicos de la banda...

Ronnie James Dio : nació el 10 de julio de el año 1942 en Portsmouth, New Hapshire, EE.UU. Su carrera musical comenzó a mediados de los años 50’ curiosamente tocando el bajo y la trompeta en sus primeros proyectos llamados “Red Caps” y “Ronnie and The Prophets”. Cuando los 60’ daba sus primeros pasos “Ronnie and The Prophets” sería nuevamente bautizado como “The Elves” para más tarde llamarse definitivamente “ELF”, este último la primera banda de renombre para Dio. Ha mediado de los 70’, y teniendo como base musical a “ELF”, se uniría al ex Deep Purple Richie Blackmore para formar a “Rainbow”. En los 80’ daría su paso más importante, además de lograr la gloria, al ser parte de la mítica banda “Black Sabbath” donde tuvo la difícil misión de reemplazar y hacer olvidar a su emblemático y original vocalista, Ozzy Osbourne. La verdad es que el particular estilo, y sobre todo esa magistral voz, le terminaron dando a los Sabbath aires musicales completamente renovados, cosa que no era para nada menor pues el vocalista ya se estaba consagrando con un envidiable prestigio. En 1983, Ronnie, formaría su propia banda, ligada al potente Heavy Metal, llamada simplemente Dio. Sin duda, su exitosa carrera musical, acompañado por sus privilegiadas cuerdas vocales, lo han hecho merecedor, indiscutidamente, del apodo “la voz del Metal”. En la actualidad se reunió con sus colegas de antaño de Black Sabbath para dar una extensa gira, ahora bajo el nombre “Heaven and Hell”, con quienes también espera sacar un nuevo trabajo.

Richie Blackmore : nació el 14 de abril de el año 1945 en Weston-super-Mare, Inglaterra. Su interacción con la música nació gracias a Jimi Hendrix, quien lo influyó directamente a tocar la guitarra. En 1967 se integró a “Roundabout”, la misma banda que más tarde pasaría a llamarse Deep Purple. Fue en esta etapa donde conocería el cálido abrazo del éxito, pero también la amargura pues tuvo fuertes roces con el vocalista Ian Gillan En 1975 decide abandonar al “profundo púrpura” para realizar su próximo proyecto, “Rainbow”... cosa que lo hizo mantener su legendario éxito. En 1997 forma, junto a su esposa y vocalista Candice Night, a “Blackmore’s Night”; por cierto banda que aún se mantiene vigente en la actualidad. A lo largo de su carrera siempre ha sido criticado por tener un carácter bastante temperamental, ganándose así el apodo de “Man in Black”, por su extraño comportamiento tanto fuera como dentro del escenario. Se autodenomina un gran admirador de las guitarras “Fender Stratocaster” (luego de que el mismísimo Eric Clapton le regalara una), la clásica marca que lo ha acompañado a lo largo de casi toda su carrera musical. También es considerado, fuertemente, como uno de los primeros padres, o fundadores, del llamado “Heavy Metal”, tanto por la majestuosa técnica en las seis cuerdas como por ser parte de bandas de alto nivel.

Jimmy Bain : nació el 19 de diciembre de el año 1947 en Newtonmore, Escocia. Su carrera musical comenzó a los veinte años tocando en la banda “Street Noise”, luego se uniría, en 1974, a “The Babys”. Su exquisita técnica en el bajo lo hace ser parte, en 1976, de la formación más clásica de “Rainbow”, donde solo graba un álbum (“Rising”), además de participar en su posterior gira… para finalmente ser despedido en 1977. En 1980 forma, junto a Brian Robertson (ex guitarrista de Thin Lizzy), a “Wild Horses”. En 1982 se integra a Dio, el nuevo proyecto de su conocido compañero de Rainbow, Ronnie James Dio, donde estuvo hasta el 2002. Se podría decir que esta última fue la etapa más legendaria de Bain pues participó en sus trabajos más legendarios consagrándose así como el líder de las cuatro cuerdas más representativo de la banda. En el 2005 se une al mítico baterista Vinny Appice para dar vida a “The Hollywood Alstarz” y “3 Legged Dogg”… dejando al primero para solo dar giras (destacando los éxitos más grandes de sus integrantes) y el segundo para material netamente original.

Tony Carey : nació el 16 de octubre de el año 1953 en Turlock, California, EE.UU. Su éxito como teclista explotó en 1975 al ser parte de la columna vertebral más aclamada de Rainbow. Tras su salida, en 1977, del “arco iris” emprendería una carrera en solitario que si bien no fue tan popular, le permitió consagrarse con un envidiable prestigio musical. En 1983 forma a la banda, de Rock Progresivo, “Planet P Proyects” con quienes refuerza su carrera lanzando nuevos trabajos. Aunque en los 80’ se mantuvo vigente gracias a sus solitarios proyectos, también se dio el lujo de producir algunos álbumes de famosos músicos incluyendo, entre otros, al mismísimo Joe Cocker. Este año (2009) Carey se unió a los ex integrantes de Rainbow, Joe Lynn Turner, Bobby Rondinelli y Greg Smith, más la sorpresiva participación de Jurgen Blackmore (el hijo de Richie Blackmore), para formar a “Over the Rainbow”… una banda destinada a recordar, en conciertos, los clásicos himnos de Rainbow.

Cozy Powell : nació el 29 de diciembre de el año 1947 en Cirencester, Gloucestershire, Inglaterra. A los doce años, Colin Flooks (su verdadero nombre), comenzó a tocar la batería, actividad que realizaba en la orquesta de su escuela. Su primera banda, la misma que tuvo a los quince años, se llamó “The Corals”. Fue aquí donde demostró su excelente técnica, además de inmortalizarse con su inolvidable apodo, “Cozy”… el cual fue tomado del destacado baterista de Jazz, Cozy Cole. Sus primeros pasos “semi profesionales” los dio junto a “The Sorcerers”, el mismo que lo catapultaría, suavemente, a la popularidad. En 1970 consigue dar su tan esperado “gran salto” al ser parte de “Jeff Beck Group”, donde solo lanza dos trabajos pues en 1972 la banda se disuelve irremediablemente. Sin descansar, el baterista, sigue buscando su horizonte musical siendo parte, en 1972, de “Bedlam”, para más tarde dar vida-tras el rotundo éxito que logró al lanzar una serie de sencillos-en 1974, a su primer proyecto llamado “Cozy Powell’s Hammer”. En 1975 se integró a Rainbow siendo pieza fundamental, junto a Richie Blackmore, en el clásico sonido del “arco iris”. Comenzando la década de los 80’, Powell, decide desligarse de Rainbow para buscar, nuevamente, otro rumbo. Como dato curioso se puede decir que el nombre de este mítico baterista sonó muy fuerte para reemplazar al monstruoso John Bonham, quien lamentablemente había muerto, pese a ello el resto viviente del cuarteto Zeppeliano prefirió no continuar sin el emblemático Bonzo. Desde 1980 hasta 1989 se integró a diversas bandas como “Graham Bonnet & The Hooligans”, “Michael Schenker Group”, “Whitesnake” y “Emerson, Lake & Powell”, además de lanzar un álbum en solitario. Desde 1989 hasta 1998 siguió escribiendo historia gracias a su consolidado trabajo junto a Gary Moore, “Black Sabbath”, “The Brian May Band”, “Peter Green Splinter Group”, “Tipton, Entwistle and Powell” y la vuelta de su proyecto de antaño, “Cozy Powell’s Hammer”. La verdad es que todo marchaba viento en popa para Powell, hasta que el maldito destino le cortó sus alas un 5 de abril de 1998... el brillante baterista moría brutalmente en un accidente automovilístico. Fue así como el mundo del Rock perdía a un grande, a un músico ejemplar de esos que tanto cuesta encontrar en la actualidad. La maldición se hizo presente con su oscuridad, sin embargo también se hizo presente la justicia divina ya que su nombre quedó tatuado, con letras bordadas en oro, en la tan querida biblia del Rock.

Tener a Richie Blackmore como compañero de banda debe ser algo complejo, pues como todos sabemos el tipo es un líder innato que se impone por su fuerte carácter y, porque no decirlo, arrogancia. Su temperamento se hizo notar en Deep Purple a través de sus conflictos, que eran un verdadero infierno, con el vocalista Ian Gillan… por cierto, roces que dieron como resultado la salida del guitarrista. Pero eso no es todo ya que nuevamente se impuso en los inicios de Rainbow… echando a todos sus integrantes, los que conformaban a Elf, para solo quedarse con Ronnie James Dio. Se buscaron nuevos integrantes, se consiguió un arrasador éxito y llegaron a la cima de la popularidad, pero como dice el dicho “no todo es para siempre”, fue así como el mismo éxito que los acariciaba al principio… se empezó a alejar del “arco iris” produciendo un sorpresivo eclipse que opacó las ventas de Rainbow. Esto último convirtió la momentánea felicidad de Blackmore en una sobredosis de amargura y frustración. Sin pensarlo dos veces, el hombre de negro, plantea un brusco cambio en el sonido de la banda… su objetivo era conseguir algo mucho más comercial, cosa que produjo un devastador terremoto al interior del quinteto pues Dio no estuvo de acuerdo con dicha propuesta. El talentoso vocalista prefirió emigrar y el indomable guitarrista optó por cambiar, nuevamente, de raíz la estructura de Rainbow disolviendo la banda para solo continuar con Cozy Powell quien a esta altura se había transformado en su mano derecha; la época comercial “de los siete colores” había comenzado.

Los álbumes más importantes de la banda…

Richie Blackmore’s Rainbow : este álbum fue lanzado en mayo de el año 1975. Tras su salida de Deep Purple, Blackmore, desafía todo el talento de su creatividad para crear un proyecto único que debía tener una identidad totalmente suya. Fue así como se termina fusionando a Elf… una banda ligada a la deliciosa ideología del Blues. Juntos forman a “Rainbow”, una criatura musical potente e insolente que desde sus inicios fue liderada por la gloriosa dupla Blackmore-Dio. Su aparición remeció oídos además de golpear con furia cada rincón de la exigente escena Rockera… situación que lleno de orgullo al amo de las seis cuerdas porque, en un abrir y cerrar de ojos, logró extinguir “la ardiente lluvia de los infiernos” para quedarse “estancado” en este “ahora despejado cielo” de éxito. Los temas más representativos son “Man on the Silver Mountain”, “Catch the Rainbow” y “Still I’m Sad”.

Rising : este álbum fue lanzado el 17 de mayo de el año 1976. En esta etapa, Blackmore, vuelve a mostrar su indomable carácter disolviendo al prometedor proyecto, cosa que sentenció la salida de Craig Gruber, Mickey Lee Soule y Gary Driscoll, para solo seguir adelante junto a Ronnie James Dio. La verdad es que el “ex Deep Purple” quiso convertir a Rainbow en un monstruo, y lo logró pues incorporó a los consagrados músicos Jimmy Bain, Tony Carey y Cozy Powell… dando así vida a la formación más clásica de la banda. Estamos en las puertas del éxito ya que este trabajo los inmortalizó tempranamente gracias a la demoledora fuerza de su espíritu aguerrido y, sobre todo, creativo. “Rising” enloqueció al planeta con su desafiante sonido, sin duda, es la obra más aclamada del colorido quinteto. Pese a la perfecta química que había nacido en el corazón de la banda, este sería el último trabajo realizado por el bajista Jimmy Bain y el teclista Tony Carey. Los temas más representativos son “Tarot Woman”, “Stargazer” y “Light in the Black”.

Long Live Rock ‘n’ Roll : este álbum fue lanzado el 9 de abril de el año 1978. El vacío que había quedado en el bajo y teclado fue rellenado por Bob Daisley y David Stone respectivamente. Pese a ser un trabajo potente, directo y sigilosamente adictivo no pudo superar la brillante maestría del mítico “Rising” que aún rugía en los oídos de sus fans. Lamentablemente se veía venir el fin de una dorada etapa… el éxito se les estaba escapando como agua entre los dedos. Fue aquí cuando Blackmore decide elaborar un nuevo sonido, en su mente rondaba la idea de sumergirse a lo comercial, cosa que desató el caos porque Ronnie James Dio se impuso renegando la idea propuesta por el guitarrista. Los malditos fantasmas de antaño del “ex Deep Purple” volvieron a aparecer ya que Dio se reencarnaba, sorpresivamente, en Gillan desatando así el quiebre de la seductora dupla. El arco iris se terminó opacando dolorosamente porque este trabajo no solo sería el último realizado junto a Ronnie James Dio, también marcaría la destrucción total gracias a Blackmore quien decide, una vez más, disolver a la banda, expulsando a Bob Daisley y David Stone, para solo mantener a su lado la tranquilizante compañía del baterista Cozy Powell. Los temas más representativos son “Long Live Rock ‘n’ Roll”, “Lady of the Lake”, “Gates of Babylon” y “Kill the King”.

Down to Earth : este álbum fue lanzado el 28 de julio de el año 1979. La banda retorna a sus dominios musicales totalmente renovada, cosa que incluía la llegada del vocalista Graham Bonnet, el bajista Roger Glover y el teclista Don Airey. “Down to Earth” presenta un sonido bien Rockero y, sobre todo, moderno que intenta hacer olvidar sus inicios. Al parecer, Blackmore, había conseguido lo que tanto buscaba… ya que Rainbow se estaba adecuando a los nuevos tiempos que se avecinan. Pese a ello debían estar atentos pues la llegada de los 80’ explotaría con la rebelión del Heavy Metal y Trash Metal. En lo estructural este sería el último trabajo realizado junto a Graham Bonnet y Cozy Powell. Los temas más representativos son “No Time to Lose”, “Danger Zone” y “Lost in Hollywood”.

Difficult to Cure : este álbum fue lanzado el 19 de enero de el año 1981. Curiosamente lo nuevo de la banda sería realizado bajo cuatro ex integrantes, tanto pasados como futuros, de Deep Purple (Blackmore, Glover, Airey y Turner). Los nuevos reclutados son el vocalista Joe Lynn Turner y el baterista Bobby Rondinelli. “Difficult to Cure” parece ser sacado de otro baúl ya que posee un sonido “más que distinto” a lo mostrado anteriormente por Rainbow. Esto produjo dos situaciones: por un lado fue dejado de lado y por el otro apuntado con el dedo ya que se convirtió en el álbum más experimental de la banda… sin duda, la comunidad del “arco iris” no estaba para nada satisfecha. En relación a lo estructural este trabajo sería el último realizado junto a Don Airey. Los temas más representativos son “I Surrender” y “Spotlight Kid”.

Straight Between the Eyes : este álbum fue lanzado el 10 de junio de el año 1982. Aquí se produciría el debut del teclista David Rosenthal. Aunque lo presente sigue manteniendo el mismo estilo que su antecesor, este posee un sonido mucho más potente y desafiante. Rainbow trataba, desesperadamente, de abrirse camino entre la niebla que seguía oscureciendo sus brillantes colores… pero al parecer ya no había caso, el éxito desaparecía en la penumbra de su estilo. En relación a lo estructural este sería el último trabajo realizado junto a Bobby Rondinelli. Los temas más representativos son “Death Alley Driver”, “Stone Cold” y “Eyes of Fire”.

Bent out of Shape : este álbum fue lanzado el 24 de agosto de el año 1983. Siguiendo en la lucha por mantenerse vigente, la banda, recluta al baterista Chuck Burgi. Más que recuperar sus idolatradas raíces musicales de antaño, Blackmore y compañía, van en busca del éxito netamente comercial ya que “Bent out of Shape” esta pensado para ir a la conquista del mercado estadounidense. Nada nuevo en su sonido, todo se mantiene de la misma forma, pese a ello no se puede desmerecer el esfuerzo de los músicos por tratar de satisfacer a sus queridos fans. Un nuevo terremoto sacude a Rainbow… este sería el último trabajo realizado junto a Joe Lynn Turner, David Rosenthal, Roger Glover y Chuck Burgi. Los temas más representativos son “Fire Dance”, “Drinking With the Devil” y “Snowman”.

Stranger in Us All : este álbum fue lanzado en 1995. Tuvieron que pasar más de diez años para que el mítico “arco iris” volviera a brillar con su envidiable majestuosidad. Blackmore resucitó su proyecto gracias a la incorporación del vocalista Doogie White, el bajista Greg Smith, el teclista Paul Morris y el baterista John O’Reilly. Aunque es un trabajo bastante interesante, por su incontrolable fuerza musical, no consiguió lo que tanto se anhelaba, solo se convirtió en una especie de joyita para los fans ya que posee un sonido extraño y, totalmente, contradictorio a sus álbumes de antaño. “Stranger in Us All” se encargó de cerrar, me atrevería decir a lo grande, un ciclo tan amado, pero a la vez, odiado (debido a su exagerada experimentación) por millones de fans. Los temas más representativos son “Stand and Fight”, “Silence” y “Hall of the Mountain King” (la inolvidable pieza musical de Edvard Grieg adaptada por Blackmore).

El final de los siete colores más hermosos…

Luego de lanzar su álbum “Stranger in Us All”, la banda, decidió ponerle fin, en 1997, a su carrera musical… sembrando así tristeza en sus más fieles seguidores. El arco iris se derritió por las calidas lágrimas de la lluvia, sin embargo, su legado ha quedado intacto en lo más alto de la cima Rockera… acontecimiento que ni una lluvia de fuego se atrevería a derretir. La sabiduría de Richie Blackmore y Ronnie James Dio nos entregó un proyecto espectacular, capaz de transportarte a los infinitos misterios de la mente humana. Es el legado de un quinteto único en su especie, un verdadero grito de pasión que nos sumerge en los años más gloriosos del Rock; ¿quién podría olvidar a los dorados 70’? Siempre recuerden que luego de la tormenta llega la calma, acompañado, por un esperanzador arco iris que iluminará calidamente el rumbo de tu nuevo camino… es el destino que nos pone pruebas y uno debe superarlas. Ahora ya puedo mirar el horizonte, bendecido, por esos hipnóticos siete colores que me motivan a seguir adelante pues mi batalla aún no termina… solo esta empezando.

Así finaliza la historia de esta legendaria banda. Como es de costumbre mando mis saludos a todos los que siempre leen y comentan mis escritos. Nos veremos muy pronto con otra indomable leyenda Rockera. (Biografía en homenaje a Cozy Powell)

WHITESNAKE

2009-01-17T14:51:00.030-03:00

Y el pueblo dijo: “Hemos pecado al murmurar contra el Señor y contra ti, Moisés. Ruega al Señor que aparte de nosotros las serpientes...”. Continuaremos en la misma carretera… la dorada carretera de los 70’ que llegará rugiendo, en este nuevo año 2009, con un poder musical bastante insolente. Lo siguiente esta representado por una legendaria banda que se desplaza, como una verdadera serpiente, para envenenarnos con su dulce sabor Rockero. Nacidos en tierras inglesas e inmortalizados por la rebelde imagen de su indiscutido líder, David Coverdale… les presento a los clásicos Whitesnake. Mi interacción con estos apasionados músicos de antaño comenzó en 1999, a través, de su popular himno, el maravilloso “The Deeper the Love”. La historia de la mítica “serpiente blanca” nace tímidamente, en 1976, cuando el destacado vocalista David Coverdale, tras la separación de Deep Purple (por cierto, donde estuvo desde 1973 a 1976), decide forjar, con sabiduría, su propio destino… formando una carrera musical en solitario. Por esa época solía dar giras con una banda de apoyo, para promocionar sus dos trabajos llamados “White Snake” y “Northwinds”, a la cual bautizó como “The White Snake Band”. En 1978, el vocalista, se encargaría de dar forma a un nuevo proyecto… cosa que realizó junto al destacado guitarrista Micky Moody, quien ya había participado en sus dos álbumes anteriores. A la hora de escoger un nombre que los identificara, no tuvieron que pensarlo mucho ya que Coverdale, desde hace bastante tiempo, tenía uno que daba vueltas y vueltas dentro de su cabeza… fue así como nacería “Whitesnake”. Los primeros integrantes que fueron reclutados para llevar a cabo esta maravillosa idea musical, que rugía en su interior como una endemoniada tormenta en pleno verano, fueron el guitarrista Bernie Marsden, el bajista Neil Murray, el teclista Brian Johnston y el baterista David Dowle. Sus inicios estuvieron, fuertemente, ligados a la esencia del nostálgico Blues para más tarde evolucionar a un estilo más directo y, sobre todo, agresivo. A mediados de 1978 deciden lanzar su primer trabajo titulado “Snakebite”, el mismo que les revelaría un futuro realmente exitoso… pues el mundo del Rock, desde el primer momento en que aparecieron, había puesto todos los sentidos en su llamativo sonido. Cuando la recordada década de los 80’ comenzaba a imponerse con su reinado, la banda, sufre una talentosa mutación gracias a la consagración de su formación más legendaria… integrada por el vocalista David Coverdale, los guitarristas Micky Moody y Bernie Marsden, el bajista Neil Murray, el teclista Jon Lord y el baterista Ian Paice. Los temas que más me gustan de la banda son “Walking in the Shadow of the Blues”, “Is This Love”, “Don’t Break My Heart Again”, “The Deeper the Love”, “Rough An’ Ready”, “You Blood”, “Looking For Love”, “Children of the Night”, “Judgement Day”, “Crying in the Rain” y un Rockero etc. Y la sagrada leyenda de antaño se vuelve a repetir, pues Coverlade también fue tentado por la serpiente, quien parecía hipnotizarlo con su fría mirada mientras le ofrecería el fruto prohibido… el mismo que estaba, completamente, saturado en éxito. Estamos ante un proyecto seductor en su máxima expresión y lleno de esa calida pasión que solo el bendito espíritu de los 70’ se atrevió a concebir. Sin miedo de ser mandados al mismísimo infierno por la monstruosidad de su talento y sin miedo de usar sus malditos colmillos, llenos de Rock, en quienes osan desafiar su imponente rugir… WHITESNAKE HA LLEGADO PARA ENVENENARNOS POR LOS SIGLOS DE LOS SIGLOS, AMEN!!!.

Biografía de los integrantes más clásicos de la banda…

David Coverdale : nació el 22 de septiembre de el año 1951 en North Yorkshire, Inglaterra. Desde niño estuvo ligado al mundo de la música, pues creció en un entorno familiar dominado por el Blues y el Soul. Sus inicios los dio como guitarrista para más tarde convertirse en un apasionado vocalista amateur. Mientras cursaba sus estudios en la Middlesbrough Art Collage y trabajaba en una tienda de ropa a la moda ingresaría sorpresivamente, en 1973, a la consagrada banda Deep Purple, mediante un anuncio que narraba la búsqueda de un vocalista. Su participación junto a estos verdaderos monstruos del Rock fue todo un desafío para él ya que tenía la difícil misión de reemplazar a Ian Gillan y, a su vez, lograr la consagración… porque era un total desconocido en el ambiente musical. Pese a ello, pudo demostrar su explosivo talento, gracias a la potente fuerza de sus envidiables cuerdas vocales. Junto a la “máquina color púrpura” lanzó cuatro álbumes… retirándose, en 1976, con la ruptura de la banda. En ese mismo año forjó una carrera en solitario lanzando dos álbumes, “White Snake” y “Northwinds”. Dos años más tarde, en 1978, formaría un nuevo proyecto, junto al guitarrista Micky Moody, llamado “Whitesnake”… con el que seguiría cosechando exitos, además de ser catapultado a la inmortalidad del Rock. En 1993, se une al legendario guitarrista, de Led Zeppelín, Jimmy Page para lanzar un trabajo llamado “Coverdale-Page”. Años más tarde volvería a retomar su carrera editando, en el 2000, su tercer trabajo en solitario titulado “Into the Light”, para luego volver, en el 2003, a “Whitesnake”; por cierto celebrando el cumpleaños número veinticinco de la banda.

Micky Moody : nació el 30 de agosto de el año 1950 en Middlesbrough, Yorkshire, Inglaterra. Su carrera musical, como guitarrista, comenzó en 1970, cuando ingresó a la banda de Blues-Rock llamada “Juicy Lucy”. En 1972 co-fundó a “Snafu”, un proyecto que poseía un sonido ligado a las inusuales mezclas del British, Blues y Rock. Pese a ello, su consolidado éxito llegaría, en 1976, cuando decide unirse a David Coverdale, quien, tras la separación de Deep Purple, forma una banda en solitario. Luego de trabajar dos años juntos, la dupla, se concentra en otro desafío… la creación de una nueva banda. Fue así como, en 1978, “Whitesnake” haría de las suyas en el mundo del Rock… gracias a su estilo, potencialmente, talentoso. Finalizando los 70’ formaría, junto a Bob Young, a “The Young & Moody Band”. En 1984 se retiraría de la banda, siendo reemplazado por el guitarrista John Sykes. Cuando los 90’ se encontraba en su último periodo de vida, Moody, decide formar en 1998, junto a sus ex compañeros de Whitesnake el guitarrista Bernie Marsden, y el bajista Neil Murray, una serie de bandas llamadas “The Snakes”, “The Company of Snake” y “M III” para recordar los legendarios clásicos de la “serpiente blanca”. Desde el 2001, en adelante, a lanzado tres álbumes en solitario llamados “I Eat Them For Breakfast”, “Don't Blame Me” y “Acoustic Journeyman”.

Bernie Marsden : nació el 7 de mayo de el año 1951 en Buckingham, Buckinghamshire, Inglaterra. La década de los 70’ significaría su debut, como destacado guitarrista, siendo parte, en 1974, de la banda “Wild Turkey”. Más tarde se uniría, durante los años 1975 y 1976, a “Babe Ruth”... para luego llegar, en 1977, a un proyecto llamado “Paice, Ashton & Lord”. Pese a ello, el éxito caería en sus manos, al ser parte, en 1978, de “Whitesnake”. Entre los años 1979 y 1980 lanzaría sus dos primeros trabajos en solitario llamados “And About Time Too” y “Look at Me Now” respectivamente. En 1982 decide partir de la “serpiente blanca”, siendo reemplazado por el guitarrista Mell Galley. En 1984 sería parte de “Alaska”. En 1998 se une, junto a sus ex compañeros de Whitesnake el guitarrista Micky Moody y el bajista Neil Murray, a una serie de bandas llamadas “The Snakes”, “The Company of Snake” y “M III” para recordar, con nostalgia, su paso por Whitesnake. En el 2005 lanza su tercer trabajo en solitario titulado “Stacks”.

Neil Murray : nació el 27 de agosto de el año 1950 en Edinburgh, Escocia. Sus origenes musicales comenzaron, sorpresivamente, a través de la batería... formando su primera banda, en 1967 con los amigos de su escuela, llamada “Slap Happy and the Dum-Dums”. Más tarde, y mientras se preparaba para estudiar diseño gráfico en el London College of Printing, se decidiría por ser bajista. Luego de participar junto a diversas bandas interesantes... se uniría, en 1977, a “Whitesnake”. Fue aquí donde se consolidaría gracias a su magistral técnica en las cuatro cuerdas. Luego de estar diez años con la “serpiente blanca”, donde tuvo la posibilidad de salir y volver, se retiraría, en 1987, de la banda. Tras su salida se integraría a los japoneses de “Vow Wow”, con quienes lanza dos trabajos para luego retirarse en 1988. En 1989 su nombre se catapultaría a la inmortalidad siendo parte, hasta 1990, de la mítica banda Black Sabbath… por cierto, llegaba en reemplazo del talentoso Geezer Butler. En la década de los 90’ se destacó por colaborar en varios proyectos, además de trabajar como músico de apoyo, en 1992, para “The Brian May Band” y “Guns N’ Roses”. En 1994 volvió, momentáneamente, a Black Sabbath; luego se integraría, durante 1996 y 1997, a “Peter Green Splinter Group”. En 1998 se une, junto a sus ex compañeros de Whitesnake los guitarristas Micky Moody y Bernie Marsden, a una serie de proyectos titulados “The Snakes”, “The Company of Snake” y “M III”… los mismos que nacieron para revivir los clásicos himnos de “Whitesnake”. En la actualidad sigue demostrando, todo su talento, colaborando con varias bandas y músicos… sin duda, estamos ante uno de los bajistas más prestigiosos del planeta.

Jon Lord : nació el 9 de junio de el año 1941 en Leicester, Inglaterra. Su relación con la música comenzó a los cinco años tomando clases de piano. Esto se llevó a cabo, principalmente por su padre, quien quería que su pequeño hijo fuera un pianista clásico. Después de tener bastante practica, con el maravilloso instrumento, descubrió la melodía del Jazz y el Blues, formando así su primera banda, en 1960, llamada "The Bill Ashton Combo". En 1968 comenzó a destacar, como pianista, en la destacada formación "Roundabout", la misma que más tarde pasaría a llamarse Deep Purple. En 1978, y hasta 1984, tocó para "Whitesnake", para luego volver a los clásicos Deep Purple, donde estaría hasta el 2003. En el 2005 comienza a retomar su trabajo como solista, pues ya había lanzado desde 1972 y paralelamente a Deep Purple varios álbumes en solitario, formado su propia banda llamada "Jon Lord & The Gemini Band".

Ian Paice : nació el 19 de junio de el año 1948 en Nottingham, Inglaterra. Comenzó tocando el volín para más tarde, a los quince años, decidirse finalmente por la batería. Se unió a la orquesta, de baile, de su padre para luego interactuar e improvizar melodías más densas y pesadas. Sus primeras bandas fueron "Georgie and the Rave ons" y "MI5". En 1968, y con solo diecinueve años, se convertiría en uno de los principales fundadores, que en la actualidad sige vigente, de “Deep Purple”... por cierto, tiene el record de ser el único miembro de la banda que ha estado en todas las formaciones. Desde 1979 a 1982 se unió, junto a su conocido compañero David Coverdale, a “Whitesnake”... más tarde partiría por tener diferencias musicales con su líder. Tras su salida sería parte, durante 1982 hasta 1984, de “Gary Moore Band”, para finalmente retornar a la reunión de Deep Purple que volvía con la “Mark III”. Su representativa técnica consiste en mezclar un sonido rítmico, preciso y limpio con la velocidad y potencia... caracteristicas que lo han catalogado como uno de los bateristas más influyentes del mítico Rock Clásico.

Durante toda su carrera musical, David Coverdale, se ha caracterizado por ser un vocalista muy talentoso... gracias a esa voz tan legendaria que posee. Pese a ello, también ha sido muy recordado por su carisma y, sobre todo, sensualidad sobre los escenarios... sin duda, estamos ante un verdadero sex simbol, tanto en su epoca más gloriosa como en la actualidad. Sus clásicos movimientos corporales, sus sorpresivos gritos y una mirada insinuante... podían sacar a relucir, con descaro, sus incontrolables deseos de sexo. Las damas eran hipnotizadas y el maestro clavaba, musicalmente, sus colmillos... pues la serpiente y él ya se habían fusionado en un solo ser.

Los álbumes más importantes de la banda...

Snakebite : este álbum fue lanzado en junio de el año 1978. Comienza la historia de la serpiente musical más venenosa, a través, de un trabajo ligado a la profunda fuerza del Blues Rock. Luego de lanzar sus dos albumes en solitario, Coverdale, se reune con sus nuevos aliados para lanzar este clásico EP, el mismo que mostraría el explosivo talento de esta, su nueva banda, llamada, simplemente, “Whitesnake”. Como curiosidad, “Snakebite”, fue lanzado en los EE.UU (país que no editó ningun trabajo en solitario de Coverdale), como un álbum de larga duración, mediante la inclusión de cuatro temas nuevos, por cierto lanzados originalmente en el álbum “North Winds” del vocalista, llamados “Keep On Giving Me Love”, “Queen of Hearts”, “Only My Soul” y “Breakdown”. El tema más representativo es el cover, de Bobby Bland, “Aint’t No Love in the Heart of the City”.

Trouble : este álbum fue lanzado en octubre de el año 1978. Siguiendo la misma senda musical de su antecesor, el quinteto, muta a un inolvidable sexteto con la destacada incorporación del mítico teclista Jon Lord, quien llega a la “serpiente blanca”, tras su salida de Deep Purple, para ayudar a conquistar, rápidamente, el éxito… acontecimiento que muy pronto los acariciaría tiernamente. Los temas más representativos son “Take Me With You", "The Time Is Right for Love" y "Don't Mess With Me".

Lovehunter : este álbum fue lanzado en octubre de el año 1979. Lo nuevo de la banda, pese a ser un verdadero clásico, no tuvo la repercución que los musicos esperaban pues su promoción fue bastante pobre... de hecho es más recordado por su portada, obra del famoso artista Chris Achilleos, que trajo polémica, en vez de sus canciones. En relación a lo estructural, este sería el último trabajo realizado junto al baterista Dave Dowle. Los temas más representativos son “Long Way From Home” y “Walking in the Shadow of the Blues”.

Ready an’ Willing : este álbum fue lanzado el 31 de mayo de el año 1980. Comienza la década de los 80’ con Whitesnake, completamente, renovado pues sería el debut del extraordinario baterista, otro ex Depp Purple, Ian Paice... junto a él, la banda, se consolidaría con su formación más clásica y aclamada. Y la bendita “serpiente blanca” lo estaba consiguiendo ya que el tan anhelado éxito se podía respirar en el aire… sin duda, el dulce veneno estaba haciendo efecto en los mortales, quienes se rendían ante el demoledor éxito de este maravilloso sexteto. Los temas más representativos son “Fool for You Loving” y “Ready an’ Willing”.

Come an’ Get it : este álbum fue lanzado el 11 de abril de el año 1981. Y la banda sigue consagrandose, en el mundo de la música, gracias a un trabajo representado por la fuerza de un Rock más agresivo y directo. A esta altura, Coverdale y sus secuases, se habían reencarnado en el mismisimo Rey Midas... mediante su endiablado talento, tanto creativo como musical. El tema más representativo es "Don't Break My Heart Again".

Saints & Sinners : este álbum fue lanzado el 20 de noviembre de el año 1982. Finalmente, la banda, obtiene la siempre dorada inmortalidad, a través, de un trabajo deborado por el éxito y alabado por la crítica. La mordedura ha sido dolorosamente dulce, ahora sus seguidores exigen más veneno, ya que este se ha vuelto adictivo... y no posee antidoto. Pese a estar rodeados por un ambiente bastante glorioso, se produciría un verdadero terremoto en el corazón de la banda... pues estamos ante el último trabajo realizado con el guitarrista Bernie Marsden y el baterista Ian Paice. Los temas más representativos son “Rough an’ Ready”, "Bloody Luxury" y “Here I Go Again”.

Slide it in : este álbum fue lanzado en enero de el año 1984. El sacudido terreno volvería a calmarse con la llegada de los guitarristas John Sykes y Mel Galley (ahora serían un tridente), el bajista Colin Hodgkinson y el talentoso baterista Cozy Powell. “Slide it in” solo se catalogó como un trabajo interesante al no superar el éxito de su antecesor... el mismo que seguía, completamente, vigente en los oídos de sus fans. Como dato curioso les puedo decir que este álbum fue lanzado en dos versiones: una para Inglaterra y otra para EE.UU... ¿la diferencia?, solo algunos detalles y arreglos en el sonido de los instrumentos. Mientras, la banda, intentaba salir adelante, el crudo abismo, se encargó de absorber todas las iluciones de la “serpiente blanca” ... este sería el último trabajo realizado junto a los guitarristas Micky Moody y Mel Galley, el bajista Colin Hodgkinson , el teclista Jon Lord y el baterista Cozy Powell. Los temas más representativos son "Slide It In" y "Love Ain't No Stranger".

Whitesnake : este álbum fue lanzado el 4 de abril de el año 1987. Sorpresivamente, la banda, había mutado a un cuarteto que solo vendría acompañado con el debut del baterista Aynsley Dunbar. Pese a que muchos osaron en pensar un triste desenlace para los míticos músicos, pues habían perdido a brillantes integrantes, Whitesnake muestra la fiereza de sus palidos colmillos... demostrando así que estan más vivos que nunca. La verdad es que este legendario trabajo “homónimo” se convirtió en una verdadera joyita musical... tan hermosa como un diamante, tan brillante como la estrella de Belén y tan inmortal como la voz de Coverdale. El éxito volvía en gloria y majestad para unos Rockeros bendecidos por el mismisimo Dios Rock. Pero no todo era “color de rosa” ya que el carismatico vocalista se quedaría, completamente, solo con la salida de John Sykes, Neil Murray y Aynsley Dunbar. Los temas más representativos son “Looking for Love” e “Is This Love”.

Slip of the Tongue : este álbum fue lanzado el 18 de noviembre de el año 1989. Si anteriormente todo era un abismo... ahora Coverdale se encontraba en el climax de una despiadada catastrofe. Pero como todo tiene solución en la vida, a excepción de la muerte, se unirían al vocalista el mítico guitarrista Steve Vai, el bajista Ray Sarzo y el baterista Tommy Aldridge. Whitesnake lo volvía a lograr... y lo hacía de la forma más elegante pues estamos ante un trabajo saturado en éxito. Y los cambios seguirían ya que este es el último trabajo realizado junto a Steve Vai, Ray Sarzo y Tommy Aldridge. Los temas más representativos son "Now You're Gone", "The Deeper the Love" y "Judgment Day".

Restless Heart : este álbum fue lanzado en el año 1997. Tuvieron que pasar ocho años para que la banda lanzara un nuevo trabajo, cosa que la haría regresar con aires, completamente, renobados... mediante la llegada del guitarrista Adrian Vandenberg, el teclista Brett Tuggle, el bajista Guy Pratt y el baterista Denny Carmassi; además de la especial participación de los coristas Beth Anderson, Maxine Waters y el encargado de la harmonica, Elk Thunder. Originalmente, “Restless Heart”, iba a ser editado como un nuevo trabajo, en solitario, de Coverdale, y aunque él no lo considera una obra de Whitesnake, el sello discografico, EMI, precionó para que fuera lanzado bajo el nombre de la banda. En relación a lo musical, este álbum no logró superar el éxito de sus antecesores. Los temas más representativos "Don't Fade Away" y “Woman Trouble Blues".

Good to Be Bad : este álbum fue lanzado el 21 de abril de el año 2008. Último trabajo de la banda tras nueve años de aunsencia en el mundo del Rock. Coverdale llegaba decido a retomar su éxito en compañía de sus nuevos aliados... los guitarristas Doug Aldrich y Reb Beach, el bajista Uriah Duffy, el teclista Timothy Drury y el baterista Chris Frazier. “Good to Be Bad” se transformaría en una seductora maquina del tiempo para los fans ya que, Whitesnake, retornaría, magistralmente, a sus raíces de antaño... mediante un trabajo dominado por el Blues. El dulce sabor del éxito los volvería a bendecir convirtiendo, a estas seis serpientes blancas, en una verdadera potencia musical. Los temas más representativos son "Best Years", "Good to Be Bad" y "'Til the End of Time".

El futuro de Whitesnake...

Estamos ante una banda indomable, exitosa y con más de veinticinco años de trayectoria musical... sin duda, un verdadero monstruo del Rock. Su último álbum, lanzado en el 2008, llamado “Good to Be Bad”, se catapultó a la cima del éxito elevando, aún más, el envidiable prestigio de la clásica “serpiente blanca”. Por el momento debemos seguir disfrutando de aquellas brillantes canciones, las mismas que han invadido nuestros oídos de una forma sigilosa, seductora, adictiva y, sobre todo, venenosa. Coverdale ha rugido y la inmortalidad se ha hecho presente para escribir el inolvidable nombre de su banda... en la sagrada biblia del Rock. Moisés rogó al Señor por el pueblo y el Señor le respondió: “Haz una serpiente como ésas y levántala en un palo. El que haya sido mordido por las serpientes y mire la que tú hagas, vivirá”.

Así finaliza la publicación de esta querida banda inglesa. Como siempre mando mis saludos y agradecimientos a todos los que leen y comentan mis escritos. Nos veremos muy pronto con otro siempre legendario ente Rockero.

LYNYRD SKYNYRD

2008-12-22T01:38:00.043-03:00

Bueno, me gustaría terminar este presente año 2008 de una forma más reflexiva, pero a la vez, con una incontrolable sobredosis de ese Rock tan rebelde en su máxima expresión. Dicho y hecho pues ahora vamos a cambiar un poco de rumbo… dejaremos de lado la furia del Thrash Metal para entrar de lleno a la historia de una banda, simplemente, maravillosa. Nos trasladaremos a la siempre dorada década de los 70’, a través, de unos apasionados jóvenes que llevan tatuado, en su corazón, los anhelados calificativos de talento, y sobre todo, éxito. Recordados por ser creadores de canciones hermosas, músicos desafiantes y nombrados, hasta el cansancio, como “el grupo definitivo de Rock Sureño”… les presento a los indomables estadounidenses Lynyrd Skynyrd. Mi relación musical con estos queridísimos Rockeros de antaño nació en el año 2000 gracias a sus legendarios himnos “Free Bird” y “Sweet Home Alabama”. La leyenda comienza en 1964 cuando un trío de amigos, conformado por el vocalista Ronnie Van Zant y los guitarristas Allen Collins y Gary Rossington, deciden unir sus sueños y creatividad para formar un proyecto al cual llamarían, inicialmente, “The Noble Five”. Un año más tarde, y en compañía de los nuevos reclutados el bajista Larry Junstrom y el baterista Bob Burns, deciden rebautizarse como “My Backyard”. El presente quinteto comenzó, tempranamente, a demostrar su endiablado poder compositivo… mediante una clara influencia de bandas inglesas como The Rolling Stones o The Beatles, cosa que fue mezclada con la dulzura del Blues, la simpatía del Country y la rebeldía del Western. Cuando los 60’ se encontraban exhalando su último suspiro, la banda, da su primer paso, en 1968, a la popularidad ganando un tradicional concurso llamado “Batalla de Bandas”. La verdad es que estos tipos sabían que poseían grandes cualidades para triunfar… así que sin pensarlo dos veces, y con una calida fe en sus cuerpos, decidieron ocupar el dinero obtenido en dicho concurso para grabar dos canciones, que se convirtieron en su primer sencillo, llamadas “Michelle” y “Need All My Friends”. Comenzando la década de los 70’, el prometedor proyecto musical, sufriría dos cambios importantes… lo primero se centra en la llegada del teclista Billy Powell y lo segundo esta relacionado con el nacimiento del nombre “definitivo” de la banda, pues ahora se autoproclamarían, simplemente, “Lynyrd Skynyrd”. Lo último tiene relación con Leonard Skinner, quien era un profesor, perteneciente a la secundaria Robert E. Lee, de Educación Física. Se dice que Skinner ocupaba una estricta disciplina para llevar a cabo el reglamento de la escuela, el cual estaba centrado, específicamente, en la presentación personal de los alumnos. Este fue el principal objetivo para que no permitiera que sus estudiantes se dejaran el pelo ni las patillas largas… razón por la cual fueron expulsados, en más de alguna ocasión, de la escuela los integrantes de la banda, por no querer acotar las normas. Pese a recibir fuertes castigos, y mientras se llamaban “One Percent”, vendría la venganza de los músicos, ya que en una de sus tantas presentaciones, su líder natural Ronnie Van Zant, bromeando, con un tono irónico y burlesco, les grita a su público: “Desde hoy seremos conocidos como "Leonard Skinner". Con el pasar del tiempo, el nombre, fue mutando de "Lynard Skynard" hasta llegar al mítico, y exitoso, "Lynyrd Skynyrd". Como curiosidad les puedo comentar que el profesor, al principio, tomó esta broma como un verdadero insulto, pero más tarde formarían una gran amistad con ellos… pues hasta lo invitaban a sus conciertos. En 1972 se producirían nuevos cambios con la llegada del bajista Leon Wilkeson (quien reemplazó a Larry Junstrom) y el guitarrista Ed King… por cierto, cosa que también vendría acompañada por su tan anhelada consagración, al ser descubiertos, mientras tocaban en un club de Atlanta, por el músico/compositor Al Kooper, quien los hace firmar un contrato con el sello discográfico MCA Records, para luego producir su primer álbum, lanzado en 1973, llamado “(pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd)”. También es importante destacar que este legendario trabajo fue lanzado bajo la formación más clásica y recordada de Lynyrd Skynyrd… integrada por el vocalista Ronnie Van Zant, los guitarristas Allen Collins, Gary Rossington y Ed King, el bajista Leon Wilkeson, el teclista Billy Powell, y finalmente, el baterista Bob Burns. Los temas que más me gustan de la banda son “I aint’t the One”, “Simple Man”, “Whats Your Name”, “Free Bird”, “Comin Home”, “That Smell”, “Sweet Home Alabama”, “I Got the Same Old Blues”, “The Leedle and the Spoon”, y un Rockero etc. En los sagrados 70’, el mundo, conocería la fuerza de unos músicos verdaderamente insolentes que llegaban, con una rebelde bandera saturada en estrellas y manchada por los colores rojo, azul y blanco, a conquistar todo el territorio musical. Y lo estaban logrando, y el Rock los inmortalizaba, y la crítica los aclamaba, y sus fans los amaban… pero un duro golpe los traicionaría, pues la envidiosa oscuridad de la muerte los vigilaba, constantemente, para rasgar de raíz, su máxima sabiduría. Estamos ante una historia bendecida por Dioses, pero, a la vez, maldecida por Demonios… pese a ello, EL RUGIR DE LYNYRD SKYNYRD SIGUE ESTANDO, COMPLETAMENTE, VIVO!!!.

Biografía de los integrantes más clásicos de la banda…

Ronnie Van Zant : nació el 15 de enero de el año 1948 en Jacksonville, Florida, EE.UU. Antes de convertirse en un verdadero amante de la música, sus pensamientos giraban en torno a otros gustos… por ejemplo, quería ser boxeador (como su gran ídolo Muhammad Ali) o si no jugador profesional de béisbol. Pero todo daría un giro de 360 grados al ver, por primera vez, a The Rolling Stones… fue así como decidió ser músico. La verdad es que Zant siempre fue un hombre seguro de si mismo, cosa que puede ser demostrada en autoproclamarse, antes de ser conocido, como la segunda persona más famosa, por cierto detrás del destacado piloto de carreras Roy Lee Yarbrough, en salir de, su ciudad natal, Jacksonville. En 1964 comenzaría a cumplir su promesa formando, junto a sus amigos de escuela Allen Collins y Gary Rossington, una banda llamada “The Noble Five”… la misma que más tarde se llamaría “Lynyrd Skynyrd”. En este exitoso proyecto se destacó a través de su carismática voz, la misma que también lo hizo ser el líder natural y uno de los principales compositores.

Gary Rossington : nació el 4 de diciembre de el año 1951 en Jacksonville, Florida, EE.UU. Su carrera musical comenzó en 1964 formando, junto a sus amigos Ronnie Van Zant y Allen Collins, a “The Noble Five”… el primer bosquejo de lo que más tarde sería “Lynyrd Skynyrd”. Aunque siempre se destacó por ser un excelente guitarrista, tuvo que vivir con la compañía de una cruel sombra, las drogas y el alcohol. Su relación era tan estrecha con estas malditas sustancias que en 1976 estrelló, dramáticamente, su auto recién comprado. Este acontecimiento hizo que la banda postergara su gira, pues tenían que esperar a que Rossington se recuperara de las lesiones… cosa que les obligó adjudicarle una multa por el retraso. Pese a todo lo malo, el accidente, inspiraría dos hechos positivos, el primero se relaciona con la creación de la canción “That Smell” que se convertiría en un gran éxito; y lo segundo se manifiesta es una estricta norma, impuesta por Ronnie Van Zant, en contra del consumo, dentro de la banda, de drogas y alcohol. En 1980 funda, junto a Allen Collins, a “The Rossington-Collins band”, con quienes alcanzó a lanzar dos álbumes… pues dos años más tarde se disolvería con la triste muerte de la esposa de Collins, Kathy. En 1986 formaría su propio proyecto musical llamado “The Rossington Band”, con los que también lanzaría dos trabajos. En la actualidad él y el teclista Billy Powell son los dos únicos integrantes clásicos que siguen vigentes en “Lynyrd Skynyrd”.

Allen Collins : nació el 19 de julio de el año 1952 en Jacksonville, Florida, EE.UU. Su carrera musical, como guitarrista, comenzó en 1964 al formar, junto a Ronnie Van Zant y Gary Rossington, a “The Noble Five”… un proyecto que más tarde evolucionaría a “Lynyrd Skynyrd”. Dentro de la banda se destacó, además de pertenecer al desafiante tridente de las seis cuerdas, por ser, en compañía de Zant, uno de los compositores más creativos. En 1980 formó, junto a su colega Gary Rossington, a “The Rossington-Collins band”… para luego concretar su propia banda llamada “The Allen Collins Band”. En 1981, su esposa, Kathy, muere, tristemente, a raíz de una hemorragia producida por un aborto involuntario. Pero eso no sería todo porque en 1986, Collins y su novia, chocarían brutalmente en su auto… accidente que le causó la muerte a su novia y a él lo dejó paralizado de la cintura hacia abajo, con un limitado movimiento de sus manos y brazos. Sin duda, otro duro golpe para este talentoso guitarrista… quien nunca más pudo tocar las seis cuerdas sobre un escenario. El 23 de enero de el año 1990, Allen Collins, muere de neumonía crónica, producto de una secuela atribuida a su accidente automovilismo.

Ed King : nació el 14 de septiembre de el año 1949 en Glendale, California EE.UU. A mediados de los años 60’ comenzaría su carrera musical, a través, de su primera banda llamada “Strawberry Alarm Clock”. En la década de los 70’ tendría su primer acercamiento con “Lynyrd Skynyrd”, cuando esta abrió, como teloneros, un concierto de su banda. Cuando 1972 comenzaba a aflorar, King, se integraría, como bajista, en reemplazo de Leon Wilkeson (quien se había retirado momentáneamente) a “Lynyrd Skynyrd”. Más tarde, y tras el retorno de Wilkeson, retomaría al liderazgo de la guitarra… formando así, en compañía de Gary Rossington y Allen Collins, uno de los tridentes, de las seis cuerdas, más potentes y desafiantes del Rock. En 1975 decidió abandonar a la banda, durante la gira “Torture Tour”, siendo reemplazado por el destacado guitarrista Steve Gaines. En la actualidad se encuentra, como él mismo dice, “Felizmente Jubilado”.

Billy Powell : nació el 3 de junio de el año 1952 en Corpus Christi, Texas, EE.UU. Nacido en un entorno familiar militar, Powell, se relaciona con la música tomando clases de piano… cosa que rápidamente dejaría, pues su profesora dijo que no las necesitaba ya que poseía un talento innato. Cuando curso sus estudios en el Bishop Kenny High School, conocería a, su gran amigo, Leon Wilkeson. Luego de graduarse en 1970, y tras matricularse en un colegio comunitario especializado en la “Teoría de la Música”, conseguiría un trabajo como roadie (persona encargada del equipo de un músico) en Lynyrd Skynyrd. Pero todo esto cambiaría en 1972, cuando Zant vio, en carne propia, la maravillosa técnica, en el teclado, de Powell… sin pensarlo dos veces decide invitarlo, como miembro oficial, a la banda. Desde aquel día, y hasta la actualidad, sigue siendo uno de los miembros vigentes, en compañía de Gary Rossington, y más legendarios de Lynyrd Skynyrd.

Leon Wilkeson : nació el 2 de abril de el año 1952 en Newport Rhode Island, EE.UU. Gracias a su banda favorita, The Beatles, pudo interactuar con la música, además de convertirse en bajista… inspirándose en su gran ídolo, Paul McCartney. Su fanatismo por el clásico instrumento hizo que dejara de lado sus estudios, participando, con solo catorce años, en su primera banda, sin mayor repercusión, “The Collegiates”… por cierto, la misma que era liderada por Ronnie Van Zant. Pese a ello, y debido a sus bajas calificaciones, tuvo que abandonarla por las presiones de sus padres. Cuando la música se lleva en la sangre, no hay nada que pueda detenerla… fue así como se integró a un nuevo proyecto llamado “The King James Version”, donde pudo perfeccionarse pues comenzó a estudiar la técnica de grandes bajistas como John Paul Jones (Led Zeppelín), Jack Bruce (Cream) o Jack Casady (Jefferson Airplane). En los 70’ su talento lo convirtió en uno de los mejores músicos, de las cuatro cuerdas, de su ciudad natal, Jacksonville… principal cualidad que lo haría ser, en 1972, reclutado en “Lynyrd Skynyrd”. En 1980 se integró, junto a Gary Rossington, Allen Collins y Billy Powell, al prometedor proyecto llamado “The Rossington-Collins band”. Cuando esta banda optó por separarse, Wilkeson, decidió seguir trabajando con Collins… integrándose así a “The Allen Collins Band”. El 27 de julio de el año 2001, Leon Wilkeson, fue encontrado muerto, por causas naturales, en la habitación de un hotel ubicado en la localidad de Florida.

Bob Burns : nació el 24 de noviembre de el año 1950 en Jacksonville, Florida, EE.UU. Perteneció a la formación clásica de la banda, desde 1964 hasta 1970, luego partiría, para integrarse a un proyecto llamado “Blackfoot”, volviendo nuevamente a “Lynyrd Skynyrd” durante los años 1973 y 1974. En 1975 sería reemplazado por el talentoso baterista Artimus Pyle. El 13 de marzo de el año 2006 se reincorporó, momentáneamente, para participar, luego de treinta años, con “Lynyrd Skynyrd” en una pequeña presentación, celebrando, su integración en el importantísimo “Rock and Roll Hall of Fame”.

Steve Gaines : nació el 14 de septiembre de el año 1949 en Miami, Oklahoma, EE.UU. Su fanatismo por las seis cuerdas comenzó cuando vio por primera vez, en un concierto, a The Beatles. Su primera banda se llamó “The Ravens”, más tarde, en la década de los 70’, participaría en otras como “RIO Smokehouse”, Rusty Day” y “Detroit and Crawdada”. También grabó algunas canciones, con su amigo y productor John Ryan, que fueron lanzadas en 1988, por el sello discográfico MCA Records, bajo el nombre “One in the Sun”. En 1976 su hermana, Cassie Gaines (quien ya había entrado como corista a Lynyrd Skynyrd), propone, a sus integrantes, el nombre de su hermano… pues la banda buscaba a un nuevo guitarrista tras la salida de Ed King. Fue así como, Steve, se convirtió en el legendario líder de las seis cuerdas… debutando en el recordado álbum “Street Survivors”. Su explosivo talento, tanto en la voz como tocando la guitarra, lo convirtió, de inmediato, en uno de los pilares más solidos de la banda.

Artimus Pyle : nació el 15 de julio de el año 1948 en Louisville, Kentucky, EE.UU. A los nueve años comenzó su relación con la música, a través, de unos bongos que le compró su madre. Tres años más tarde se interesó en tocar la batería, en compañía de su padre... cosa que lo motivó a formar su primera banda llamada “Thom Thumbs”. En 1974 se integraría, en reemplazo del baterista Bob Burns, a Lynyrd Skynyrd. En 1981 formó a “Artimus Pyle Band” (también conocida por las iniciales “A.P.B.”), con quienes ha lanzado tres trabajos. En el 2007 publicó su álbum en solitario titulado “Artimus Venomus”. Actualmente se desempeña como músico solista, además de participar, y colaborar, con otras bandas.

Johnny Van Zant : nació el 27 de febrero de el año 1959 en Jacksonville, Florida, EE.UU. Es el menor de dos hermanos músicos, Donnie (".38 Special") y Ronnie Van Zant ("Lynyrd Skynyrd"). Su carrera musical comenzó en la década de los 70’, a través, de su primera banda llamada “The Austin Nickels Band”, por cierto la misma que más tarde pasaría a llamarse “The Johnny Van Zant Band”. Entre los años 1981 y 1985 publicó tres álbumes en solitario para luego tomarse unas merecidas vacaciones de todo este exigente mundo musical. En 1987 se convirtió en el principal vocalista, hasta la actualidad, de Lynyrd Skynyrd… cosa que le dio, al clásico sonido, un toque más ligado al Hard Rock gracias a la potencia de su talentosa voz. En 1990 lanzó su cuarto trabajo en solitario y en 1998 formó un popular dúo, con su hermano Donnie, llamado “Van Zant”, con quien ha lanzado cuatro trabajos.

En 1970, la banda, comenzó a tomar fuerza y forma haciendo que sus ensayos fueran estrictos y constantes, no querían perder ni un solo instante… día tras día, noche tras noche, el esfuerzo debía traer la tan anhelada recompensa. Pese a ello, sus vecinos hicieron una oscura aparición quejándose constantemente por el bullicio que entonaban estos apasionados músicos. Fue así como decidieron trasladarse a una alejada granja, a la que llamaron “Hell House”, para dar rienda suelta a sus maravillosas canciones, en compañía, de un estilo Rockero verdaderamente desafiante… que ya comenzaba a encontrar su perfecta evolución.

Los álbumes más importantes de la banda…

(pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd) : este álbum fue lanzado el 13 de agosto de el año 1973. Y nace la magica leyenda, a través, de un trabajo que muy pronto se convertiría en un verdadero clásico de clásicos. Directo, rebelde y desafiante son sus principales caracteristicas... sin duda, el esfuerzo musical de siete talentosos hombres fue recompensado por la suave caricia del éxito. En relación al titulo de la portada, “(pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd)”, presenta la forma en que debe ser pronunciado el particular nombre de la banda, “Lynyrd Skynyrd”. Los temas más representativos son “Tuesday’s Gone”, “Gimme Three Steps”, “Simple Man”, “Things Goin’ On” y el mítico “Free Bird”.

Second Helping : este álbum fue lanzado el 15 de abril de el año 1974. Siguiendo la misma senda musical que su antecesor, la banda, estremece al mundo del Rock con su clásico “Second Helping”… un trabajo que sería aclamado, hasta el cansancio, convirtiéndolo en un merecido Disco Multi-Platino. A esta altura, “Lynyrd Skynyrd”, se encontraba en su mejor momento tanto creativo como musical; la verdad es que la dorada consagración ya les comenzaban a abrir sus puertas. En lo estructural, este sería el último álbum realizado junto al baterista Bob Burns. Los temas más representativos son el brillante “Sweet Home Alabama”, “The Ballad of Curtis Loew” y “Call Me the Breeze”.

Nuthin’ Fancy : este álbum fue lanzado el 24 de marzo de el año 1975. Lo nuevo de la banda vendría consagrado con el debut del talentoso baterista Artimus Pyle. Aunque, Nuthin’ Nancy, es un trabajo interesante, que mantiene en alto la misma fuerza y creatividad de antaño, no pudo superar el éxito de sus antecesores. En lo estructural, este sería, momentáneamente, el último trabajo realizado con el excelente guitarrista Ed King. Los temas más representativos son “Saturday Night Special” y “On the Hunt”.

Gimme Back My Bullets : este álbum fue lanzado el 2 de febrero de el año 1976. La presente etapa entregaría un leve cambio en su sonido… pues el demoledor tridente de las guitarras había mutado a una, sorpresiva, dupla con la salida de King. Pese a ello, la banda, siguió adelante cosechando más exitos mediante un trabajo que se convirtió en Disco de Oro. “Gimme Back My Bullets” fue realizado en homenaje al productor Tom Dowd, un personaje que los músicos respetan, e idolatran, bastante. Los temas más representativos son “All I Can Do is Write About it” y el cover de J.J. Cale, “I Got the Same Old Blues”.

Street Survivors : este álbum fue lanzado el 17 de octubre de el año 1977. La banda volvería a tener su legendario sonido, centrado en la potencia de tres guitarristas, gracias a la llegada del talentoso Steve Gaines. Su ingreso a Lynyrd Skynyrd se produjo por recomendación de su hermana, la corista, Cassie… quien llevaba cooperando, desde 1976, con los músicos. Estamos en presencia de otro clásico, un trabajo sumamente importante que los terminó consagrando en el queridísimo mundo del Rock… pese a ello, un acontecimiento torcería, brutalmente, el exitoso destino de la banda. Los temas más representativos son “What's Your Name”, “That Smell” y “You Got That Right”.

La maldita muerte los lapida sin misericordia, pero el bendito Rock los vuelve a resucitar de sus ardientes cenizas…

El 20 de octubre de el año 1977, y a tan solo tres días de haber lanzado su álbum “Street Survivors”, la banda, es victima de un terrible accidente aereo. Todo comenzó a marchar mal cuando el avión, piloteado por Walter McCreary, mostró serias dificultades mecanicas. Desesperado, el piloto, intentó un aterrizaje de emergencia en una pequeña pista... pero el avión quedó sin combustible, estrellandose, en un bosque cercano a la localidad de Gillsburg, Mississippi. El vocalista Ronnie Vant Zant, el guitarrista Steve Gaines, la corista Cassie Gaines, el manager Dean Kilpatrick, el piloto Walter McCreary y su copiloto William Gray murieron instantaneamente al momento del impacto. Por otro lado, el guitarrista Allen Collins tuvo dos vertebras rotas en su cuello y, lo más delicado de todo, graves daños en su brazo derecho, las mismas que le pudieron haber ocacionado la amputación de su brazo. El bajista Leon Wilkeson sufrió graves lesiones internas, incluyendo una perforción en su pulmon, además de perder la mayoría de sus dientes. El guitarrista Gary Rossington se rompió los dos brazos, la pierna derecha y su pelvis, en compañía de heridas punzantes en su estómago e higado. El teclista Billy Powell quedó con su nariz completamente destrozada y, a su vez, presentaba graves laceraciones (es una ruptura en la piel obtenida mediante una herida) en su rostro y rodilla derecha. El baterista Artimus Pyle, quien sufrió varias costillas rotas, fue uno de los pocos que pudo salir en pie, por su propia voluntad, para ir a pedir ayuda en compañía de otros miembros de la tripulación. La corista Leslie Hawkins sufrió una concusión (es una lesión en el cerebro que puede producir dolores de cabeza intensos o perdida de memoria), que le provocaría problemas neurológicos, se rompió el cuello en tres partes y manifestaba graves laceraciones faciales. El road (persona que se encarga de organizar la gira) Steve Lawler recibió fuertes contuciones (es el aplastamiento y rotura de vasos sanguíneos de un músculo, producido generalmente a un nivel superficial, cercano a la piel) y laceraciones en su cara. Finalmente, el manager de seguridad, Gene Odom, sufrió serias quemaduras en un brazo y cara, además de perder la vista de un ojo, pues una vengala de emergencia se activó durante el choque. El personal médico llegó de inmediato para socorrer a los heridos y trasladar a los fallecidos, en ambulancias y otros vehiculos, a los hospitales más cercanos.

Aunque, Lynyrd Skynyrd, había perdido, en un abrir y cerrar de ojos, su espíritu y corazón, con la partida de su líder natural Ronnie Van Zant… su pasión por el Rock les hizo resucitar, luego de diez años, de este verdadero infierno, en gloria y majestad al mundo de la música. Fue así como en 1987, los sobrevivientes del accidente, Gary Rossington, Billy Powell, Leon Wilkeson y Artimus Pyle, más el regreso del guitarrista Ed King y la voz, del hermano menor de Ronnie, Johnny Van Zant retornan a su hogar, a su vida, a su verdadero amor... el escenario. También es importante mencionar que Allen Collins no pudo participar de dicha reunión porque en 1986 sufrió una sebera parálisis a raíz de un accidente automovilistico. Pese a ello, su presencia seguía vigente, pues en cada concierto realizado por la banda... él aparecia en silla de ruedas explicandole al público el “porque” de su ausencia. Desde ese mismo año, y hasta la actualidad, la banda, se ha mantenido vigente con un gran éxito, gracias al vivo recuerdo de sus hermanos caidos y a los nuevos álbumes realizados... con esa sabiduría musical tan caracteristica que poseen.

La sangre Rockera de Lynyrd Skynyrd ruge y el legado de Ronnie se mantiene vivo, a través, de su hermano Johnny Van Zant...

Lynyrd Skynyrd 1991 : este álbum fue lanzado el 11 de junio de el año 1991. Es momento de exorcizar los demonios de antaño, es momento de retomar aquel éxito, relativamente, olvidado… y es el momento indicado para que Lynyrd Skynyrd grite a los cuatro vientos: “Estamos más vivos que nunca!!!”. Fue así como el vocalista Johnny Van Zant, los guitarristas Gary Rossington, Ed King y Randall Hall, el bajista Leon Wilkeson, el teclista Billy Powell, los bateristas Artimus Pyle y Kurt Custer, y finalmente los coristas Dale Krantz Rossington, Stephanie Rowan y Susan Marshall llenan su creatividad de valentía para lanzar un trabajo representado por la indomable fuerza del Hard Rock... sin duda, el éxito los vuelve abrazar. El tema más representativo es “Smokestack Lightning”.

The Last Rebel : este álbum fue lanzado el 16 de febrero de el año 1993. Tras su tan esperado retorno a los escenarios, la banda, sufriría un nuevo cambio estructural… con la salida del baterista Artimus Pyle y las coristas Stephanie Rowan y Susan Marshall. “The Last Rebel” mantiene un sonido bastante similar a su antecesor, pero en esta ocasión la voz, tanto principal como secundaria, muestran un profundo liderazgo. En relación a lo estructural, este sería el último trabajo realizado junto a los guitarristas Ed King y Randall Hall, y el baterista Kurt Custer. Los temas más representativos son “Good Lovin's Hard to Find”, “South of Heaven” y “Born to Run”.

Twenty : este álbum fue lanzado el 29 de abril de el año 1997. La nueva etapa musical de la banda vendría reforzada por los guitarristas Ricky Medlocke y Hughie Thomasson, y el baterista Owen Hale (quien más tarde se retiraría). Este trabajo esta, completamente, rodeado por la nostalgia, por cierto, cosa que se puede notar en dos casos puntuales: lo primero esta relacionado con su titulo, “Twenty” (“Veinte”), el cual recuerda que ya han pasado veinte años del terrible accidente… y lo segundo esta inmortalizado en la canción “Travelin’ Man”, la misma que muestra, gracias a la magia de la tecnología, un dúo vocal entre Ronnie y, su hermano, Johnny Van Zant. Los temas más representativos son “Bring it On”, “Travelin' Man” y “How Soon We Forget”.

Edge Forever : este álbum fue lanzado el 10 de agosto de el año 1999. Cuando la decada de los 90’ se contraba exhalando su último aliento, “Lynyrd Skynyrd”, vuelve a sus dominios Rockeros en compañía del baterista Kenny Arnoff y la corista Carol Chase. Lo nuevo de la banda se plantea de forma apasionada y directa, a través, de canciones lideradas por el incansable sonido de las guitarras y la siempre magistral voz del maestro Johnny Van Zant. Los temas más representativos son “Full Moon Light", “Through It All” y “FLA”.

Vicious Cycle : este álbum fue lanzado el 20 de mayo de el año 2003. Último trabajo de la banda que viene cargado de notables melodías, y a la vez, profundas distorciones... sin duda, el principal arma Rockera de los legendarios Lynyrd Skynyrd. “Vicious Cycle” sería el debut del bajista Ean Evans (quien reemplazaría al fallecido Leon Wilkeson) y el baterista Michael Cartellone. El álbum presenta dos sorpresas, la primera se encuentra en la canción “Mad Hatter” que fue creada, en homenaje, para el gran Wilkeson... y lo segundo es un folleto, en forma de resumen, que muestra los acontecimientos más importantes, desde su nacimiento en 1964, de la banda. Los temas más representativos son “That's How I Like It”, “Mad Hatter” y “Life's Lessons”.

El futuro de Lynyrd Skynyrd…

El 13 de marzo de el año 2006, la banda, ingresaba al prestigioso “Rock and Roll Hall of Fame”, sentenciando así, a la inmortalidad, su gran éxito, legado e historia en el mundo de la música. Lynyrd Skynyrd ha sido un proyecto que ha saboreado lo dulce del triunfo, gracias a la majestuosidad de su estilo y sonido, pero también han probado el amargo sabor de la muerte… pese a ello, sus incontrolables ganas por luchar, y a su vez, torcerle la mano al destino han conseguido un rugir renovado que sigue, completamente, vigente en nuestros oídos. Fueron años de luchas, fueron años de lágrimas, fueron años de rabias… ahora serán años de magia musical, pues están bendecidos por la calidez del todo poderoso Dios Rock.

Así finaliza la publicación de esta maravillosa banda estadounidense. Antes de despedirme quiero desearles, de todo corazón, a todos ustedes mis queridísimos lectores una muy Feliz Navidad y Prospero Año Nuevo… espero que lo pasen espectacular en compañía de sus seres queridos. Nos veremos muy pronto con otro siempre verdadero monstruo del Rock. (Biografía en homenaje a Ronnie Van Zant, Steve Gaines, Cassie Gaines, Allen Collins y Leon Wilkeson).

...Y EL LEGENDARIO VAQUERO DEL INFIERNO SIGUE ESTANDO, INTACTO, EN NUESTROS CORAZONES.

2008-12-08T03:35:00.010-03:00

Por historia, el Rock, se ha encargado de dar vida a grandes músicos, quienes con esfuerzo y, sobre todo, pasión han podido escribir, con letras doradas, su destacada historia en este, nuestro amado, mundo musical. Y bueno, hoy quiero homenajear a un hombre que admiro mucho, tanto por su carisma como por su creatividad a la hora de hacer rugir esa maravillosa guitarra eléctrica. Su nombre es sinónimo de Metal, su espíritu es sinónimo de libertad, sus dedos son sinónimos de talento y su presencia es sinónimo de Rock… él es, simplemente, Dimebag Darrell. Desde niño destacó por ser un excelente guitarrista, cosa que lo hacía ganador de todos los concursos infantiles en los que participaba. Sus influencias musicales estuvieron relacionadas con bandas como “Van Halen” y “Kiss”, siendo esta última su mayor adoración. Cuando hablamos de Dimebag, es inevitable nombrar a su querido hermano mayor, el baterista Vinnie Paul… pues eran dos entes, completamente, unidos, como cuerpo y alma, como venas y sangre, como guitarra y cuerdas, como batería y baquetas. Juntos dieron a luz su proyecto musical más amado, “Pantera”… la misma banda que les dio tantas alegrías, tantos éxitos, tantos reconocimientos y, a la vez, tantas tristezas. Comenzaron con un estilo ligado al Glam Metal, para más tarde ser, en compañía de Phil Anselmo y Rex Brown, una de las bandas más demoledoras que haya pisado la faz de la tierra. La verdad es que sin darse cuenta se habían convertido en los padres del revolucionario movimiento “Metalero”.

Es difícil encontrar músicos tan perfectos como Dimebag Darrell, para mi sigue siendo el mejor, sin duda guitarristas como él nacen cada cien, o más años… porque su talento es tan explosivo que no conoce barreras ni limites. Su vida fue como un potente rayo de sol, que nació para triunfar, pero que sería eclipsado por un destino “envidioso” ante tanto éxito y, sobre todo, amor por la música.

Este 8 de diciembre es para muchos un día triste, pues recordamos la muerte de un hombre que entregó, hasta su propia vida, al mundo del Rock… Dimebag Darrell murió como un valiente, en su territorio, en su ambiente, en su escenario. Pero pese a la tristeza que me invade en estos momentos quiero recordar su legado de una forma alegre como a él tanto le gustaba… ya que el Rock, además de ser música, representa pasión, creatividad y sobre todo alegría.

A mediados de los 90’ escuché por primera vez a Pantera, quedando sumamente sorprendido por tanta melodía y crudeza manifestada al mismo tiempo… nos les miento, fue una verdadera odisea para mis oídos. Estos tipos, y en especial, mi querido Dime, me enseñaron que el Rock es vida, que el Rock es amor, que el Rock es humor y que el Rock también puede ser doloroso… ¿Por qué?, porque debemos acostumbrarnos a no encariñarnos mucho con nuestros ídolos ya que, en cualquier momento, nos pueden ser arrebatados en un abrir y cerrar de ojos.

Mientras mis sentimientos expresan diversas emociones, mediante la compañía del auto revelador “Hollow”, recuerdo aquella inmortal imagen de los indomables “Vaqueros del Infierno”… un cuarteto poderoso en su máxima expresión, que fue bendecido por la calidez de nuestro majestuoso Dios Rock.

Y comienzo a retroceder, sorpresivamente, en el tiempo, y la magia musical vuelve a renacer de sus cenizas, llenado mis oídos con su dulce sabor … “Reiventing the Steel”, “The Great Southern Trendkill”, “Far Beyond Driven”, “Vulgar Display of Power”, “Cowboys From Hell”, “Power Metal”, “I’am the Night”, “Proyects in the Jungle”, “Metal Magic” y me detengo bruscamente, por un segundo… si!, un maldito segundo que me trae a la dura realidad; Pantera, mi banda de tantos años me ha dejado en una soledad musical tan grande que nunca podré superar. Pese a ello me siento feliz porque pude sentir, en carne propia, la verdadera adrenalina del Metal, gracias a uno de los guitarristas, extremos, más grandes de nuestra ancestral historia.

Aunque pasen años, mueran décadas, se derrumben siglos, o incluso, se congelen civilizaciones, nunca se olvidará el valioso legado musical de nuestro querido guitarrista… “PORQUE LA TRISTEZA SE AHOGA CUANDO LA MITICA WASHBURN DE DIME COMIENZA A RUGIR!!!”.

ANTHRAX

2008-12-05T00:52:00.029-03:00

Hoy aceleraremos los motores y tendrás que acompañarme, si es que te atreves, al poderoso Infierno del denominado Thrash Metal ochentero. Primero fue la furia de “Metallica”, luego la desenfrenada distorsión de “Slayer” y más tarde la rebeldía directa de “Megadeth”... lo próximo será la guinda de la torta. Bueno, comenzaré contándoles que la historia del Thrash Metal esta representada por cuatro “Bestias Rockeras” tan demoledoras como la inmortalidad de sus prestigiosos nombres. Ya mencioné a tres, ahora solo me falta una para completar el cuarteto más temible, en la historia, del Rock… sin más que decir, les presento a los indomables “Anthrax”. Fue en 1998 cuando la adrenalina golpea, brutalmente, mis oídos, a través, de dos himnos musicales, desesperadamente, monstruosos; es así como aparecieron en mi vida la endiablada “Caught in A Mosh”, seguida de la siempre indomable, “Be All Be End”. Tras escuchar aquella verdadera dinamita, y sin pensarlo dos veces, indagué de lo que se trataba, descubriendo, una sola identidad llamada, simplemente, Anthrax. Desde ese preciso instante, y hasta la actualidad, me convertí en uno más de sus tantos acérrimos seguidores. La historia de esta destacada banda comienza a escribirse en 1981 cuando los guitarristas Scott Ian y Danny Lilker (quien más tarde se desempeñó como bajista) deciden formar su propio proyecto musical. Mientras pensaban en algún nombre que los identificara se toparon, en un libro de biología, con el llamativo término “Carbunco” (en inglés “Anthrax”), una enfermedad que afecta a los mamíferos, cosa que también incluye al hombre, a raíz de una bacteria que forma esporas denominada “Bacillus Anthracis”. El nombre les gustó de inmediato, y sin darse cuenta su proyecto ya comenzaba a tener forma, pues para ellos, Anthrax, sonaba bastante “malvado”. Y mientras el fuego de la pasión les quemaba las entrañas por materializar pronto su fantasía musical, decidieron ir por más integrantes, quienes debían tener la personalidad necesaria para adecuarse a un estilo, “denso y despiadado”, que la dupla Ian-Lilker ya tenia, completamente, tatuada en su subconsciente. Luego de pasar por una serie de cambios estructurales, la banda, encuentra a sus primeros guerreros integrados por el vocalista Neil Turbin, los guitarristas Dan Spitz y Scott Ian, el bajista Danny Linker y el baterista Charlie Benante. Desde el principio se caracterizaron por mezclar el rugir de su sangre, el “Thrash Metal”, con la rapidez del “Hardcore”, más una “receta especial” que contiene una verdadera “sobredosis” de simpatía, carisma y humor. A parte de eso también contaban con una ventaja que siempre estuvo de su lado, aquel “espíritu evolutivo” que no le tenía miedo a la, odiada por algunos y respetada por otros, experimentación. La verdad es que mientras sus aliados contemporáneos se debatían a muerte, a través, de sus recitales, letras y estilo “radicalmente serios”, Ian y compañía, solo se dedicaban a componer canciones inspiradas en las novelas de “Stephen King” y “comics estadounidenses”. Consagrándose, rápidamente, en el mundo del Rock, y tras el exitoso debut de su álbum, lanzado en 1984, “Fistful of Metal”, Anthrax, hace estallar la energía de todo su talento al encontrar, en 1985, su formación más clásica, integrada, por el vocalista Joey Belladonna, los guitarristas Dan Spitz y Scott Ian, el bajista Frank Bello y el baterista Charlie Benante. Pero como la vida no es siempre color de rosa, y pese a tener un talento bendecido por Dioses, pareciera que la mala suerte ronda, alrededor, de la banda mediante la quiebra de algunos sellos discográficos a los cuales pertenecían, y sobre todo, a una serie de conflictos internos. Es verdad, fueron duros golpes… pero su desgarrador grito seguía completamente intacto y listo para matar, musicalmente, a cualquier ente insolente que se les atravesara por el maldito camino. Los temas que más me gustan de la banda son “Panic”, “Belly of the Beast”, “Keep in the Family”, “Deathrider”, “Metal Thrashing Mad”, “Be All End All”, “I Am the Law”, “A.I.R.”, “Madhouse”, “Among the Living”, “Caught in A Mosh” y un despiadado etc. Y mientras la década de los maravillosos 80’ se volvía una verdadera guerra de distorsionados riffs, mediante la pasión de sus salvajes líderes, el Infierno musical de Anthrax hacia que sus instrumentos sangraran, pintando así, los talentosos dedos de sus dueños con un espeluznante color rojo. Todo se vuelve realidad, el terror surge de la oscuridad, la muerte asecha en cada rincón... y la cuarta bestia del Thrash Metal, que faltaba, ha descuartizado, sin remordimiento, la seriedad establecida hasta el momento. Vida eterna para un grande, vida eterna para un monstruo, vida eterna para la ira incontrolable… LA VIDA ETERNA DE ANTHRAX YA FUE BENDECIDA POR SU EXCELENCIA, EL ROCK.

Biografía de los integrantes más clásicos de la banda…

Scott Ian : nació el 31 de diciembre de el año 1963 en New York, EE.UU. Nacido en un entorno familiar judío, Scott, se interesó por el Rock, en 1977, cuando vio por primera vez a Kiss en el Madison Square Garden. Fue tan fuerte el impacto que le provocaron los míticos músicos de cara pintada que desde ese mismo día, Kiss, se convirtió en su banda favorita. Más tarde descubrió, y a su vez fue influenciado, por el legendario “Heavy Metal” ingles (también conocido con las iniciales NWOBHM), a través, de bandas como Iron Maiden y Judast Priest; por cierto, pasión que compartía con la velocidad del “Hardcore” de New York. En 1981 comienza su carrera musical formando a Antrhax, en compañía, de su amigo el guitarrista-bajista Danny Lilker. Con el pasar de los años, y tras una gran cantidad de cambios estructurales, Scott y el baterista Charlie Benante, quien llegó en 1983, se convirtieron en los integrantes más antiguos de la banda. Aparte de ser el destacado, y legendario, guitarrista de Anthrax, formó en 1985, a “Stormtroopers of Death” (también conocida como “S.O.D”) uno de las primeros proyectos que fusionó el “Hardcore Punk” con el "Thrash Metal”. Dicho proyecto musical lo llevó a cabo junto a sus amigos Danny Lilker, Charlie Benante y el vocalista Billy Milano. En lo personal, se autodenomina como un gran seguidor de su guitarrista favorito, el destacado pero muy polémico, Ted Nugent.

Charlie Benante : nació el 27 de noviembre de el año 1962 en New York, EE.UU. Llegó en 1983 a la banda, convirtiéndose con el pasar del tiempo, y en compañía de Scott Ian, en el integrante más antiguo de Anthrax. Charlie también pertenece, desde 1985, a “Stormtroopers of Death". Dentro de ambos proyectos destacó por ser uno de los principales compositores, además de crear varias portadas de los álbumes y diseños de poleras. En relación a lo musical, es muy famoso por su rápida técnica en la batería, siendo a su vez, uno de los pioneros, o represéntate, del desesperado sonido Thrash Metal. Se autodenomina un gran fanático de la taquillera película “Star Wars”, dejando al malvado Darth Vader, como su personaje favorito.

Dan Spitz : nació el 28 de enero de el año 1968 en New York, EE.UU. Antes de ingresar, como guitarrista, a Anthrax tocaba en la distorsionada banda “Overkill”. En 1983 se integró al proyecto de Ian, convirtiéndose así en parte de la formación más clásica y recordada del demoledor quinteto. Pese a tener un consagrado éxito, sería despedido, en 1995, por demostrar poco interés con el proyecto musical. Luego de su salida se reclutaría, gracias a una beca, a WOSTE (programa internacional, ubicado en Suiza, que prepara profesionales para mantener y reparar relojes finos)… para más tarde abrir su propio taller. El año 2005 marcaría su regreso, en gloria y majestad, tras estar diez largos años ausente del que fuera su proyecto Rockero más querido. Su vuelta se llevó a cabo para preparar una extensa gira mundial, representada por la reunión de los integrantes más clásicos de Anthrax. Terminada dicha gira, Spitz, volvería a su trabajo, como relojero, para ser, nuevamente, reemplazado, en el 2007, por el guitarrista Rob Caggiano. En lo personal, también se le conoce por ser el hermano menor de Dave Spitz… por cierto ex bajista de Black Sabbath.

Frank Bello : nació el 9 de julio de el año 1965 en New York, EE.UU. Su interacción con el bajo, de forma autodidacta, comenzó cuando tenía doce años… también solía interpretar, curiosamente, partes de bajo en guitarra. Se le conoce por ser sobrino del talentoso baterista Charlie Benante. Llegó a Anthrax, en 1984, para reemplazar al bajista Dan Lilker. Se ausentó por un pequeño periodo de la banda para tocar en “Hamlet” y cooperar con otros músicos. Una de sus características más representativas es su gran energía y desplante sobre el escenario, cosa que lo ha hecho ser merecedor de grandes críticas… las mismas que también han alabado su compleja, rápida, pero a la vez, exquisita técnica en las cuatro cuerdas.

Joey Belladonna : nació el 13 de octubre de el año 1960 en New York, EE.UU. Su reconocimiento mundial comienza, en 1984, al ingresar, como vocalista, a Anthrax. Desde ese momento se convirtió en una de las voces más reconocidas, y destacadas, del movimiento metalero. En 1992 se retira para seguir una carrera en solitario, a través, de su propia banda llamada, simplemente, “Belladonna”… por cierto la misma que ha tenido muy buenas críticas, elevando aún más, su tan elogiada participación en los dominios del Thrash Metal. Entre los años 2005 y 2006 se reunió con sus ex clásicos compañeros de Anthrax para realizar una legendaria gira… más tarde volvería a retomar su carrera.

Por historia, la llamada “experimentación”, ha sido un arma de doble filo para muchas bandas, ya que han intentado agregar nuevos elementos a su clásico estilo convirtiéndolo, finalmente, en un verdadero fracaso. Un ejemplo claro de ello podría ser Metallica con sus “Load” y “Reload” (aunque para ser sincero esto ya se venía presagiando tras el lanzamiento de su álbum Negro); sin embargo, sería el odiado “St. Anger” el que sentenciaría aquel errado rumbo musical. Por otro lado, su contemporáneo y aliado del Thrash Metal, Anthrax, siempre se caracterizó por ser una banda valiente, o quizás muy arriesgada, que nunca le tuvo miedo a la experimentación. Todo comenzaría en 1987 cuando tocaron en la clásica canción “Lethal”, por cierto perteneciente a, la banda de Rap, “U.T.F.O”. Siguiendo con sus nuevos aires musicales, en 1991, colaboraron con los padres del Hip Hop, “Public Enemy” para grabar, juntos, una nueva versión del tema “Bring the Noise” (considerada, pese a no ser la primera fusión existente, el primer intento en mezclar, a la vez, “Rock” y “Rap” en una sola lírica). La verdad es que "Bring The Noise" se convirtió en un fenómeno realmente exitoso… haciendo que sus creadores, Anthrax y Public Enemy, se unieran en una gran gira. Finalmente, esto propulsó a que una interesante camada de nuevas bandas se inmortalizaran gracias a esta inusual mezcla musical… fue así como nacería, entre muchos otros, “Rage Against The Machine”.

Los álbumes más importantes de la banda…

Fistful of Metal : este álbum fue lanzado en enero de el año 1984. Los ataúdes del Rock se abren dando comienzo a una verdadera leyenda del Thrash Metal… Anthrax hace su debut gracias a un trabajo, simplemente, distorsionado que muestra, desde el principio, su despiadada velocidad y espíritu Rockero. “Fistful of Metal” también sería el primer y último álbum realizado junto al bajista Danny Linker (fue despedido por demostrar poco compromiso con la banda) y el vocalista Neil Turbin (a pesar de crear las letras más importantes, no tenía la fuerza musical necesaria). Esto último haría que la dupla, Scott/Benante, tomara las riendas en la creatividad tanto en relación a las letras como en lo musical. Los temas más representativos son “Metal Thrashing Mad", “Deathrider” y “Panic”.

Spreading the Disease : este álbum fue lanzado el 30 de octubre de el año 1985. En esta etapa, la banda, se refuerza musicalmente con el destacado vocalista Joey Belladonna y el sólido bajista, por cierto sobrino de Charlie Benante, Frank Bello. Sin imaginarlo, Anthrax, había encontrado los cinco vértices de su estrella más brillante… pues era el nacimiento de la formación más clásica, aclamada y, sobre todo, exitosa de la banda. Estamos ante un trabajo notable que muestra, en su máxima expresión, el verdadero poder Rockero del famoso quinteto que gritaba a los cuatro vientos: “A propagar el maldito terror!!!”. Los temas más representativos son “A.I.R.”, “Madhouse” y “Gung Ho”.

Among the Living : este álbum fue lanzado el 22 de marzo de el año 1987. Lo nuevo de la banda esta basado en la novela, de Stephen King, “The Stand”, cosa que deja como temática principal: el ataque de un maligno virus; también hay algunas referencias a “Apt Pupil” (cuento de Stephen King que aparece en la novela “The Four Seasons”) y Judge Dredd (un personaje de comic). En relación a lo musical, estamos en presencia de un verdadero clásico de clásicos que consagra, definitivamente, a Anthrax dentro de los grandes monstruos del “Thrash Metal” estadounidense. Los temas más representativos son “Among the Living”, “I am the Law”, "Efilnikufesin (N.F.L.)", “Indians” y el legendario “Caught in a Mosh”.

State of Euphoria : este álbum fue lanzado el 18 de septiembre de el año 1988. Pese a ser un trabajo bastante interesante, con destacados himnos, no pudo superar el gran éxito de su antecesor… siendo recibido por críticas muy frías. Aunque se ha producido un pequeño bajón musical, la creatividad sigue estando completamente intacta y los instrumentos siguen teniendo sed de venganza. Aquí podemos encontrar más influencias del señor King ya que se hace referencia a su inolvidable novela “Misery” y a la película “Terciopelo Azul”. Los temas más representativos son el temazo “Be All, End All” y “Antisocial”.

Persistence of Time : este álbum fue lanzado el 21 de agosto de el año 1990. Anthrax vuelve a sus dominios Rockeros mediante la majestuosidad de su talento… el éxito los aclama a gritos, sus fans los sentencian a la inmortalidad y la odiada crítica los bendice calidamente. La banda pasaba por su mejor momento musical… pero sin saberlo los golpearía la dureza de la cruda realidad con la, sorpresiva, salida de su vocalista Joey Belladonna, quien decide partir para construirse una carrera en solitario. Sin duda, el terror se había vuelto, desafiantemente, en contra de sus propios creadores. Los temas más representativos son "Keep It in the Family" y "Belly of the Beast".

Sound of the White Noise : este álbum fue lanzado el 25 de mayo de el año 1993. Tras la salida del mítico Belladonna, la banda, necesitaba calmarse un poco ya que se sentían, desesperadamente, “atrapados en ira”… pese a ello “el espectáculo debía continuar”, y así mismo fue con la llegada del vocalista John Bush. Anthrax, consigue salir airoso de aquel verdadero “terremoto interno”… y vaya de que manera, pues el nuevo integrante debutaba con un trabajo magistral que se convirtió en todo un éxito. Esta nueva etapa también estuvo destacada por un llamativo cambio en su sonido, que mezclaba, la furia del poderoso “Thrash Metal” con la distorsión del indomable “Grunge”, esto último gracias a las influencias de su productor Dave Jersen, quien tenía la experiencia de haber trabajado con Alice in Chains. Y cuando la banda comenzaba a retomar su consagrado rumbo de antaño, deciden despedir, lamentablemente, a su potente guitarrista Dan Spitz… por no mostrar interés en seguir siendo parte del legendario quinteto. Los temas más representativos son “Only”, "Packaged Rebellion" e "Invisible".

Stomp 442 : este álbum fue lanzado el 24 de octubre de el año 1995. Levantándose, como si fuera un hambriento “zombi” en su lecho de muerte, la banda, vuelve a sus infiernos musicales con el nuevo guitarrista, que solo fue considerado como colaborador en los créditos, Paul Crook. “Stomp 442” solo se transformó en la sombra de su antecesor, sin embargo, Anthrax, seguía manteniendo tatuado, con éxito, su nombre en el mundo del Rock. Los temas más representativos son "Random Acts of Senseless Violence", "In a Zone" y "Tester".

Volume 8: The Threat Is Real : este álbum fue lanzado el 21 de julio de el año 1998. El presente trabajo mantiene la misma estructura musical que su antecesor, representado por interesantes temas y una elegante muestra de instrumentalización. Aunque tuvo un aceptable recibimiento por los fans y la crítica... no pudo superar la maestría mostrada en álbumes anteriores. Los temas más representativos son "Crush", "Born Again Idiot" y "Stealing from a Thief".

We've Come for You All : este álbum fue lanzado el 6 de mayo de el año 2003. Tuvieron que pasar cinco largos años para que la banda retorne, desde los infiernos, en gloria y majestad... en compañía de un nuevo guitarrista, Rob Caggiano. “We've Come for You All” les trae, otra vez, el tan anhelado éxito de antaño... sin duda, la temida bacteria, llamada Anthrax, vuelve a la vida con su creatividad, completamente, intacta. Los temas más representativos son "Contact", "Any Place But Here" y “Takin the Music Back”

Vuelve la mítica formación de Anthrax: ¿lealtad o traición?...

En el año 2005, la banda, declara que su formación más exitosa, creadora del clásico “Among the Living”, volvería a juntarse para realizar una gran gira. Esto quiere decir que retornaría el legendario vocalista Joey Belladonna y el talentoso guitarrista Dan Spitz... produciendo así un gran revuelo en el mundo del Metal. Por otro lado, esta noticia no cayó muy bien que digamos a los actuales integrantes de la banda, John Bush y Rob Caggiano (vocalista y guitarrista respectivamente)... ya que se sintieron menospreciados y olvidados. Pese a ello, Scott Ian, calmaba las aguas diciendo que la gira sería liderada por ambas formaciones; es decir la clásica y la actual; cosa que ambos musicos, como era de esperar, no estuvieron de acuerdo. Bueno, finalmente la gira dio inicio consagrandolos con un éxito, verdaderamente, arrasador.

En el 2007 un nuevo comunicado, de Scott Ian, manifiesta que la gira termina porque Belladonna decide continuar con su carrera en solitario. Tras su salida, le seguiría Spitz quien también quiso retomar su antiguo trabajo de relojero... todo esto dejó un grave problema en el corazón de la banda. Tratando de arreglar las cosas, Ian, va en busqueda de sus colegas Bush y Caggiano, quienes rehusan volver a Anthrax.

A la caza de un nuevo vocalista, y el regreso de Rob Caggiano...

Tras la rotunda negativa de John Bush (hay que entender al hombre esta dolido) por volver a retomar su trabajo con la banda... Anthrax decide buscar lo antes posible un reemplazante fijandose, al principio, en el mismisimo Corey Taylor (Slipknot/Stone Sour), quien se encontraba sumamente feliz con la noticia. Pese a que el “enmascarado” vocalista trabajó con la banda, incluyendo varias canciones que creó, se le hizo imposible realizar su sueño... pues tuvo muchos problemas con el sello discográfico “Roadrunner Records”. Pero como se dice por ahí: “el que la sigue la consigue”, siendo así reclutado el vocalista Dan Nelson, en compañía del esperado retorno de Rob Caggiano.

El futuro de Anthrax...

Luego de esta, digamosle, brutal polémica, que los terminó lanzando desde el Cielo al Infierno en un abrir y cerrar de ojos, la banda, vuelve a los estudios para preparar su próximo álbum... el mismo que podría aparecer, este cercano, año 2009. Anthrax es una verdadera máquina de Rock... tan rápida como su estilo, tan despiadada como su nombre y tan carismatica como sus instrumentos, sin duda, una brillante muestra de ese talento salvaje, que en la actualidad, cuesta tanto encontrar. Y mientras el Metal siga existiendo... siempre habrá un grito de ira, y mientras el Rock siga dominando... siempre habrá un espiritu rebelde, y mientras la pasión siga rugiendo... siempre rondará aquella espeluznante “bacteria”, llamada Anthrax, en nuestras vidas.

Así finalizo la publicación de esta queridisima banda estadounidense. Como siempre mando mis saludos y agradecimientos a todos los que leen y comentan mis escritos. Nos veremos muy pronto con otra siempre legendaria y, sobre todo, exitosa leyenda Rockera.

EAGLES

2008-11-16T00:08:00.029-03:00

El otro día estuve recordando algunas canciones que marcaron mi infancia gracias a su sonido místico y, desesperadamente, seductor. Como conté alguna vez, en este mismo lugar, mi relación con el Rock comenzó a concretarse en el año 1996, convirtiéndose a su vez, en una especial forma de vida para un niño que ya empezaba a sentir la pasión de un estilo musical tan brillante en su esplendor. Por aquel tiempo solía escuchar música con mi papá, quien deleitaba mis oídos gracias a sus “sagrados cassettes” de antaño…los cuales entonaban, una y otra vez, maravillosos himnos Rockeros. De esta forma conocí a “Stairway to Heaven” de Led Zeppelín, “Get Ready” de Rare Earth, "Smoke On the Water" de Deep Purple, “Bohemian Rhapsody” de Queen…o la inolvidable “Hotel California” de Eagles. Bien, y como me he puesto medio nostálgico, les voy a narrar la historia de unos músicos magníficos que pudieron conquistar la cima del éxito con simpleza, talento, y sobre todo, amor por la música…esto será, simplemente, Eagles. Pese a conocerlos casi a mediado de los 90’, mi relación musical con esta banda nace, en profundidad, en el año 2000, a través, del clásico álbum “On The Border”. El destino de estos legendarios entes Rockeros comienza a escribirse en la década de los 70’ cuando los destacados músicos Glenn Frey, Don Henley, Randy Meisne y Bernie Leadon se unen para improvisar una banda, destinada para probar suerte en un nuevo proyecto de la cantante, de Country-Rock, Linda Ronstadt, quien necesitaba músicos de apoyo, o respaldo, para sacar su quinto álbum titulado “Silk Purse”. La audición resultó perfecta quedando el cuarteto completamente aceptado, Ronstadt, lanzó su trabajo musical y la banda se va, por dos meses, de gira promocionando el nuevo álbum. Teniendo un gusto musical delicado, una creatividad indomable y un espíritu Rockero rebelde, el talentoso cuarteto decide desligarse de Linda Ronstadt para comenzar a forjar su propio destino. Sin duda este era un gran paso que fue apoyado por el sello discográfico “Asylum Records”…la nueva empresa iniciada por David Geffen. Lo primero que hizo el cuarteto, como es obvio, fue bautizar a la banda, buscando un nombre especial, identificativo y que reflejara a su vez aquel sonido tan maravilloso que, rápidamente, comenzaban a perfeccionar. Y mientras no encontraban respuestas a lo que buscaban, el destino les manda una señal, aconsejándoles, el nombre de una mítica ave que simboliza majestuosidad, libertad y tranquilidad…fue así como nace “Eagles” (“Aguilas”). Pese a ello es necesario mencionar, como anécdota, que el nombre Eagles también se inspiró para mantener una pequeña similitud con, sus pares estadounidenses, los clásicos “The Byrds”. Esto último tiene relación con Bernie Leadon quién había participado en las bandas, formadas por integrantes de "The Byrds", "Dillard & Clark" y "The Flying Burrito Brothers". En 1972, la banda, daba su primer paso a la inmortalidad debutando en el mundo del Rock con su clásico álbum llamado, simplemente, Eagles. Desde el principio demostraron la particularidad de su sonido, que “relucía” como un hermoso diamante, gracias a la inusual mezcla de diversas raíces musicales, de las cuales podemos destacar el Country, el Rock, el Western y la Música Sureña. Los temas que más me gustan de la banda son “Take it to the Limit”, “Wasted Time”, “Desperado”, “Life in the Fast Lane”, “Hotel California”, “James Dean”, “Get Over It”, “The New Kid in Town”, “Victim of Love”, “Those Shoes” y un Rockero etc. Y mientras los 70’ era arrasado por el nacimiento de una generación musical poseedora de un fuerte carácter, gracias al explosivo talento de sus incomprendidos Rockeros, también se encontraba su cara opuesta, es decir, un estilo más reflexivo y armonioso pero que a la vez podía estremecer con la simpleza y pasión de su insolente rugir. Melodía y ruido, acorde y riff, odio y amor, vida y muerte, fue el nacimiento de dos entes opuestos que se unieron para formar un solo ser…y porque el placido vuelo del águila se mantiene pleno mediante el equilibrio de sus dos alas, Eagles, ha regresado en gloria y majestad. Sin duda, “EL INFIERNO SE HA CONGELADO”.

Biografía de los integrantes más clásicos de la banda…

Glenn Frey : nació el 6 de noviembre de el año 1948 en Detroit, EE.UU. En los años 60’, Glenn, comenzó a interactuar con la música, conociendo así, el Rock de su ciudad natal. Su primera banda fue “The Mushrooms”, la cual estaba integrada por amigos y compañeros de su colegio llamado Dondero High School. Su primera grabación, de tipo profesional, la hizo en 1968 trabajando junto al reconocido cantante, de Rock And Roll, Bob Seger, quién lo contrató para tocar la guitarra acústica y hacer los coros de su álbum debut “Ramblin’ Gamblim’ Man”. Luego de eso comenzó ha entablar una serie de amistades con gente del medio musical, con los que participó en diversos proyectos. En los 70’ se reúne con tres de sus amigos para formar una banda de acompañamiento para la popular cantante Linda Ronstadt. Tras trabajar una temporada junto a ella, Glenn Frey, Don Henley, Bernie Leadon y Randy Meisner, deciden, en 1971, formar su propio proyecto musical al cual llamaran, maravillosamente, “Eagles”. Dentro de la banda se consagró por ser uno de los compositores más creativos, además, de destacar por su gran voz y técnica en las seis cuerdas. Cuando la banda se disolvió, en 1980, Glenn, siguió una carrera en solitario, lanzando en 1982, su álbum debut titulado “No Fun Aloud”. Desde ese tiempo y hasta la actualidad consolidó su carrera con la creación de cuatro álbumes de estudio, uno realizado en vivo y dos recopilatorios. Pero eso no sería todo ya que la dorada década de los 80’ le traería más éxito, gracias a su participación en bandas sonoras de series televisivas y películas. Algunos de sus aportes musicales aparecieron en “Beverly Hills Cop”, “Miami Vice”, “Ghostbusters II”, y “Thelma and Louise”. En 1998 fundó, en compañía del abogado Peter Lopez, el sello discográfico independiente “Mission Records”. A parte de estar relacionado con la música también se ha hecho conocido por ser un respetado actor.

Don Henley : nació el 22 de julio de el año 1947 en Texas, EE.UU. A pesar de llevar la música en sus venas, Don, se encontraba concentrado 100% a sus estudios universitarios. Pero el destino le jugó una mala pasada ya que finalizando los 60’ solo se dedicó a estar con su padre, quién estaba muriendo lentamente a raíz de graves problemas al corazón. Luego de esta triste experiencia de vida dejó definitivamente sus estudios. En 1970 se dirigió esperanzado, junto a su antigua banda llamada “Shiloh”, a Los Ángeles para grabar un álbum, por cierto, producido por el destacado músico Kenny Rogers. En 1971 se une a la banda de Linda Ronstadt, para más tarde convertirse en uno de los pilares más sólidos de “Eagles”. Dentro de la banda se destacó, en compañía de Glenn Frey, como “el hombre creativo”, componiendo así, algunas de las canciones más representativas del cuarteto, además de inmortalizarlas con su voz característica y destreza en la percusión. Luego de la ruptura de la banda, Don, siguió una carrera en solitario, considerada por muchos como la más exitosa comercialmente hablando, de los Eagles. En 1982 lanzó su tan esperado trabajo en solitario, el mismo que vio la luz bajo el nombre de “I Can’t Stand Still”. Dentro de su discografía personal podemos encontrar cuatro álbumes de estudio y un recopilatorio.

Bernie Leadon : nació el 19 de julio de el año 1947 en Minnesota, EE.UU. En la década de los 60’, Bernie, cursaba sus estudios en la Gainesville High School, lugar donde conocería a Don Felder...quién más tarde se convertíría en otro legendario integrante de Eagles. La amistad de estos dos personajes Rockeros nació de la siguiente manera: Felder era miembro de una banda llamada “The Continentals”, la cual estaba integrada por el reconocido músico Stephen Stills. Por esas cosas de la vida, Don, invita a su nuevo amigo para ser parte del proyecto musical, convirtiendose así, en un miembro oficial tras la definitiva salida de Stills. Con la partida de este fuerte pilar de antaño, deciden rebautizar a la banda, llamandola, “Maundy Quintet”. Bernie Leadon es considerado como uno de los musicos más representativos e importantes del llamado Bluegrass (forma de nombrar a las raíces musicales americanas y perteneciente a un sub-género de la música Country) y Country Rock, gracias a su notable aporte, tanto creativo como musical, en bandas de los 60’ como “The Scottsville Squirrel Barkers”, “Hearts & Flowers”, “The Flying Burrito Brothers” y “Dillard & Clarke”. Se unió al cuarteto que apoyaría, musicalmente, a Linda Ronstadt para más tarde desligarse y autodenominarse, simplemente, “Aguilas”. Dentro de la banda, Bernie, destacó por su canto y envidiable habilidades instrumentales. Desde el principio se impuso con su talento y estilo, llamando la atención mediante la composición de brillantes canciones que poseían, intacto, el sonido que tanto amaba, el Bluesgrass. Pese a ser una banda nacida con ese estilo en el corazón, fue precisamente Bernie quien se mantuvo más fiel a ello ya que los demás no cerraban las puertas a lo que muchos llaman “evolución musical”. Eagles comenzó lentamente a alejarse de sus raíces de antaño, mutando, a un estilo de Rock más agresivo que de costumbre. No hay que ser adivino para presagiar que esto lo alejó, formando conflictos creativos y una infelicidad tremenda al estar acompañado por aquellos entes que antiguamente había llamado como “amigos”. En 1975, Bernie, le decía, irremediablemente, adiós a sus colegas contemporáneos…fue remplazado por el guitarrista Joe Walsh. Luego de su salida trabajo con varias bandas, además, de crear algunos proyectos...en el 2004 lanzó su álbum solista “Mirror”. En 1998 se reunió con sus ex compañeros de Eagles para ser parte del prestigioso “Rock & Roll Hall Fame”.

Randy Meisner : nació el 8 de marzo de el año 1946 en Nebraska, EE.UU. Los inicios musicales de Randy comenzaron a tomar forma, en 1961, gracias a la banda “The Dynamics” (más tarde llamada “Drivin’ Dynamics”). En 1965 se traslada a la localidad de California junto a una nueva agrupación llamada “The Poor”. Después de participar en diferentes proyectos se une a la banda que Glenn Frey estaba conformando para Linda Ronstadt. En Eagles se encargo, como todos sus integrantes, de hacer coros y ser la voz principal de algunas canciones, además, de tocar el bajo y la guitarra. Mientras el poder del éxito comenzaba a presionarlos con “giras y más giras”, Randy, planteaba constantemente la idea de irse para estar con su familia. En 1976 su promesa es cumplida y se marcha de la banda manifestando agotamiento…fue reemplazado por el talentoso bajista Timothy B. Schmit. Luego de su partida siguió una carrera musical en solitario, lanzando en 1978 su álbum debut llamado, simplemente, “Randy Meisner”. En total ha lanzado cuatro álbumes en solitario, cosa que ha mezclado realizando algunos proyectos o cooperando con otros artistas de renombre.

Don Felder : nació el 21 de septiembre de el año 1947 en Florida, EE.UU. Las ganas de Felder por ser músico nacieron cuando vio a Elvis Presley en su recordado Ed Sullivan Show. Su primera guitarra la tuvo a los 10 años, se cree, aunque para muchos es un mito, que la consiguió mediante un trueque que realizó con uno de sus amigos…él le entregó un puñado de cherry bombs (algo así como bombas de cerezas) a cambio del clásico instrumento. Desde niño el Rock and Roll lo influenció tan fuerte que ya a los quince años formó, junto a su amigo Stephen Stills, su primera banda llamada “The Continentals”. Cuando continuaba sus estudios en la Gainesville High School conocería a otro de sus grandes amigos, Bernie Leadon. Felder invita, de forma momentánea, a su nuevo colega a “The Continentals”, pero como Stills decide partir, Leadon, quedó definitivamente dentro de la banda…la misma que más tarde se llamaría “Maundy Quintet”. Cuando el nuevo proyecto se disolvió, Felder, se va a New York para formar a “Flow”, con quienes publicó un solo álbum, por cierto dentro del estilo Jazz. En esta ciudad mejoró su técnica con la guitarra, además, de dominar otros estilos. Tras la ruptura de “Flow” se dirigió a Boston donde consiguió empleo en un estudio de grabación. En 1971 tuvo su primera participación con Eagles mientras estos se encontraban de gira, y en 1972 se fue a California, contratado como guitarrista, para trabajar en un álbum del conocido músico David Blue. Llegamos a 1974 y Felder es invitado, nuevamente, a la banda para mejorar y completar los solos de guitarra, de la canción “Good Day in the Hell”; esta última fue una canción que compuso junto a Glenn Frey. Toda esta química y talento musical demostrado hizo que Felder se integrara, oficialmente, a de Eagles. Cuando la banda se separó, este genial músico, se dedicó a su familia, y a su vez, siguió una carrera en solitario. En 1981 trabajo, durante un tiempo como guitarrista de sesiones, para los famosísimos hermanos Bee Gees, participando, en su clásico álbum “Living Eyes”. En 1983 lanzó un álbum, ligado al Rock and Roll, llamado “Airbone”, además de participar en proyectos y colaborar con otros conocidos músicos. Entre los años 1999-2000 siguió siendo un miembro activo de Eagles para realizar algunos conciertos en Año Nuevo. En el 2006 comenzó a escribir su libro titulado “Heaven and Hell: My Life in the Eagles (1974 - 2001)”, donde cuenta su vida junto a la banda, y lo más importante, su verdad de los hechos en relación a su salida, en el 2001, de Eagles.

En 1994 se produciría uno de los acontecimientos más simbólicos del Rock ya que de Eagles, luego de catorce años de estar ausentes y rechazar tentadoras ofertas multimillonarias por volver a tocar juntos, volvía a los escenarios para seguir con su exitosa carrera musical. El esperado show fue realizado para la popular cadena MTV, y más tarde lanzado en un álbum, titulado “Hell Freezes Over”, que consta de quince canciones de las cuales cuatro son nuevas. El nombre de este legendario trabajo, “Hell Freezes Over” (El Infierno se Congela), fue propuesto por Don Henley...quien se inspiró en la “respuesta” que siempre solía dar en los 80’ cuando los medios o el público osaban en preguntarle: ¿Cuando volverán los Eagles?... “Cuando el Infierno se congele”. Bueno, también fue editado en DVD, consagrandose así, como unos de los conciertos más vendidos de la historia.

Los álbumes más importantes de la banda...

Eagles : este álbum fue lanzado el 17 de junio de el año 1972. Comienza la magistral carrera musical de las “Aguilas”, a través, de un trabajo representado por la simpatía de la Música Sureña y la desenfrenada fuerza del Rock. Desde el principio, la banda, mostró una propuesta dulce, reflexiva pero apasionada donde la sabiduría del talento da rienda suelta en cada letra y nota expresada. Los temas más representativos son “Take it Easy”, “Witchy Woman” y “Peaceful Easy Feeling”.

Desperado : este álbum fue lanzado el 17 de abril de el año 1973. Lo nuevo de la banda esta representado por un sonido mucho más ligado al estilo “Western y Country”. “Desperado” plantea como tema principal la historia de los forajidos del “Viejo Oeste”, mostrando así una pequeña comparación entre dos estilos de vida muy diferentes entre si...la de los buscados bandidos frente a la de las estrellas de Rock. También se puede decir que es un álbum de tipo conceptual basado en la famosa historia de los “Dalton Gang”, la mítica banda de antaño que se especializaba en los robos de banco durante los años 1890-1892. En lo estructural esta etapa marcaría “el principio” de lo que más tarde sería un verdadero liderazgo por parte de la dupla Frey-Henley; y en lo musical, y pese a ser bastante interesante, el álbum no logró superar el éxito de su antecesor trabajo. Los temas más representativos son “Tequila Sunrise”, el clásico “Desperado” y “Certain Kind of Fool”.

On the Border : este álbum fue lanzado el 22 de marzo de el año 1974. Aqui se produciría un gran aporte, tanto de tipo creativo como musical, con la llegada de Don Felder...ahora, Eagles, había mutado a un inesperado quinteto. “On the Border” cambiaría el estilo original de la banda, ligado al Country, para meterse de lleno a la potencia del Hard Rock. Estos nuevos aires musicales fueron planteados, principalmente, por la dupla Frey-Henley, quienes querian cambiar aquel “placido vuelo de las Aguilas” por una atmósfera mucho más Rockera y directa. Pese a tener un brusco cambio, “On the Border”, recibió muy buenas críticas manteniendo vigente el tan anhelado éxito. Los temas más representativos son “James Dean”, “Ol’ 55”, “Good Day in the Hell” y “Best of My Love”.

One of These Nights : este álbum fue lanzado el 10 de junio de el año 1975. Esta sería una de las etapas más oscuras de la banda, a raíz, de fuertes y constantes conflictos de sus integrantes. La verdad es que la grabación de los álbumes y las posteriores giras comenzaron a poner tenso el tranquilo ambiente establecido hasta el momento, despertando así, sus fuertes caracteres para terminar en potentes choques de egos. Todo esto haría que Bernie Leadon abandonara, ese mismo año 1975, a Eagles...dejando en la banda un sorpresivo y profundo vacio creativo. En relación a lo musical se sigue manteniendo intacto el mismo estilo de su trabajo anterior, es decir, componiendo canciones mediante la fuerza del Rock. Los temas más representativos son “One of These Nights”, “Lyin’ Eyes” y la balada “Take in to the Limit”.

Hotel California : este álbum fue lanzado el 8 de diciembre de el año 1976. Tras la repentina salida de Bernie Leadon, llega a la banda el destacado guitarrista Joe Walsh. Junto al nuevo integrante, Eagles, lanza su obra musical más aclamada de todos los tiempos, líderado, por su brillante himno “Hotel California”. La verdad es que estamos ante uno de sus trabajos más vendidos, y a su vez, considerado dentro de los mejores álbumes de la historia. Pese a ello la oscuridad los vuelve a golpear con la partida de su otro pilar sólido...Randy Meisner se aleja del clásico quitento para seguir una carrera en solitario. Los temas más representativos son el ya nombrado “Hotel California”, “New Kid in Town”, “Life in the Fast Line”; “Wasted Time” y “The Last Resort”.

The Long Run : este álbum fue lanzado el 24 de septiembre de el año 1979. Con la partida de Randy Meisner llega a apoderarse de las cuatro cuerdas doradas, el señor Timothy B. Schmit. Pese a ser un trabajo musical seductor, que prometía un futuro bastante exitoso, todos presentían algo...pues el incontrolable poder de los egos, chocaron entre sí, como verdaderos meteoritos, produciendo un irreparable quiebre en el corazón de la banda. Bueno, el Aguila fue encarcelado en una fría jaula de metal y “The Long Run” cerró, momentáneamente, uno de los capitulos más prestigiosos de la era del Rock. Los temas más representativos son “The Long Run”, “I Can’t Tell You Why”, “In the City”, “Heartache Tonight” y “Those Shoes”.

Long Road out of Eden : este álbum fue lanzado el 30 de octubre de el año 2007. Como diría el querido personaje, de la maravillosa pélicula “The Shawshank Redemption”, Red: “Algunas aves no están destinadas a ser enjauladas porque su plumaje es demasiado brillante y su dulce canto simboliza libertad…”. Glenn Frey, Don Henley, Joe Walsh y Timothy B. Schmit alzaron su vuelo y trajeron de vuelta a Eagles en gloria y majestad gracias a un álbum, simplemente, notable. “Long Road out of Eden” debutó con un impresionante éxito, ganando diversos premios y reconocimientos, que los sigue manteniendo en lo más alto de la cima del Rock. En relación a lo musical, el álbum, esta inmortalizado por dos discos, poseedores, de canciones completamente originales. Los temas más representativos son “How Long”, “Busy Being Fabulous”, “No More Cloudy Days” y “I Dreamed There Was No War”.

El futuro de Eagles…

Aunque han dicho en reiteradas ocasiones que el “Long Road out of Eden” puede ser, o será, el último trabajo musical de “Eagles”…hay una gran sensación de optimismo, centrado, en aquellas indomables ganas por seguir haciendo, o escribiendo, historia dentro de este maravilloso mundo Rockero que tanto amamos. Y mientras el canto resplandece con orgullo, y el talento de cuatro hombres vuelve a renacer de sus cenizas…el Águila nuevamente emprenderá su vuelo, al igual que el ave Fénix, pues por primera vez en la historia, la pasión por la música…ha hecho que “EL INFIERNO SE CONGELE IRREMEDIABLEMENTE”.

Así finalizo la publicación de esta siempre legendaria y querida banda estadounidense. Como es de costumbre mando mis sinceros saludos y agradecimientos a todos los que leen y comentan mis escritos. Nos veremos muy pronto con otra mítica leyenda del maravilloso Rock.

DREAM THEATER

2008-10-30T13:36:00.030-03:00

Aquella calida noche mi subconsciente me susurró, con decisión, al oído: “No te olvides del sueño, el sueño…sueño”. Y bueno aquella voz musical, que apareció sigilosamente, tenía toda la razón porque “el sueño”, el mismo que mezcle con un poco de “teatro”, terminó materializándose en los estadounidenses Dream Theater, la nueva banda que rugirá con orgullo Rockero en mi blog. Mi relación con estos legendarios padres del adictivo Metal Progresivo comenzó, aproximadamente, en el año 1998, a través, de su clásico “Under A Glass Moon”. Todo nace en 1985, cuando el legendario líder de las seis cuerdas John Petrucci y el bajista John Myung unen fuerzas para formar, sin miedo alguno, una banda. Es importante destacar que por esos años la dupla se encontraba estudiando en la respetable Universidad de música llamada “Berklee College of Music”. Teniendo las ganas de consolidar su proyecto fueron en busca de más integrantes, fue así como se toparon, en una sala de ensayo de la misma Universidad, con el baterista Mike Portnoy, quién luego de dudar en varias ocasiones decidió unirse definitivamente a este nuevo “sueño musical” que recién comenzaba a tomar forma. Con el Rock fluyendo en sus venas y un entusiasmo endemoniado, el tridente, se propuso a buscar más talentos para reclutar. Mientras pensaban en un teclista, a Petrucci, se le ocurre la gran idea de invitar a un compañero de banda, que tuvo en la preparatoria, llamado Kevin Moore. El talentoso teclista acepta y el cuarteto encuentra, a su vez, la voz que los impresionó desde el primer momento en que la escucharon, Chris Collins, se une y la banda daría a luz su primera formación. Ahora era el momento indicado de bautizar al quinteto, pese a que varias ideas fueron improvisadas de la nada, optaron como nombre propio a “Majesty”, un término creado por Portnoy para describir el cierre de la clásica canción, de Rush, “Bastille Day”. Con las ardientes ganas de consolidar su banda, buscar trabajo y la presión de los estudios, tuvieron que tomar una compleja, pero a la vez, importantísima decisión. Era vivir o morir, creer o dudar, ganar o perder, todo giraba en torno a una sola incógnita “¿luchar por el futuro de la banda o terminar los estudios?”, una pregunta difícil de plantearse, pero que fue respondida al unísono: “Majesty”. Teniendo la decisión tomada, es decir 100% dedicados a su proyecto musical, en 1986 se produce un brusco cambio tras la sorpresiva salida, debido a marcadas diferencias creativas, de Collins. Si bien este era un difícil obstáculo que pasar, llegaría otro destacado músico, quien a su vez era mucho más experimentado en comparación con los demás integrantes, Charlie Dominici, asume con valentía la voz de la banda. Junto a él, “Majesty”, se lanza definitivamente al mundo del Rock, a través, de grandiosos conciertos realizados en la localidad de New York. Su explosivo talento y creatividad demostrada hicieron que rápidamente cosecharan popularidad, además, de poseer un considerable grupo de seguidores, algo bastante prometedor teniendo en cuenta que aún no lanzaban álbumes. Tratando de sacarle provecho al máximo el éxito que estaban obteniendo, lanzaron ese mismo año, 1986, una colección de demos que les terminó catapultando aún más su notable popularidad. Pese a que todo marchaba viento en popa, se produciría el primer conflicto ya que una banda de Jazz, llamada también “Majesty”, los amenaza con acciones legales por un supuesto robo de nombre. Para evitar problemas y no entrar en la polémica decidieron optar por lo más sano, buscar un nuevo nombre. Se lanzaron al tapete una gran variedad de ideas originales, pero como es lógico solo uno ganó y ese resulto ser...“Dream Theater”. La idea fue obra del padre de Portnoy quién se inspiró en el nombre de un teatro ubicado en la localidad de California. Con el nuevo nombre tatuado en el corazón, la banda, da rienda suelta a su mágica creatividad musical, componiendo brillantes letras y manteniendo vigente sus actuaciones que cada vez eran más aplaudidas. Este repentino “boom” por los ahora autodenominados “Dream Theater” hizo que el sello discográfico Mechanic Records se interesara por su talento. Fue así como Petrucci y compañía firmaban, en 1988, su primer contrato que les presagiaba éxito y gloria. Sin duda este era un camino esperanzador pero que se vio opacado por un debut musical bastante bajo a lo que esperaban, sobre todo, que esperaban los líderes de Mechanic. Pese a que el sello terminó rompiendo, injustamente, todas las promesas realizadas al prometedor quinteto, Dream Theater, siguió adelante en su lucha por el reconocimiento musical…cosa que llegaría muy pronto, escribiendo con letras doradas su historia en el respetable mundo del Rock. Los temas que más me gustan de la banda son “Pull Me Under”, “Lie”, “The Root of All Evil”, “Take The Time”, “Peruvian Skies”, “Another Day”, “Under A Glass Moon”, “Afterlife”, “Endless Sacrifice”, “You Not Me” y un progresivo etc. Sedientos por aquel Rock indomable, creadores de canciones maravillosas, que dictan un curso extenso liderado por su majestuosidad el talento, Dream Theater, se ha vuelto un exitoso ente musical tan legendario como la sabiduría de su mítico nombre. Constructores de los sonidos más imposibles, Rockeros inmortales de las odiseas musicales más legendarias y una pasión que pide a gritos ser escuchada, la banda, ha conquistado con pasión el tan anhelado éxito tanto musical como comercial. Y el rugido se ha vuelto violento, y la guitarra arremete sin control, y el cosmos de un quinteto es sentenciado a través de un solo espíritu, y la música los bendice calidamente… DREAM THEATER: UNA CARICIA MELODICA, UNA BOFETADA DE ROCK.

Biografía de los integrantes actuales de la banda…

John Petrucci : nació el 12 de julio de el año 1967 en New York, EE.UU. Nacido en un entorno rodeado por músicos, tiene dos hermanas y un hermano que tocan instrumentos, John, decide adoptar la guitarra como su amor más representativo. La persona que lo influyó y motivo para interactuar con la música fue su hermana mayor, quien toca el piano y órgano eléctrico; pese a ello también reconoce que la mayoría de sus amigos del vecindario solían quemar aburridas tardes dedicándose a la música, a través, de algún clásico instrumento…cosa que también le hizo despertar un gustillo sano por el arte musical. A los ocho años comenzó a tocar la guitarra y a los doce se integró a su primera banda, gracias a la invitación de su amigo el teclista Kevin Moore. Por ese tiempo, John, también practicaba, durante varias horas, junto a su otro amigo el bajista John Myoung. Mientras estudiaban en la Universidad “Berklee College of Music”, esta destacada dupla, Petrucci-Myoung, decide formar una banda de Rock. Teniendo un bosquejo semi armado de lo que querían conseguir musicalmente hablando, emprenden una rápida búsqueda por nuevos integrantes. El tercer miembro en aparecer fue el baterista Mike Portnoy, luego llegaría el teclista Kevin Moore y, finalmente, el vocalista Chris Collins. Formado el quinteto se autodenominarían, inicialmente, “Majesty” para más tarde, y luego de algunos cambios estructurales, llamarse Dream Theater. John Petrucci es uno de los guitarristas más respetados y admirados del Rock gracias a su notable, y a la vez, compleja técnica en las seis cuerdas doradas. Suele ser también uno de los instrumentistas más solicitados para la gira del llamado “G 3”, este último es un proyecto integrado por Joe Striani y Steve Vai que reúne a los mejores guitarristas del mundo. A la hora de nombrar a su ídolo o influencia máxima dicta músicos de la categoría de Alex Lifeson, Steve Ray Vaughan o Steve Vai, dejando como su guitarrista favorito al gran Steve Morse. A parte de ser un reconocido músico, también escribe una columna en la popular revista “Guitar World”.

John Myung : nació el 24 de enero de el año 1967 en Chicago, EE.UU. Hijo de padres coreanos, Myung, comenzó a interesarse por la música a los cinco años, través, del violín. A los quince decide cambiar al clásico instrumento por el bajo ya que sus amigos lo invitaron a formar parte de una banda. Luego de terminar sus estudios en la secundaria ingresa al prestigioso “Berklee College of Music”, lugar donde conocería a John Petrucci y Mike Portnoy; junto a ellos formaría el tridente más emblemático de lo que más tarde se conocería como Dream Theater. Dentro de la banda suele ser el tipo más reservado y callado, cosa que le ha dado un aire, verdaderamente, misterioso. A la hora de nombrar personajes que lo han influenciado, aparecen músicos de la talla de Steve Harris, Cliff Burton o Chris Squire. A parte de ser el legendario bajista de Dream Theater, es también miembro actual, desde 1998, de “Platypus” y “Jelly Jam”.

Mike Portnoy : nació el 20 de abril de el año 1967 en New York, EE.UU. Pese a tocar la batería de forma autodidacta, Mike, recibió importantísimas clases, de forma teóricas, por parte del destacado Mirson Navarro; por cierto estas clases eran dadas en una escuela de estudios superiores. En esta etapa tuvo la gran experiencia de formar parte de sus primeras bandas, las cuales fueron “Intruder”, “Rising Power” e “Inner Sanctus”. Aunque la última se encaminaba por un buen rumbo, lanzando su álbum debut, Mike optó por ingresar al “Berklee College of Music”. Una nueva vida y una nueva banda, luego de dudarlo, se integra definitivamente a “Majesty”, un proyecto musical formado por John Petrucci y John Myung. Con bastante popularidad en sus hombros y un envidiable éxito junto a Dream Theater, Mike, es considerado como uno de los bateristas más importantes y talentosos de la actualidad, además, de ser nombrado, por la revista “Modern Drummer”, como el mejor baterista del clásico Metal Progresivo, ganando dicha mención diecinueve veces. En lo personal se considera un gran seguidor de Neil Peart, el destacado baterista de Rush. A parte de su trabajo con Dream Theater se ha transformado en fundador de otras bandas de tipo progresivas como “Transatlantic”, “Liquid Tension Experiment”, y “O.S.I”.

James LaBrie : nació el 5 de mayo de el año 1963 en Ontario, Canadá. A los cinco años, James, comenzó a cantar y a tocar la batería, cosa que realizó gracias a la constante motivación de su padre. Cuando cumplió seis años desarrolló una voz bien singular ya que esta era mucho más madura, en comparación con la voz de los niños de su misma edad. Estando en la escuela, y con esa voz tan especial, los profesores le sugirieron que tomara clases de canto, más tarde se unió a un coro. James siguió perfeccionando sus dos virtudes, logrando entrar, a los catorce años, a su primera banda como cantante y baterista. Pese a ello, siempre pensó que cantar era su mayor pasión, dejando así de lado, la batería. A los veintiún años tomó clases de canto con la destacada profesora Rosemary Patricia Burns, además de integrar varios proyectos canadienses, destacando lo realizado junto a “Winter Rose”, con quienes lanzó un álbum debut en 1987. En 1991 se enteró que una banda estadounidense, llamada Dream Theater, buscaba urgentemente a un vocalista, sin pensarlo dos veces mandó una muestra de su trabajo y se dirigió rápidamente a New York para una audición. Todo resultó perfecto ya que James fue el gran elegido ante la no despreciable suma de doscientos aspirantes como vocalistas. A demás de ser la talentosa voz de Dream Theater, y tras participar como colaborador en varios álbumes, tiene un proyecto paralelo, creado en 1999, llamado “MullMuzzler”. En el 2005 lanzó a “Elements of Persuasion” su primer trabajo en solitario.

Jordan Rudess : nació el 4 de noviembre de el año 1956 en New York, EE.UU. Su notable destreza para tocar el piano lo hizo ingresar, a los nueve años, a la respetable “Juilliard School of Music”. Pese a maravillar con su indomable talento, a través del clásico sonido del piano, Jordan, poseía en su interior una energía difícil de controlar…la calida energía del Rock. Fue así como, rápidamente, se dejó seducir por los sintetizadores y la fuerza del Rock Progresivo. Sin pensarlo dos veces, y sobre todo frente a la contradictoria opinión de sus padres y profesores, decide abandonar la Música Clásica para seguir una carrera solista dentro del desafiante Rock Progresivo. Durante la década de los 80’ participó en diversos proyectos, pero fue en 1994, luego de lanzar su álbum “Listen”, donde conoce el dulce sabor del reconocimiento tras ser elegido como “Best New Talent” (Mejor Talento Nuevo); por cierto encuesta realizada por los lectores de la revista “Keyboard Magazine”. Este importante premio hizo que varias bandas se fijaran en él, de las cuales dos lucharon codo a codo por sus servicios musicales, The Dixie Dregs y Dream Theater. Finalmente, Jordan, opto por la primera, formando así, una recordada dupla con el baterista Rod Morgenstein. La sorprendente química de estos dos excelentes músicos hizo que juntos formaran un proyecto llamado “RPM”, con el cual han sacado dos álbumes, uno de estudio y el otro en vivo. En 1997, el sello discográfico independiente “Magna Carta Records”, le pidió al baterista Mike Portnoy formar un supergrupo, el cual estaba integrado por Tony Levin (bajo), John Petrucci (guitarra), más la invitación de Jordan Rudess en el teclado. Esta nueva banda, llamada “Liquid Tension Experiment”, lanzó dos álbumes, además de acercar a Jordan con Portnoy y Petrucci, quienes lo invitaron a unirse definitivamente a Dream Theater.

Una de las cosas más destacada de la banda es su versatilidad musical, representada por compositores de un alto nivel instrumental capaces de desarrollar improvisaciones realmente notables. En la antigüedad, aproximadamente en los años 70, el Rock era liderado por bandas que daban espectáculos colosales llenos de solos e improvisaciones que podían demostrar, con orgullo, su innato talento. Un claro ejemplo de ello es Led Zeppelín, el mítico cuarteto ingles que hacia rugir a millones de fans con sus extensas horas de Rock, obteniendo un record de cuatro horas seguidas. En los 80’ esta moda comenzó a decaer notablemente…aunque el surgir del Rock Progresivo cambió esta fría modalidad trayendo consigo, a nuestra actualidad, aquel legado de antaño tan sabio y lleno de maestría, recordándonos aquellos conciertos donde los músicos disfrutaban de su endiablada pasión, como se dice, mojando la camiseta. Y Dream Theater ha mantenido vigente este maravilloso legado ofreciendo shows de cuatro imparables horas, cosa que sus seguidores han agradecido rotundamente, a través, de su impresionante asistencia de público. Según la estadística de la banda el concierto que ha traído más audiencia fue realizado el 6 de diciembre de el año 2005, asistiendo 22.000 personas, en el estadio nacional de Chile.

Los álbumes más importantes de la banda…

When Dream and Day Unite : este álbum fue lanzado el 6 de marzo de el año 1989. La banda se lanza con toda la fuerza de su pasión mostrándonos un debut musical de alto nivel instrumental, donde su majestuosidad el talento aparece de una forma elegante durante todo el álbum. “When Dream and Day Unite” posee un material exclusivo que fue registrado en su primera época...cuando eran llamados, simplemente, “Majesty”. En lo estructural este sería el primero, y el último, trabajo realizado junto al vocalista Charlie Dominici. Los temas más representativos son “A Fortune in Lies”, “The Killing Hand” e “Ytse Jam”.

Images and Words : este álbum fue lanzado el 7 de julio de el año 1992. Nuevo trabajo y más reconocimiento, la banda, comenzaba rápidamente a consagrarse, a través, de un álbum que los nombraría como los representantes más emblemáticos del llamado “Metal Progresivo”. Este sería el debut de un nuevo vocalista, la voz del mítico James LaBrie se consolidaría, hasta la actualidad, como el grito más seductor y endemoniado de Dream Theater. “Images and Word” los inmortalizó en un santiamén mediante un éxito arrasador…meritos que lo hicieron ser Disco de Oro en EE.UU y Japón. Los temas más representativos son el clásico “Pull Me Under”, la semi balada “Another Day”, “Under A Glass Moon” y “Learning to Live”.

Awake : este álbum fue lanzado el 4 de octubre de el año 1994. Siguiendo con la misma ideología musical, estos legendarios guerreros del Rock, unen sus fuerzas para lanzar este nuevo trabajo cargado de oscuridad y bestialidad sonora, incluso, mucho más denso que su antecesor. A pesar de su, digámosle, sonido agresivo, “Awake”, es especial ya que fue concebido mediante un trabajo único, destacando la participación, colaboración y creatividad de todos sus integrantes, sin ningún líder al mando, por esto el ambiente es tan complejo, y a la vez, delicado. En relación a sus integrantes, este seria el último trabajo realizado junto al destacado teclista Kevin Moore. Los temas más representativos son “6:00”, “Caught in a Web”, “The Mirror” y “Lie”.

Falling into Infinity : este álbum fue lanzado el 27 de septiembre de el año 1997. Podría decirse que aquí aparece el punto, o etapa, musical más bajo de la banda. Esta directa opinión fue manifestada por algunos de sus fans ya que catalogaron, al nuevo álbum, como “disco vendido” por poseer, según ellos, canciones comerciales. Pese a ello estas sabias opiniones no estaban tan erradas, como muchos creían, pues el quinteto fue presionado por su propio sello discográfico, llamado “EastWest”, para realizar un trabajo de tipo comercial; cosa que habían aceptado solo para buscar un nuevo rumbo musical, olvidando así el sonido oscuro, que a pesar de ser éxitoso no los conformaba, de “Awake”. “Falling into Infinity” sería el debut oficial del teclista Derek Sherinian, quién llegó en 1995 para participar en el EP “A Change of Seasons”, y a su vez, su último trabajo con Dream Theater. Los temas más representativos son "New Millennium", "Hollow Years" y "Trial Of Tears".

Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory : este álbum fue lanzado el 26 de octubre de el año 1999. Estamos en presencia de la obra más aclamada de la banda, sin duda, un trabajo notable netamente conceptual. Todo gira en torno al pasado de un joven, el cual deberá lidiar con el amor, asesinato e infidelidad de una mujer llamada Victoria Page. Una historia conmovedora que será narrada por el desesperado grito de los instrumentos, liderados, por las clásicas cuerdas vocales del legendario James LaBrie. Dream Theater comienza a encontrar sus talentosos secuases, llegando así, el gran teclista Jordan Rudess. Los temas más representativos son "Scene One: Regression", "Scene Two: Part II. Strange Deja Vu", "Scene Three: Part II. Fatal Tragedy" y "Scene Six: Home".

Six Degrees of Inner Turbulence : este álbum fue lanzado el 29 de enero de el año 2002. Llegamos a una nueva era con Dream Theater en la cima de su creatividad, lo próximo es un trabajo doble que destaca por la bipolaridad sonora de sus dos identidades musicales. El primer disco presenta cinco canciones centradas en una atmósfera densa y experimental, mientras que su hermano gemelo es una extensa pista, de aproximadamente cuarenta y dos minutos, que posee ocho etapas con un sonido reflexivo, armonioso, pero a su vez, explosivo. Los temas más representativos son “The Glass Prison” y “Disappear”.

Train of Thought : este álbum fue lanzado el 11 de noviembre de el año 2003. Rugiendo como una bestia sedienta de Rock, Dream Theater, descuartizaba oídos, a través, de una nueva identidad, más agresiva, de su sonido. Pese a ser un álbum bien recibido por la crítica…no faltaron los que osaron en comparar los nuevos aires musicales de la banda, construyendo así un verdadero muro de Berlín, para separar, la ideología extrema de dos tipos de fans: “los antiguos” aquellos que querían de vuelta el clásico estilo de antaño frente a “los nuevos” aquellos que adoraban la reciente propuesta musical. Los temas más representativos son "This Dying Soul", "Endless Sacrifice" y "Stream of Consciousness".

Octavarium : este álbum fue lanzado el 7 de junio de el año 2005. La banda vuelve a sus raíces musicales gracias a su potente fuerza progresiva de antaño. “Octavarium” se convierte en un brillante diamante que hace relucir su legendario sonido, a manos de un estilo seductor con bruscos cambios de ritmos…siguiendo un esquema tan perfecto que solo el talento de este mítico quinteto podría realizar a la perfección. También puede considerarse un trabajo bipolar, por la gran cantidad de melodías establecidas, que mantiene intacto la creatividad de la banda. Un grito de pasión, un delirio de amor, un colapso de Rock…el tan anhelado éxito se arrodilla ante el “sueño” más hermoso que la civilización musical se ha atrevido a conocer. Los temas más representativos son "The Root of All Evil", "Never Enough" y "Octavarium".

Systematic Chaos : este álbum fue lanzado el 5 de junio de el año 2007. Último trabajo de Dream Theater que viene cargado de variadas sorpresas mediante su virtuosismo y delirante poder instrumental, como el mismo Mike Portnoy lo define: "Técnico y pesado, poderoso y dinámico”. La banda quiso encasillar, de forma intacta, todos sus elementos musicales ya establecidos…para luego dejarlos explotar como una verdadera bomba atómica de Rock. Los temas más representativos son "In the Presence of Enemies Pt.1", "Forsaken" e "In the Presence of Enemies Pt.2".

El futuro de Dream Theater…

Siguiendo un camino ya consagrado por el éxito, el poderoso quinteto, vuelve a los estudios para trabajar en un nuevo álbum que podría dar a luz el próximo año 2009. Estamos en presencia de una banda notable e impresionante, con una química tan mágica que rompe los esquemas, a través, de canciones hermosas, delicadas, pero a la vez, desgarradoras. Todo tiene sentido, todo tiene un porque, el destino fue concebido, el corazón supera a la razón, el Rock tiene su propio creador…y ese hombre fue Dios. Regidos por el talento y la sabiduría musical, la banda, seguirá cosechando más éxitos mediante su endiablado sonido que aparecerá sigiloso, como el serpenteo de una serpiente, para hipnotizarnos con su dominio Rockero tan adictivo. Cuando quieras dejarte llevar por atmósferas extensas y llenas de una dulce complejidad rítmica podrás optar por un solo nombre… Dream Theater.

Así finalizo la publicación de esta siempre legendaría y clásica banda. Como siempre mando mis calidos saludos y agradecimientos a todos los que leen y comentan mis escritos. Nos veremos muy pronto con otro poderoso monstruo del indomable Rock.

MOTORHEAD

2008-09-28T16:32:00.033-04:00

Ahhh bendita Inglaterra progenitora de bandas espectaculares y madre de los más grandes pilares del Rock. Bueno siguiendo con la senda musical de mi blog, y dejando por ahora de lado el romanticismo del sir Elton John, nos vamos a introducir en la historia de uno de los “Power Trios” más violentos de la historia. Con un sonido imponente, una voz ruda y un nombre que remece oídos con el solo hecho de escucharlo…les doy la bienvenida a los míticos Motorhead. Mi historia con esta poderosa banda nace en el año 1996, a través, de su consagrado, y siempre, legendario tema “Orgasmatron”. Pese a ello debo confesar que el clásico himno “Overnight Sensation” es mi principal adoración al invocar los dominios musicales de esta queridísima banda. La vida de Motorhead gira en torno a su principal líder y fundador Lemmy Kilmister quien se ha transformado, gracias a su imponente carácter e imagen, en su integrante más representativo. La leyenda comienza en el año 1975, mismo año en que un joven Lemmy es expulsado de la recordada banda psicodélica “Hawkwind”. Los motivos de su lamentable despido se deben a factores directos y algo confusos, ya que se le acusaba, sin motivos concretos, de ser un drogadicto excesivo. Con la rabia ardiendo en sus venas, y con el amargo sabor de la venganza, decidió partir. Fue así como forjó su propio destino a manos de una banda que fuera totalmente suya, “Bastard”, se transformaría en su primer intento por volver, desesperadamente, al mundo del Rock. La primera formación de este nuevo proyecto estuvo integrado por Larry Wallis en guitarra, Lucas Fox en batería y el infaltable Lemmy Kilmister en voz y bajo. Sin duda el trío tenía fuerza, y sobre todo ganas, pero había algo que no coincidía con todo eso…ese algo resultó ser su nombre. Este punto de vista fue manifestado por el manager de la banda, Doug Smith, quien les aconsejo decididamente a cambiar su original nombre “Bastard”, advirtiéndoles que junto a él sería prácticamente imposible obtener un puesto en el famoso “Top of the Pops”. Lo último, también conocido por las siglas TOTP, era un respetable programa de la televisión británica, por cierto transmitido por la cadena BBC, que presentaba a los artistas y bandas más exitosas y populares del momento. Sin pensarlo dos veces Lemmy, en mutuo acuerdo con sus compañeros, decide rebautizar a la formación con el legendario nombre “Motorhead”, inspirado en el titulo de la última canción que el endemoniado bajista escribió para “Hawkwind”. Para los que no saben les cuento que el llamativo termino “Motorhead” es una jerga utilizada para calificar o nombrar a los consumidores de anfetaminas. “Todo esta sentenciado, el Rock arde en nuestras venas, ya es momento de entrar en acción!!”, les gritaba Lemmy a sus secuaces, quienes nunca pensaron que el camino sería tan difícil. Comenzaron tocando, en algunas ocasiones como teloneros, en distintos escenarios, destacando su primer concierto en el respetable Roundhouse. Al principio recibieron fríos reconocimientos por parte de la exigente crítica, pero pese a ello el rugir de Motorhead seguía completamente vivo. En 1976 ingresa a la banda el talentoso baterista Phil Taylor, entregándole al tridente renovados aires musicales. Por ese tiempo, y aunque tenían un sonido bastante potente, decidieron buscar a otro guitarrista quien resultaría ser el magistral Eddie Clarke. Hay veces en que el destino pareciera estar concebido para las personas, en este caso para Motorhead, ya que el momentáneo cuartero pasaría a ser nuevamente un trío con la salida de Larry Wallis. Si bien la idea de reforzar su sonido con dos guitarras se había derrumbado en un abrir y cerrar de ojos, la banda, encontraba a su tridente más clásico y aclamado, es decir, Lemmy Kilmister en voz y bajo, Eddie Clarke en guitarra y, finalmente, el baterista Phil Taylor. En 1977, y luego de ser nombrados como "la peor banda del mundo", deciden dar un último concierto como despedida para más tarde separarse definitivamente. En ese momento a Lemmy se le ocurre la gran idea de contactarse con Ted Carroll, quien era jefe del entonces sello discográfico ingles “Chiswick Records”, para ver la posibilidad de grabar aquel concierto. Y la mala suerte pareciera seguir rondando porque Ted no llega para realizar la grabación acordada, pese a ello los invita, por solo dos días, al “Escape Studios” para sacar a relucir su creatividad y así poder grabar algún sencillo. No desaprovecharon la dorada oportunidad y en vez de grabar una canción decidieron hacer once, de las cuales ninguna estaba completa. Ted les da un nuevo aventón ofreciéndoles algunos días más en el estudio, cosa que resultó ser un verdadero acierto ya que la banda termina la grabación con trece canciones. Finalmente ocuparon ocho de las trece que hicieron para lanzar su esperado álbum debut llamado, simplemente, “Motorhead”, el mismo que les dio los meritos suficientes para obtener el tan anhelado éxito. Los temas que más me gustan de la banda son “Overnight Sensation”, “Deaf Forever”, “Dogs”, “Orgasmatron”, “Iron Fist”, “Ace of Spades”, “Assassin”, “Doctor Rock”, “Eat The Rich”, “Bomber” y un Rockero etc. Caminos oscuros, rutas rocosas, laberintos confusos y un mar de acertijos…nada es fácil en la vida, eso fue precisamente lo que vivió en carne propia Motorhead, pero sin embargo, la potente fuerza y aquellas incontenibles ganas de salir adelante terminaron por dar rienda suelta a sus primeros, y las vez, exitosos frutos musicales. Con la adrenalina en los huesos, el grito desgarrador en la garganta y la potente furia de un trío que se estaba consagrando rápidamente, Lemmy, enseñaba con rebeldía su indomable creatividad y pasión por la música que ni el más destacado sabio podría opacar. Sin duda, la mítica frase era verdad: NACE PARA PERDER, VIVE PARA GANAR YEAHHHH!!!!!.

Biografía de los integrantes más clásicos de la banda…

Lemmy Kilmister : nació el 24 de diciembre de el año 1945 en Store-on-Trent, Inglaterra. Desde niño, Lemmy, estuvo marcado por la ausencia de su padre, un sacerdote protestante que tras estar solo un día con su madre los abandonó. Este lamentable acontecimiento forjó a temprana edad su personalidad, con esa tan representativa actitud de hombre rudo y rebelde. Desde siempre ha reconocido que su gusto por el Rock se debe a la música de los legendarios Beatles, por cierto, su banda favorita. También dice que ingresó al mundo del Rock por las mujeres, como el mismo dice: “Este es el único negocio en donde puedes encontrar mujeres lindas”. Lemmy aprendió a tocar el bajo de muchas formas ya que constantemente aparecían personas para enseñarle. Esto último fue muy importante para él pues pudo conseguir un conocimiento más amplio del instrumento, y a su vez, un estilo más diverso. En la década de los sesenta comenzó a interactuar con el Rock perteneciendo a bandas sin mucho renombre como “Opal Butterfly”, “Sam Gopal” y “The Rockin’ Vickers”. En 1971 ingresa como bajista a la consolidada banda “Hawkwind”. En 1975, Lemmy, es expulsado de la banda por supuestos consumos excesivos de drogas. Aunque su salida fue dura, se marchó con la cabeza bien en alto y con las incontenibles ganas de formar su propia banda. Fue así como se une a Larry Wallis y a Lucas Fox formando lo que se conocería inicialmente como “Bastard”. Más tarde decide rebautizar, gracias a la oportuna opinión del manager Doug Smith, el nombre de la banda…ahora se autodenominarían “Motorhead”. En el año 2002 publicó su autobiografía llamada “White Line Fever”.

Eddie Clarke : nació el 5 de octubre de el año 1950 en Twickenham, Londres, Inglaterra. A los 15 años, Eddie, comenzó a tocar la guitarra en diferentes bandas, esto duraría hasta 1973, año en que lo hace de forma profesional en una agrupación llamada “Zeus”. Luego tuvo una serie de oportunidades para formar otras bandas, pero lamentablemente para él ninguna llegó a concretarse, desilusionado por su mala fortuna, Eddie, decide abandonar temporalmente el mundo de la música. Sin darse cuenta, y mientras arreglaba una casa flotante, conoce al nuevo baterista de Motorhead, Phil Taylor. Gracias al talentoso baterista, Eddie, pudo conocer a Lemmy Kilmister y ser parte del famoso tridente Motoriano. En 1982, los tres ases más populares del Rock, se disolverían en plena gira por tierras estadounidenses, Eddie, dejaba irremediablemente a la banda manifestando serios conflictos, orientados en la disconformidad del nuevo sonido que estaba teniendo Motorhead, con Lemmy. Siguiendo un nuevo rumbo musical, el recordado guitarrista, formaría su propia banda a la que llama “Fastway”, nombre que fue inspirado en la mezcla de su sobrenombre “Fast” con el apellido del bajista de UFO Pete Way con quien uniría fuerzas para llevar a cabo su proyecto, el mismo que sería disuelto en 1986. Buscando nuevos horizontes, Eddie, se une a otra banda llamada “Lea Hart” con quien saca un nuevo álbum titulado “Fastway”. Tras separar fuerzas musicales con “Lea Hart”, y haber lanzado dos trabajos, emprende una carrera musical en solitario, lanzando en 1993, su álbum debut “It Ain’t Over Till It’s Over”. En el 2007 lanza un álbum doble llamado “Fast Eddie Clarke Anthology”, y a su vez, retorna a los escenarios en compañía de una nueva versión de “Fastway”, formación que aún se mantiene vigente.

Phil Taylor : nació el 21 de septiembre de el año 1954 en Chesterfield, Inglaterra. Phil ingresó a Motorhead en 1976, sustituyendo al baterista original Lucas Fox. A parte de ser un excelente baterista, se le conoce como personaje clave dentro de la banda por ser el principal articife de ayudar a formar el tridente más famoso de Motorhead....cosa que logró presentando a su nuevo amigo, el guitarrista Eddie Clarke, a Lemmy Kilmister. En 1985 se aleja de Motorhead para formar, junto a Brian Robertson, un nuevo proyecto llamado “Operator”. En 1987 regresa al temible tridente estando vigente hasta 1992 donde es expulsado, luego de ser advertido tres veces, por su bajo rendimiento musical. Luego de algunos años formó a “The Web Of Spider” y lo más reciente que se le conoce, año 2007, es la creación de una nueva banda llamada “Capricorn”.

Todas las bandas estan representadas por un emblema que los identifica, ya sean unas letras llamativas o a lo que muchos llaman “mascota”. Hay varios casos de mascotas legendarias, indudablemente uno de ellos es “Eddie”, quien es para mi el más popular, también considerado el septimo integrante de los miticos Iron Maiden. Otro caso importante de mencionar es la famosa mascota de Megadeth, “Vic Rattlehead”, quien suele aparecer en la portada de los trabajos más importantes o clásicos del cuarteto californiano. Pero cuidado porque Motorhead también tiene el suyo y se llama “Snaggletooth B. Motörhead”, también conocido como “Warping”. Su creador fue el artista Joe Petagno quien lo diseñó, en 1977, para la portada del primer trabajo de la banda. Al igual que las otras mascotas nombradas, “Snaggletooth”, suele estar presente en la mayoría de los discos imponiendo un vistoso respeto, a través, de un dibujo bastante llamativo.

Los álbumes más importantes de la banda…

Motorhead : este álbum fue lanzado en septiembre de el año 1977. Comienzan a rugir los motores, a través de un trabajo musical muy recordado por el bipolar ambiente dentro de la banda. Luego de ser azotados por oscuros comentarios y prácticamente ser el hazme reír del Rock, fueron nombrados como la peor banda del mundo, decidieron realizar un último recital de despedida. Fue así como Lemmy se contacta con Ted Cantrall, principal cabecilla del sello discográfico Chiswick Records, para poder grabar el concierto. Lo que parecía ser otra dosis de mala suerte resultó ser la gran oportunidad que necesitaban, ya que Ted en vez de registrar el concierto decide invitarlos a grabar un sencillo. La banda aprovecha la oportunidad y en vez de grabar una canción consiguen realizar trece, de los cuales ocuparon ocho para lanzar su soñado álbum debut. Estamos frente a un trabajo bien Rockero, con marcados toques relajados, pero con una incontenible fuerza que lentamente mostraría su verdadera realidad. Otra novedad la podemos encontrar en su portada ya que ella presenta al legendario “Snaggletooth”, la clásica mascota de Motorhead. Los temas más representativos son “Motorhead”, “Lost Johnny” y “White Line Fever”.

Overkill : este álbum fue lanzado el 24 de marzo de el año 1979. Lo nuevo de la banda ya los empezaría a consolidar dentro del exigente mundo Rockero. “Overkill” los haría debutar, a lo grande, en el prestigioso “Top of the Pops”. Aquí podemos apreciar un sonido más limpio en todo su esplendor, la creatividad sigue presente, y el carácter se vuelve más desafiante aún…pero pese a ello su estilo sigue estando en una completa etapa evolutiva. Los temas más representativos son “Overkill”, “No Class” y “Metropolis”.

Bomber : este álbum fue lanzado el 27 de octubre de el año 1979. Siguiendo el mismo estilo de sus trabajos antecesores, la banda, nos entrega uno de sus primeros álbumes más clásicos y populares. Aquí ya notamos el verdadero rumbo musical de Motorhead, representada por la ruda voz de Lemmy que cada vez se hacia más conocida en los rincones del pueblo inglés. En algunos pasajes la furia se desata y el tridente se vuelve una envidiable máquina creativa de Rock. Los temas más representativos son "Dead Men Tell No Tales", "Stone Dead Forever" y “Bomber”.

Ace of Spades : este álbum fue lanzado el 8 de noviembre de el año 1980. Como se dice por ahí: “El que la sigue lo consigue”....fue precisamente eso lo que realizó Motorhead lanzando uno de los mejores trabajos de su trayectoria musical. “Ace of Spades” tambien es considerado como uno de los mejores álbumes Metal de la historia, además, de servir como inspiración directa para la creación del posterior sonido Trash Metal. Pese a ello, Lemmy, califica al sonido de su banda como simplemente Rock and Roll. En esta ocación la portada no traería al clásico “Snaggletooth”, sustituido por la imagen del poderoso tridente vestidos de vaquero. El tema más representativo es el consagrado himno “Ace of Spades”.

Iron Fist : este álbum fue lanzado el 17 de abril de el año 1982. Si bien este trabajo no fue lo que la banda esperaba, quedaron muy disconformes con su sonido, me parece un álbum interesante que sigue manteniendo la potente fuerza de Motorhead. Esta también sería una amarga etapa para el trío ya que el destacado guitarrista Eddie Clarke se marcharía irremediablemente mientras se encontraban de gira promocionando al álbum. Su salida se debe a fuertes conflictos con Lemmy Kilmister, por cierto relacionados con el nuevo sonido de Motorhead, al parecer el guitarrista se sentía muy insatisfecho con lo nuevo que presentaba el tridente. Pero el espectáculo debía continuar, fue así como se integra rápidamente a la banda el ex guitarrista de Thin Lizzy, Brian Robertson. Los temas más representativos son “Iron Fist” y “Go to Hell”.

Another Perfect Day : este álbum fue lanzado el 4 de junio de el año 1983. Junto a el nuevo integrante, la banda, busca hacer olvidar la ausencia de quien fuera uno de sus pilares más solidos. Fue así como aparece “Another Perfect Day”, uno de los trabajos más melodicos de Motorhead. Aunque se hicieron varios esfuerzos por salir adelante de ese brusco cambio, los fans seguian manteniendo intacto en sus oídos el rugir del guitarrista Eddie Clarke, lo nuevo no dejo para nada satisfechos a sus acerrimos seguidores. Pero eso no sería todo ya que el otro pilar también se derrumbaría, Phil Taylor se aleja, sorpresivamente, de la banda. Los temas más representativos son “Shine” y “I Got Mine”.

Orgasmatron : este álbum fue lanzado el 9 de agosto de el año 1986. Hasta el momento Lemmy Kilmister quedaba como único integrante de Motorhead, desatando a su vez, un verdadero caos. A pesar de eso, el legendario bajista de la voz rasgada, tenia su propio “as de picas” bajo la manga…pidiendo los servicios musicales de los guitarristas Phil Campbell y Wurzel, más el baterista Pete Gill. Si, leyeron bien, el emblemático tridente de antaño había mutado a un potente cuarteto que consolido al máximo la creatividad de la banda, lanzando, este monstruoso álbum. “Soy el único, Orgasmatron, la codiciosa mano extendida. Todas mis promesas son mentiras, todo mi amor es odio. Soy el político y decido tu destino...” fueron las frases que entonaron, al unísono, los agradecidos fans que ya podían sentir la vuelta en gloria y majestad del poderoso sonido de su clásica banda. “Orgasmatron” les trae de vuelta aquel adorado éxito tanto crítico como comercial. Los temas más representativos son “Deaf Forever”, “Claw”, “Doctor Rock” y el irónico “Orgasmatron”.

Rock 'n' Roll : este álbum fue lanzado el 5 de septiembre de el año 1987. El nuevo trabajo traería de vuelta al consagrado baterista Phil Taylor, y en relación a lo estructural se mantiene fijo el cuarteto. Motorhead no podía engañarse a si mismo, era casi imposible superar la magia y creatividad de “Orgasmatron”, concibiendo así, que los temas de “Rock 'n' Roll” fueran catalogados en los puestos más bajos de los rankings, sin duda, lo peor en la historia de la banda. Sin embargo, Lemmy, defiende al álbum diciendo que posee grandes canciones…opinión que es completamente rechazada por los fans. El tema más representativo es el clásico “Eat The Rich”.

1916 : este álbum fue lanzado el 26 de febrero de el año 1991. Tuvieron que pasar cerca de cuatro años para conocer lo nuevo de la banda, que esta inspirado en el sangriento ambiente de la Primera Guerra Mundial. “1916” les trajo de vuelta, tímidamente, el éxito, los fans volvían a interesarse en la banda pero seguían estando insatisfechos. Los temas más representativos son "The One to Sing the Blues" y “R.A.M.O.N.E.S”.

March Or Die : este álbum fue lanzado el 14 de agosto de el año 1992. Aqui se puede apreciar un notable bajon en la banda, sentenciado por el opaco recibimiento de este nuevo álbum. Lo que se podría destacar es la participación de los bateristas Tommy Aldridge (quien participó en la mayoría de las canciones), Phil Taylor y Mikkey Dee. También se podría mencionar la llamativa semi balada "I Ain't No Nice Guy" (interpretada por Lemmy en compañia de Ozzy y Slash), “Hellraiser” (compuesta por Lemmy, Ozzy y Zakk Wilde), y finalmente el cover de Ted Nugent, “Cat Scratch Fever”. En lo estructural este sería el último álbum realizado junto al baterista Phil Taylor quien es expulsado por su bajo rendimiento. El tema más representativo es “Hellraiser”.

Bastards : este álbum fue lanzado el 29 de noviembre de el año 1993. Ya era tiempo de que Motorhead volviera con su desesperante fuerza musical...y así lo hicieron, “Bastards”, los hace volver a sus raíces con temas rápidos y aguerridos. El endemoniado rugir de los motores vuelve a desafiar trayendo a la banda el tan anhelado éxito olvidado. En relación a lo estructural Mikkey Dee se queda finalmente con el puesto de baterista. Los temas más representativos son "Born to Raise Hell" y la autorreveladora semi balada "Don't Let Daddy Kiss Me”.

Sacrifice : este álbum fue lanzado el 11 de julio de el año 1995. Aunque este nuevo trabajo no superó lo obtenido con “Bastards”, aquí se puede apreciar que dentro de Motorhead se siguen mantienendo aires completamente creativos. Es así como la mayoría de las canciones nacieron de improvisaciones, en compañía, de letras absurdas que solo intentan reflejar el buen animo de la banda. Los temas más representativos son "Sacrifice", "War for War" y "In Another Time".

Overnight Sensation : este álbum fue lanzado el 15 de octubre de el año 1996. De partida hay que destacar que retorna el mismo formato de antaño, es decir, vuelve el tridente debió a la repentina salida, en 1995, del guitarrista Wurzel. “Overnight Sensation” consagra a Motorhead con un rotundo éxito, además de sorprender con su denso sonido, que incluso llegaba a ser mucho más audaz que su trabajo anterior. El tema más representativo es el legendario “Overnight Sensation”.

Snake Bite Love : este álbum fue lanzado el 10 de marzo de el año 1998. Aunque no resultó ser un trabajo tan popular y exitoso, en comparación con su antecesor, se puede apreciar que la banda pasa por un buen momento tanto creativo como musical. Pese a que “Snake Bite Love” bajo un poco las revoluciones sonoras, no puedo dejar de alabar el trabajo de Lemmy en las cuatro cuerdas, sin duda, monstruoso!!. Los temas más representativos son “Dogs of War” y el temazo “Assassin”.

We Are Motorhead : este álbum fue lanzado el 16 de mayo de el año 2000. Lo nuevo de la banda no tuvo mucha repercusión, solo podría destacarse el cover de Sex Pistols, “God Save The Queen”. En lo musical estamos frente a un trabajo que destaca por su desenfrenada velocidad y adrenalina. El tema más representativo es el nombrado anteriormente cover “God Save The Queen”.

Hammered : este álbum fue lanzado el 9 de abril de el año 2002. Siguiendo el mismo estilo de su antecesor trabajo, aunque este es más denso, Motorhead nos vuelve a sorprender con éxito y popularidad, pero esta vez, dentro de la Lucha Libre (WWE). Como novedad, “Hammered”, trae dos bonus track, el primero es una canción llamada “The Game” escrita por el principal compositor de la WWE, Jim Johnston, y el otro es el clásico temazo “Overnigth Sensation” en vivo. Los temas más representativos son "Walk a Crooked Mile", "Voices from the War" y "Serial Killer".

Inferno : este álbum fue lanzado el 22 de junio de el año 2004. La poderosa fuerza de la banda sigue vigente a manos de un trio agresivo e insolente en su máxima expresión. Se cumplen 30 años del nacimiento de Motorhead y el tridente lo celebra con “Inferno”, un trabajo desesperadamente talentoso e imponente, que gira, en torno al sonido del temido Metal. Los temas más representativos son “Terminal Show", "Killers" e "In the Black".

Kiss of Death : este álbum fue lanzado el 29 de agosto de el año 2006. Y la sabiduría musical de estos verdaderos “Monstruos del Rock” nos entrega un exquisito trabajo, representado por un sonido bastante similar a su álbum antecesor, es decir, aparecen temas rápidos, directos y muy Rockeros. Los temas más representativos son "Sucker", "God Was Never On Your Side" y "Sword Of Glory".

Motorizer : este álbum fue lanzado el 26 de agosto de el año 2008. Último trabajo del legendario tridente que grita a los cuatro vientos: “Estamos más vivos que nunca!!”. Orgullo Rockero y una pasión que transmite en todo su esplendor, Motorhead, vuelve a las pistas musicales con un álbum dominado por el rugir ruidoso e incansable de sus instrumentos. Los temas más representativos son "Runaround Man", "Buried Alive" y "The Thousand Names Of God".

El futuro de Motorhead...

Si bien la formación más clásica en la historia de la banda a sido el legendario tridente conformado por Lemmy-Clarke-Taylor, no puedo dejar de mencionar otro importantisimo trío que ha rugido bestialmente desde 1996 hasta la actualidad, sin duda, me refiero a Lemmy Kilmister, Phil Campbell y Mikkey Dee. Con un comienzo bastante dificil y una consolidación dorada en el mundo del Rock, Motorhead, ha demostrado ser una de las leyendas vivientes más éxitosas y aclamas de todos los tiempos. La máquina creativa avanza en forma de avalancha, con su imponente sonido, que ha ratos se puede volver un endemoniado tornado para aquellos “oídos sencibles” al majestuoso Rock rebelde. Que más puedo mencionar si ya todo esta escrito en nuestra respetable civilización musical, solo puedo decir que queda mucho más Motorhead por escuchar...así que preparense a seguir resistiendo las densas embestidas en las cuatro cuerdas del mitico Lemmy Kilmister.

Asi finalizo la publicación de esta clásica banda inglesa. Como es de costumbre agradesco a todos los que leen y comentan mis escritos llenos de ese dulce sonido llamado Rock. Nos veremos muy pronto con la exitosa historia de otra legendaria banda...OVERNIGHT SENSATION YEAHHH!!!.

DOS GLORIOSOS AÑOS ROCKEROS...

2008-09-17T13:19:00.012-04:00

Ufff que pasa rápido el tiempo, y sin darme cuenta, ya van dos años de la creación de mi queridísimo blog. El Rock es una identidad musical que puede hablar por sí misma, tiene carácter, historia y millones de seguidores en todo el planeta…es prácticamente una verdadera religión musical. “El Rock Nunca Morirá porque es Inmortal” nació para mantener vigente, y a su vez recordar, a todos aquellos músicos destacados que han entregado su propia vida a la música…con pasión, sin egoísmo y dedicación. En mi blog han sido mencionados Rockeros de todas las épocas, algunos siguen con nosotros y otros lamentablemente han partido antes de tiempo, pese a ello su maravilloso legado sigue más presente que nunca en todos aquellos que aman y tienen tatuado en sus oídos el rugir de su música. El principal objetivo de mis escritos es recordar, homenajear y, sobre todo, entregar una información objetiva a todos los amantes del Rock, ya que lamentablemente la mayoría de las páginas webs de nuestras adoradas bandas se encuentran completamente en ingles. Mi historia comienza, tímidamente, en el 2006…con un recibimiento muy entusiasta de mis primeros lectores. Desde entonces mi blog ha evolucionado notablemente gracias a una madurez tanto de escritura como musical. Cada día pretendo mejorar más para poder entregarles a todos ustedes mis queridos lectores un trabajo humilde, verdadero y sobre todo cargado de ese siempre majestuoso Rock. He escrito más de sesenta publicaciones, cosa que me tiene contento pero no satisfecho…aún falta mucho por crecer. Espero seguir por varios años más en este mundo, quizás no publicando tan seguido como antes, debido a mis estudios, pero si estando siempre presente en mi humilde casa bloggera y en especial, en el elegante mundo del Rock. Quiero agradecer, de todo corazón, a cada uno de ustedes por seguir visitando este calido hogar virtual que he construido con ganas, dedicación, esfuerzo y mucho entusiasmo. Seguiré mejorando mis escritos, se pulirán los detalles y se mantendrá intacto el mismo lema de antaño: “PROPAGAR LA LLAMA DEL ROCK COMO SI FUERA UN GRAN INCENDIO”. Nuevamente muchas gracias, se despide un agradecido León Rockero…

El Rock and Roll no es contaminación acústica. El Rock and Roll no va a morir. El Rock and Roll no es contaminación. El Rocanrolear sobrevivirá. El Rock and Roll nunca morirá. El Rock and Roll no es contaminación. El Rock and Roll es sólo Rock and Roll. (Rock and Roll Ain’t Noise Pollution / AC/DC)

ELTON JOHN

2008-07-27T13:10:00.024-04:00

“¿Qué tengo que hacer para que me ames?, ¿qué tengo que hacer para ser escuchado?, ¿qué digo cuando todo ha terminado, nena?...cuando lo “siento” parece ser la palabra más difícil”. En 1998 escuché por primera vez aquellas desgarradas, y a la vez, verdaderas palabras entonadas por el sir Elton John. Aquel año me relacioné con uno de los músicos más talentosos, carismáticos y sensibles que he escuchado en toda mi vida. Si de mi papá heredé los gustos por Queen, Led Zeppelín y Los Jaivas; de mi mamá heredé los gustos por Janis Joplin y precisamente Elton John, el mismo músico al cual dedicaré mis próximas líneas. Con una voz sincera y una gran técnica en el piano, Elton John, daba sus primeros pasos en el mundo de la música, a través, de un estilo musical bien diverso del cual podemos destacar el Rock y el Pop. Comenzó escribiendo, tímidamente, hermosas y dulces baladas que podían hacer llorar a un nostálgico corazón como también remecer a una orgullosa conciencia. Desde sus inicios ya han pasado más de 40 años dedicados al mundo de la música…años dorados en los cuales ha ganado todo, pero también lo ha perdido todo. Sus canciones son de un alto nivel instrumental y las letras poseen escritos que por lo general están inspiradas en el amor. Desde niño suelo recordarlo con su clásica vestimenta llamativa, inspirada en el Glam Rock, sentado frente al piano y con aquellos grandes lentes. Sus canciones suelen respirar en mis oídos de una forma mágica y alegre, púes su música me transporta, me conquista, me relaja y sobre todo me entiende. Su historia comienza al abandonar la prestigiosa institución “Royal Academy of Music” para entrar directamente al mundo de la música. Sus primeros trabajos musicales, realizados en 1964 y bajo su verdadero nombre Reginald Kenneth Dwight, los hizo como colaborador para diversas bandas. De aquellas bandas podemos destacar a “Bluesology”, la cual era liderada por el vocalista Long John Baldry. Toda la pasión y talento que demostró en aquellos años como colaborador lo hicieron entablar una estrecha amistad con el talentoso Baldry. Fue así como nació su famoso nombre artístico “Elton John”, el cual obtuvo al mezclar, en forma de homenaje, el segundo nombre de Long John Baldry con el nombre del reconocido saxofonista Elton Dean. En 1968 un desconocido joven llamado “Reginald” conocería los primeros bosquejos del éxito tocando el piano para la famosa canción “He Ain’t Heavy He’s My Brother” de los “The Hollies”. En la década de los 70’, y ya con su nombre artístico patentado, lanza, junto a la colaboración del poeta y letrista Bernie Taupin, su segundo álbum llamado simplemente “Elton John”, con el cual consigue el primer gran éxito de su carrera a través de la clásica canción “Your Song”. Como dije anteriormente, Elton John, ha logrado muchos éxitos y fama pero también ha perdido muchas cosas, además, de estar envuelto en la polémica. En 1975 es partidario de uno de sus primeros escándalos ligados a su vida sexual ya que declara públicamente su bisexualidad. También ha tenido que luchar codo a codo con sus enemigos más crueles como las drogas, el alcohol y la bulimia. En 1990 pierde a su gran amigo Ryan White quien muere de SIDA. Pero ese no seria el golpe más duro de su vida ya que tuvieron que pasar solo siete años más para que la tragedia continuara, siendo así, asesinado su amigo Gianni Versace y la dramática muerte, en un choque automovilístico, de su amiga Diana de Gales. Por el lado más positivo podemos mencionar su arrasador éxito en la banda sonora de la película “El Rey León” donde también ganó un premio Grammy y un Oscar. En 1998 es nombrado “Caballero de la Orden del Imperio Británico”, mismo año en que le es otorgado, en forma honorífica, un nuevo premio Grammy por su gran trayectoria musical. Como se pueden dar cuenta la vida de este tremendo músico ingles ha sido una verdadera balanza, equilibrada, entre la alegría y la tristeza. Los temas que más me gustan de este popular Sir son “Sacrifice”, “Believe”, “I Guess That’s Why They Call In Blues”, “Blues Eyes”, “Daniel”, “Can You Feel The Love Tonight”, “Susie”, “Levon”, “Sorry Seems To Be The Hardest Word”, “Circle of Life”, “Don’t Let The Sun Go Down On Me” y un gran etc. Elton John es uno de los artistas más impresionantes en la historia de la música que sigue transmitiéndonos, a través de aquellos recordados himnos, su filosofía de vida…una filosofía basada en el respeto, en la humanidad y sobre todo en el amor. Un grito de esperanza, un susurro de liberación, un canto al mundo, un abrazo al amor eso es Elton John un tipo sensible que escribe canciones con el alma, con todo el corazón. Su música es mágica, eterna, al igual, que ese maravilloso ciclo, el “Ciclo de la Vida”.

Biografía de Elton John…

Elton John : nació el 25 de marzo de el año 1947 en Bangor, Inglaterra. De niño mostró sus dotes innatos de músico tocando a los 4 años el piano. A los 11 obtiene una beca para desarrollarse como músico en la respetada institución Royal Academy of Music, la cual abandonaría, tras seis años de estar en ella, para seguir una pequeña carrera ligada a la música Pop. En 1964 comenzó a trabajar como colaborador para distintas bandas de su ciudad natal, además, de participar en varias bandas que lamentablemente para él no tuvieron el éxito esperado. En 1968 consigue una llamativa popularidad al interpretar el piano para la exitosa canción, de los “The Hollies”, llamada “He Ain’t Heavy He’s My Brother”. Podría decirse que aquel acontecimiento sería el pilar fundamental para atreverse a desarrollar los primeros bosquejos de una carrera musical en solitario. Fue así como lanza, en 1969 y en compañía de Bernie Taupin, su primer álbum llamado “Empty Sky”. Aunque no tuvo el éxito que esperaba por lo menos le ayudo a hacerse un espacio dentro del exigente mundo de la música. Al año siguiente, 1970, lanza su segundo trabajo, llamado “Elton John”, con él cual consigue el primero de muchos éxitos gracias a la canción “Your Song”. Desde 1971 en adelante se consagró definitivamente, a través, de una gran cantidad de himnos que, simplemente, se transformaron en rotundos éxitos. En 1975 participó en la recordada película “Tommy”, obra del talentoso guitarrista Pete Townshend (The Who), y dirigida por Ken Russell. Por aquel tiempo, Elton John, también estuvo rodeado por la sombra de la polémica, mediante unas simbólicas declaraciones con respecto a su bisexualidad. En los 80’ cambió su imagen y estilo dedicándose más a las baladas. En relación a su vida personal se casó, en 1984, con un ingeniero en sonido llamado Renate Blauel. Luego de estar cuatro años casados se divorciaron, y más tarde, Elton, diría que es homosexual. En 1992 fundó una de las más grandes fundaciones, llamada “Elton John AIDS Foundation”, no lucrativas para la erradicación del SIDA. En 1994 consiguió uno de sus éxitos más recordados tras participar en la banda sonora de la película “El Rey León”. En 1998 su destacada trayectoria musical lo hace ser nombrado “Caballero de la Orden del Imperio Británico”. En el 2005 formaliza su relación sentimental, más de doce años, con el director de cine David Furnish. Esto lo pudo llevar a cabo gracias a la vigencia de la nueva ley británica, “la unión de civiles homosexuales”.

Uno de los conflictos más notables que ha tenido Elton John en su exitosa carrera ha sido sin duda con el “Internet”. Más que un conflicto esto se transformó en una verdadera guerra ya que el carismático músico acusa al Internet de ser el culpable directo de las escasas ventas de su último álbum “The Captain & The Kids”, por cierto, lanzado en el año 2006. El vocalista acostumbrado de vender más de 400 millones de discos en toda su trayectoria, se sorprendió al saber que uno de sus últimos trabajos había vendido solo 100.000 copias, desatando toda su furia contra el que pareciera ser su nuevo enemigo. Ha sido tan desafiante y lapidaría su propuesta contra el mundo virtual que ha declarado cosas como: “Habría que cerrar por cinco años Internet y ver qué tipo de arte se produce en ese periodo”. También se auto declaró el mayor “técnofobo” de todos los tiempos, además, de esperar que el próximo movimiento sea tirar abajo a Internet.

Algunos de los álbumes más importantes de Elton John…

Empy Sky : este álbum fue lanzado el 3 de junio de el año 1969. Así comienza la mágica historia musical de Elton John mediante este trabajo inspirado en el clásico sonido del Rock Psicodélico. Pese a ello también podemos percibir la tradicional melodía que este joven músico se encargaría de inmortalizar con el pasar del tiempo. Otra cosa que es sumamente importante mencionar es la colaboración del letrista Bernie Taupin quien ayudó, mediante su destacada creatividad, a Elton John para conquistar rápidamente el éxito. Los temas más representativos son “Empty Sky”, “Val-Hala” y “Skyline Pigeon”.

Elton John : este álbum fue lanzado el 10 de abril de el año 1970. Este disco es considerado, por muchos, como el debut oficial de Elton John debido a que fue su primer trabajo conocido en América, además, de traer consigo su primer gran éxito a nivel mundial, “Your Song”. Puede decirse que es uno, o el, trabajo más importante ya que además de hacerlo popular lo catapultó a ser reconocido como uno de los mejores compositores del momento. Su consagrado éxito lo hizo ser rápidamente Disco de Oro. Los temas más representativos son “I Need You To Turn To”, “The Cage”, “Take Me To The Pilot” y el aclamado “Your Song”.

Madman Across The Water : este álbum fue lanzado el 5 de noviembre de el año 1971. Este disco es bastante reflexivo y tranquilo…donde la fuerza del piano y la potente voz de Elton John siguen siendo el pilar fundamental. En esta etapa la composición seguía siendo liderada por la dupla “Elton-Taupin” que a esa altura ya se estaban transformando en dos verdaderos monstruos creativos. El anhelado éxito hizo que “Madman Across The Water” se convirtiera en doble Disco de Platino. Los temas más representativos son “Tiny Dancer”, el clásico “Levon” e “Indian Sunset”.

Don’t Shoot Me I’m Only The Piano Player : este álbum fue lanzado el 22 de enero de el año 1973. Este nuevo trabajo musical se transformó en otro consagrado éxito para el mítico Sir. “Don’t Shoot Me I’m Only The Piano Player” esta representado, estructuralmente, por canciones ligadas al Pop, por cierto muy seductoras en su propuesta, y por hermosas baladas; lo último el principal fuerte y arma legendaria del carismático vocalista. Los temas más representativos son “Daniel” y el simpático “Crocodile Rock”.

Goodbye Yellow Brick Road : este álbum fue lanzado el 5 de octubre de el año 1973. La consagración en el mundo de la música es finalmente concebida gracias a este tremendo álbum, el cual es considerado su trabajo más exitoso, y a la vez, vendido de su destacada trayectoria. Por aquellos años, Elton John y compañía, se sorprendieron al tener tanto material recopilado, fue así como decidieron lanzar a “Goodbye Yellow Brick Road” como disco doble, el cual recibió de inmediato la ovación por parte de los fans y la critica certificándole siete Discos de Platino. Aquí también podemos encontrar un pequeño homenaje, para la recordada y bella Marilyn Monroe, en la canción “Candle In The Wind”. Los temas más representativos son “Funeral For A Friend/Love Lies Bleeding”, “Bennie and The Jets”, “Goodbye Yellow Brick Road”, “Grey Seal”, “All The Girls Love Alice” y “Candle In The Wind”.

Jump Up! : este álbum fue lanzado el 9 de abril de el año 1982. Llegamos a la recordada década de los 80’ con un Elton John, quizás, más reflexivo de lo normal que llora la muerte de su amigo John Lennon. “Jump Up!” se transformó en un nuevo éxito para el talentoso vocalista, convirtiéndose, en Disco de Oro. Si bien la fama retorna a sus dominios musicales, la tristeza vuelve a aparecer en su vida tras el asesinato, a sangre fría, del querido ex Beatle…este trabajo es un simbólico homenaje para Lennon. Los temas más representativos son “Ball and Chain”, la hermosa balada “Blue Eyes”, “Princess” y “Empty Garden (Hey Hey Johnny)”.

Sleeping With The Past : este álbum fue lanzado en agosto de el año 1989. En esta etapa, la dorada dupla Elton-Taupin, comenzó a buscar un sonido más llamativo, y a la vez, calido para sorprender a sus fans. Fue así como nació la idea de rendir un pequeño homenaje al estilo musical que tanto les cautivó desde que eran jóvenes, el R&B. Bueno y para hacerlo más interesante aún, lo mezclaron con Soul, consiguiendo así, el maravilloso estilo que tanto buscaban. “Sleeping With The Past” es nostálgico y sentimental ya que trae de vuelta a aquel clásico sonido de antaño que conquistaba con dulzura y simpleza, por aquellas inolvidables décadas de los 60’ y 70’. Los temas más representativos son “Healing Hands”, “Club At The End Of The Street”, “Sleeping With The Past” y el temazo “Sacrifice”.

Made In England : este álbum fue lanzado el 20 de marzo de el año 1995. Las dedicatorias y homenajes vuelven aparecer ya que Elton John dedica este trabajo a su novio David Furnish, y “en memoria” de Denis Gauthier y Peter Williams. Pese a ser un álbum interesante no logró la popularidad esperada, quizás, al aún vigente éxito de su proyecto anterior realizado, en 1994, para la banda sonora de la película “El Rey León”. Los temas más representativos son “Believe”, “Made In England” y “Belfast”.

The Big Picture : este álbum fue lanzado el 22 de septiembre de el año 1997. La característica de este trabajo es el fuerte sonido de su ambientación, liderada, por la potencia de la orquesta. Aquí se pierde un poco el rumbo musical de antaño, púes, la exquisita técnica de Elton en el piano es medianamente superada por la atmósfera. “The Big Picture” está dedicado a otro de sus grandes amigos, el diseñador de vestuario Gianni Versace, quien fue asesinado algunos meses antes de ser lanzado este álbum. Los temas más representativos son “Something About The Way You Look Tonight” y “January”.

Song From The West Coast : este álbum fue lanzado el 1 de octubre de el año 2001. Este trabajo es una vuelta en gloria y majestad a sus raíces musicales ya que el sonido del piano vuelve a ser el elemento principal de su composición e interpretación. También es el retorno de algunos ex integrantes, como la vuelta del destacado baterista Nigel Olsson. En su portada aparece el popular restorán “Rae’s Restaurant”, lugar que es ocupado, reiteradamente, para el rodaje de algunas películas. Elton John confesó públicamente que para realizar este trabajo se inspiró al primer momento que escuchó la canción “Heartbreaker” de Ryan Adams. Los temas más representativos son “Dark Diamond”, “American Triangle”, “Birds” y “This Train Don’t Stop There Anymore”.

The Captain & The Kid : este álbum fue lanzado el 18 de septiembre de el año 2006. Último álbum de Elton John que presenta como temática e inspiración todo lo que ha ocurrido en su vida desde que comenzó, hace 40 años, a trabajar en el mundo de la música. “The Captain & The Kid” sigue manteniendo intacto el talento de este respetado y siempre querido músico ingles. Pese a ello la polémica explotó a raíz de unas declaraciones del propio Elton, las cuales culpaban al Internet de opacar sus ventas, pidiendo públicamente manifestaciones de apoyo y marchas en protesta contra el movimiento virtual. Los temas más representativos son “Blues Never Fade Away”, “The Bridge”, “Tinderbox” y “The Captain & The Kid”.

El futuro de Elton John…

Era imposible dejar de homenajear a este tremendo músico, que si bien su estilo no es un Rock totalmente puro, tiene meritos suficientes para estar en mi querido blog. En relación a lo musical “The Captain & The Kid” posee varios privilegios como ser su álbum número 44, una impresionante cifra que no es menor, y quizás sea el último trabajo que lanza al mercado bajo su legendario nombre artístico, Elton John. La afirmación anterior fue manifestada en uno de sus conciertos, promocionando a “The Captain & The Kid”, realizados en Las Vegas. Aunque su idea no fue planteada de forma directa ni concreta pudo dejar en el ambiente aquella sensación que obviamente sorprendió a todos sus fans y admiradores presentes. Para finalizar solo puedo decir que las canciones de este tipo me encantan y sería una verdadera pena que se retirara o que dejara en un baúl su emblemático nombre, solo sigo confiando que aún queda mucho Elton John por escuchar…¿Puedes sentir el amor esta noche?.

Asi finalizo la publicación de este carismático músico ingles. Como es de costumbre mando mis saludos y agradecimientos a todos los Rockeros de corazón que leen y comentan mis escritos. Nos veremos muy pronto con otro respetable e inmortal monstruo del Rock.